जॉर्ज हेरोल्ड और द ल्यूमिनस वेस्ट, कुन्स्टम्यूजियम बॉन में

अधिकांश लोग शायद Georg Herold को तथाकथित “पुरानी पीढ़ी” के सदस्य के रूप में वर्गीकृत करेंगे। आखिरकार, उनकी उम्र 70 वर्ष है। और वास्तव में, सात वर्ष पहले Kunstmuseum Bonn ने एक महत्वाकांक्षी सामूहिक प्रदर्शनी The Luminous West में उन्हें शामिल करते समय आधिकारिक रूप से उन पर यह दुर्भाग्यपूर्ण और कुछ हद तक निरर्थक लेबल लगा दिया था। उस प्रदर्शनी में जर्मनी के राइनलैंड / नॉर्थ राइन-वेस्टफेलिया क्षेत्र से जुड़े 33 कलाकारों की कृतियाँ प्रस्तुत की गई थीं। प्रदर्शनी का उद्देश्य जर्मनी के इस हिस्से की सौंदर्यपरक विरासत की एक सुसंगत दृष्टि स्थापित करना और उसे क्षेत्र के संभावित भविष्य के पूर्वानुमानात्मक परीक्षण से जोड़ना था। इस विशाल कार्य को पूरा करने के लिए संग्रहालय ने एक अनूठा क्यूरेटोरियल दृष्टिकोण अपनाया। सबसे पहले, उसने अपनी पाँच-सदस्यीय अकादमिक टीम को ऐसे 19 कलाकार चुनने का कार्य सौंपा, जो उनके शब्दों में, “पुरानी पीढ़ी” का प्रतिनिधित्व करते हों। टीम ने क्षेत्र के उस “ऐतिहासिक केंद्र” से शुरुआत की, जिसमें पाँच कलाकार शामिल थे: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter और Blinky Palermo। इसके बाद उन्होंने 14 और “पुराने” कलाकार चुने, जिनमें Georg Herold भी शामिल थे। फिर संग्रहालय ने इन तथाकथित “पुराने” कलाकारों—या कम-से-कम उनमें से जो अभी जीवित थे—को आमंत्रित किया कि वे “युवा पीढ़ी” के ऐसे कलाकारों की सिफारिश करें, जिनकी कृतियाँ उन्हें प्रदर्शनी में शामिल किए जाने योग्य लगती थीं। चूँकि उस समय Georg Herold की उम्र 63 वर्ष थी, इसलिए शायद यह अपमानजनक न लगे कि उन्हें पुरानी पीढ़ी के प्रतिनिधि के रूप में चुना गया। फिर भी, इस पदनाम में कुछ गलत-सा लगता है। ऐसा बहुत समय पहले की बात नहीं है जब Herold कला-जगत में बिल्कुल नए थे। और आज तक उनका काम आकर्षक, ताज़ा, चतुर, बेबाक और उकसाने वाला बना हुआ है—कई मामलों में उन कालानुक्रमिक रूप से छोटे कलाकारों से कहीं अधिक, जो The Luminous West में कथित रूप से भविष्य का प्रतिनिधित्व कर रहे थे। यह तथ्य उसी स्थान, Kunstmuseum Bonn, में वर्तमान में प्रदर्शित नए एकल Georg Herold प्रदर्शनी से तीव्रता से सामने आता है। उनकी कृतियाँ अब भी गतिशील हैं और कला की अग्रिम सीमा का प्रतिनिधित्व करती रहती हैं। इससे मुझे आश्चर्य होता है कि क्या कला में “पुरानेपन” को मापने का एकमात्र आधार जैविक आयु होनी चाहिए। जैसा कि Herold प्रदर्शित करते हैं, कभी-कभी समय बीतने के साथ ही किसी कलाकार से सर्वश्रेष्ठ विचार और सबसे प्रभावशाली कृतियाँ उभरती हैं, और शुरुआती कार्यों का पूर्ण अर्थ व संभावनाएँ अंततः प्रकट होती हैं।

देर से प्रवेश

Georg Herold का जन्म 1947 में जर्मनी के Jena में हुआ था, जो लगभग 100,000 निवासियों वाला एक विश्वविद्यालयी नगर है। उनका प्रारंभिक प्रशिक्षण लोहार के प्रशिक्षु के रूप में हुआ, जिसके बाद उन्होंने विश्वविद्यालय में प्रवेश लिया और कलाकार बनने के लिए गंभीरता से अध्ययन शुरू किया। उन्होंने सबसे पहले अपने पालन-पोषण के स्थान के निकट Halle नगर स्थित University of Art and Design Halle में अध्ययन किया। फिर वे देश के दक्षिणी भाग में Munich चले गए, जहाँ उन्होंने 1974 से 1976 तक Academy of Fine Arts में पढ़ाई की। इसके बाद वे उत्तर की ओर Hamburg गए, जहाँ उन्होंने 1977 से 1981 तक Sigmar Polke के अधीन University of Fine Arts में अध्ययन किया। Hamburg में रहते हुए Herold की पहचान कई अन्य छात्र कलाकारों से हुई, जिनमें प्रमुख थे Martin Kippenberger और Albert Oehlen। ये कलाकार कला-निर्माण के अपने पंक दृष्टिकोण के कारण पहले ही अपनी पहचान बनाना शुरू कर चुके थे।

इन नए उच्छृंखल कलाकारों के साथ Herold को 1980 के दशक के जर्मन कला-दृश्य के उभरते “बुरे लड़कों” में से एक कहा जाने लगा। विश्वविद्यालय से स्नातक होने तक Herold की उम्र 34 वर्ष थी। फिर भी, उन्हें नई, युवा और उद्दंड पीढ़ी का हिस्सा माना जाता था। इन “बुरे लड़कों” में से एक अधिक समय तक जीवित नहीं रहा। Kippenberger की 1997 में 44 वर्ष की आयु में मृत्यु हो गई, लेकिन अपने छोटे से करियर में उन्होंने कला-जगत पर अत्यंत व्यापक प्रभाव डाला और लगभग अकेले ही समकालीन कलाकार होने के अर्थ को फिर से परिभाषित कर दिया। Oehlen आज भी कलाकार और शिक्षक के रूप में सक्रिय हैं। उनके अमूर्त चित्र लोकप्रिय हैं और प्रक्रिया पर उनके अन्वेषणों ने उभरती पीढ़ियों के कलाकारों पर अत्यंत प्रभाव डाला है। और फिर Herold हैं, जो उन “बुरे लड़कों” में सबसे उम्रदराज़ हैं। उन्हें परिपक्व होने में सबसे अधिक समय लगा और कुछ मायनों में उन्होंने सबसे लंबे समय तक वर्गीकरण का विरोध किया। जैसा कि उन्होंने एक बार कहा था, “मेरा उद्देश्य ऐसी अवस्था तक पहुँचना है जो अस्पष्ट हो और हर तरह की व्याख्याओं की अनुमति दे।” इस लक्ष्य के अनुरूप, उनका समग्र कार्य किसी भी और हर प्रकार के वर्गीकरण को चुनौती देता है, और उसमें शामिल किसी एक कृति का भी अब तक सफलतापूर्वक अंतिम निदान नहीं किया जा सका है।

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, कैवियार, वार्निश, कैनवास पर स्याही, 31 1/2 × 43 1/4 इंच, 80 × 109.9 सेमी, फोटो सौजन्य Magenta Plains, New York

इसी पर टिके रहना

जिस पहली कलाकृति के लिए Georg Herold को याद किया जाता है, वह निर्माण में इस्तेमाल होने वाली पतली लकड़ी की एक पट्टी थी, जिसे दीवार पर पेंच से लगाया गया था। उन्होंने इस कृति का नाम Präsentation der ersten Latte, या पहली पट्टी की प्रस्तुति रखा था। यह कृति 1977 में बनाई गई थी, जब वे अभी पढ़ाई कर रहे थे और Sigmar Polke द्वारा पढ़ाई जाने वाली कक्षा में एक असाइनमेंट के लिए इसे तैयार किया गया था। कड़े औपचारिक अर्थों में यह कृति निर्विवाद थी। यह रेखा और रूप का प्रतिनिधित्व करती थी। दीवार पर टँगी त्रि-आयामी वस्तु के रूप में इसने चित्रकला और मूर्तिकला की भूमिकाओं को चुनौती दी। यह न्यूनतावादी भी थी और अवधारणात्मक भी। इसका शीर्षक किसी अनुष्ठानिक कार्य का संकेत देता था। एक सामग्री के रूप में इसका इतिहास यह दर्शाता था कि यह आगे आने वाली किसी बड़ी चीज़ का घटक थी। एक मिली हुई वस्तु के रूप में इसकी स्थिति Marcel Duchamp और Robert Rauschenberg का स्मरण कराती थी। लेकिन इसमें कुछ विनोदपूर्ण और शायद कुछ बेतुका भी था।

लेकिन समय के साथ उस पहली कृति का शीर्षक भविष्यवाणीपूर्ण सिद्ध हुआ। Herold बार-बार निर्माण में प्रयुक्त लकड़ी की पट्टियों की सामग्री की ओर लौटे हैं। उन्होंने उन्हें बड़ी मूर्तियों में इस्तेमाल किया, अलग-अलग विन्यासों में दीवार पर टाँगा, चित्रों और अन्य कृतियों के आधार के रूप में उपयोग किया और भयावह, आकृतिमूलक मूर्तियों की एक शृंखला बनाने में कच्ची सामग्री के रूप में भी अपनाया। इन रूपों को बनाने के लिए Herold निर्माण-पट्टियों को धागे और पेंचों से बाँधते हैं। फिर वे बँधी हुई लकड़ियों पर कैनवास खींचते हैं, जिससे मानव शरीर के आकार के ऊपर एक प्रकार का कोकून बन जाता है। वे समय के साथ कैनवास को सूखने और सिकुड़ने देते हैं, फिर उस रूप पर रंग और वार्निश लगाते हैं। कुछ मामलों में वे इन रूपों की सीमित संस्करण वाली कांस्य प्रतिकृतियाँ भी बनाते हैं। Sigmar Polke के साथ उस कक्षा में किए गए उनके शुरुआती काम के संदर्भ में देखे जाने पर ये आकृतिमूलक रूप संभावित अर्थों की गहराई में काव्यात्मक लगते हैं। लेकिन उनकी भौतिक प्रकृति की जानकारी के बिना भी, उनकी उपस्थिति पीड़ा से लेकर संवेदनशीलता तक अनेक भावनाएँ जगाती है। वे मानवीय भी हैं और अमानवीय भी, और नृत्य के दृश्यों से लेकर मृत्यु के चित्रों तक असंख्य व्याख्याओं को जन्म देते हैं।

Georg Herold - Untitled, 2011, लकड़ी की पट्टी, कैनवास, वार्निश, धागा और पेंच, 115 x 510 x 65 सेमी, छवि © Saatchi Gallery, सभी अधिकार सुरक्षित

कैवियार और ईंटें

Herold जिन कार्य-समूहों के लिए प्रसिद्ध हुए हैं, उनमें एक शृंखला ऐसी चित्रकृतियों की है जिनमें मछली के अंडों को प्राथमिक माध्यम के रूप में इस्तेमाल किया गया है। ये अमूर्त कैवियार चित्र कोरियाई दानसैख्वा चित्रों की परंपरा में शांत और प्राकृतिक गुण रखते हैं। वे लगभग एकरंगी, हल्की बनावट वाले और सुंदर हैं। लेकिन प्रश्न उनका माध्यम उठाता है। इन्हें बनाने में इस्तेमाल हुए लाखों, शायद अरबों मछली-अंडों का अर्थ है कि वे शाब्दिक रूप से हत्या के मैदान हैं। वे सचमुच व्यर्थ की गई संभावनाओं का प्रतिनिधित्व कर सकते हैं। फिर भी, कैवियार आखिर भोजन ही है—और ऐसा भोजन भी जो बिल्कुल आवश्यक नहीं है। यह महँगी विलासिता है। इन चित्रों द्वारा व्यापार, कला और शोषण के बारे में दिए जाने वाले किसी भी संदेश पर बहुत कुछ चर्चा की जा सकती है। फिर भी, शायद कहने को कुछ भी नहीं है। शायद वे बस सुंदर चित्र हैं।

Georg Herold - Untitled, 2011, कैवियार (क्रमांकित), कैनवास पर ऐक्रेलिक और वार्निश, 2 भाग, प्रत्येक 350 x 203 सेमी, छवि सौजन्य Galerie Bärbel Grässlin

एक अन्य सामग्री जिसकी ओर Herold बार-बार लौटते हैं, वह ईंटें हैं। वे ईंटों को सीधे अपनी चित्रकृतियों की खिंची हुई कैनवास सतहों से जोड़ते हैं। ईंटों का भार अक्सर सतह को नीचे खींचता है, जिससे वह फैलती है और कपड़े में झुर्रियाँ व लहरियाँ बनती हैं। इसका स्वरूप प्रायः आंशिक रूप से नष्ट हुई कलाकृति जैसा लगता है। दर्शक देखते और सोचते रहते हैं कि क्या ईंटें अंततः गिर जाएँगी—इससे कृति में एक अंतर्निहित तनाव पैदा होता है। ये कृतियाँ घटित होने की प्रतीक्षा करती आपदाओं जैसी लगती हैं। साथ ही, वे पदार्थ, बनावट, आयामिता और अंतरिक्ष का आकर्षक परीक्षण भी हैं। वे हास्यास्पद हैं और एक तरह से उनमें उपहासपूर्ण भाव भी है। वे अत्यंत अस्पष्ट भी हैं। वे हमें जो दिखाती हैं और जो बताती हैं, उनके बीच एक विशाल खाई है। फिर भी, वे बस एक निर्माण हैं—पहली पट्टी की प्रस्तुति से आगे बढ़ा हुआ एक और कदम। सबसे उल्लेखनीय बात यह है कि वे ताज़ा हैं। वे इस बात का निरंतर प्रमाण हैं कि Georg Herold ऐसे कलाकार नहीं हैं जिन्हें किसी भी पुरानी पीढ़ी का हिस्सा कहकर लेबल किया जाना चाहिए। वास्तव में, पूरे सम्मान के साथ कहें तो कोई भी जीवित कलाकार ऐसा लेबल पाने योग्य नहीं है।

Kunstmuseum Bonn में Georg Herold की प्रदर्शनी 7 जनवरी 2018 तक प्रदर्शित है।

मुख्य छवि: Georg Herold - Herrenperspektive (पुरुषों का दृष्टिकोण), 2002, छत की पट्टियों, काँच और सुतली की मूर्ति, 235 x 60 x 365 सेमी, फोटो © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, फोटो: Galerie Grässlin

सभी छवियाँ केवल चित्रण के उद्देश्य से उपयोग की गई हैं

लेखक: Phillip Barcio