अब्द्स्ट्रैक्ट और फिगरेटिव को मिलाना - अल्बर्ट ओहलेन की कला

पहली नज़र में Albert Oehlen की कई चित्रकारी जटिल लगती हैं, जैसे दृश्य रूप में शोर हो। वे रूपात्मक तत्वों को पूरी तरह अमूर्त तत्वों के साथ मिलाती हैं। वे प्रक्रियाओं, सामग्रियों और तकनीकों के एक व्यापक और लगातार विकसित होते संग्रह को समाहित करती हैं। जब हम उन विभिन्न तत्वों पर ध्यान केंद्रित करते हैं, तो रचनाएँ कभी-कभी असंबद्ध और असंगत लग सकती हैं। लेकिन जब इन्हें व्यापक दृष्टिकोण से देखा जाता है, न कि अंतिम दृश्य वक्तव्य के रूप में, बल्कि गहरे सौंदर्यात्मक प्रतिक्रिया के लिए उत्प्रेरक के रूप में, तो उनकी चित्रकारी में एक सामंजस्य की भावना उभरती है। ओहलेन सिगमार पोलके के छात्र थे, जो एक जर्मन चित्रकार, फोटोग्राफर और प्रोफेसर थे, जिन्होंने रूपांकन और अमूर्तता के बीच की सीमाओं को चुनौती दी। और वे मार्टिन किप्पेनबर्गर के पूर्व सहवासियों में से एक हैं, जो एक जर्मन मूल के बहु-माध्यम कलाकार हैं और जो वस्तुनिष्ठ दुनिया और अमूर्तता के बीच के संबंधों की खोज के लिए भी जाने जाते हैं। वे क्रिस्टोफर वूल के भी लंबे समय के मित्र हैं, जो एक चित्रकार हैं जो साहसिक पाठ-आधारित संदेशों को अमूर्तता के साथ इस तरह जोड़ते हैं कि दोनों के बीच कठोर रेखाएँ बनती हैं, जबकि साथ ही यह सुझाव देते हैं कि वे एक ही हैं। जिस तरह से ओहलेन ने रूपांकन और अमूर्तता को मिलाया है, उनके कार्यों का समूह इन तीनों कलाकारों की विरासत के साथ स्पष्ट रूप से जुड़ा हुआ है। लेकिन इसमें एक और महत्वपूर्ण, कम स्पष्ट समानता भी है: यह जितना दिखता है उससे सरल है।

अल्बर्ट ओहलेन का विकास

अल्बर्ट ओहलेन का जन्म 1954 में क्रेफेल्ड, जर्मनी में हुआ था, जो डसेलडोर्फ के उत्तर-पश्चिम में है। वे एक कलात्मक परिवार में पले-बढ़े। ओहलेन के पिता एक कलाकार थे, और उनके छोटे भाई मार्कस, जो उनसे दो साल छोटे हैं, एक कुशल अमूर्त लोक कलाकार बन गए हैं, जो चित्रकारी और मूर्तिकला दोनों माध्यमों में काम करते हैं। अल्बर्ट ने कहा है कि उन्हें हमेशा पता था कि वे कलाकार बनेंगे, जैसे कि यह उनके लिए स्वाभाविक था। लेकिन चित्रकारी, और विशेष रूप से अमूर्त चित्रकारी पर ध्यान केंद्रित करने का निर्णय धीरे-धीरे उनके मन में आया।

ओहलेन ने 1978 में हैम्बर्ग की फाइन आर्ट्स विश्वविद्यालय से अपनी डिग्री पूरी की। स्कूल के बाद उन्होंने विभिन्न अभिव्यक्ति रूपों के साथ प्रयोग किया, जिनमें संगीत भी शामिल था। लेकिन जब वे जर्मनी से स्पेन गए, जहाँ वे मार्टिन किप्पेनबर्गर के साथ एक घर साझा कर रहे थे, तब उन्होंने एक अमूर्त चित्रकार के रूप में अपनी आवाज़ पाई। 2009 में इंटरव्यू मैगज़ीन के साथ एक साक्षात्कार में, ओहलेन कहते हैं कि उन्होंने कला के प्रति अपने दृष्टिकोण को बदलने का अवसर लिया। “मैं कुछ नया शुरू करना चाहता था, जिसका मैं लंबे समय से सपना देख रहा था, जो कि अमूर्त चित्रकारी थी,” ओहलेन ने कहा, “और मैंने इसे वहीं [स्पेन में] शुरू करने का मौका लिया, जो बहुत अच्छा था क्योंकि हम बहुत अलग-थलग थे। वह घर सिर्फ मार्टिन और मैं थे, इसलिए आप अपनी गलतियाँ कर सकते थे और देख सकते थे कि दूसरा कैसे प्रतिक्रिया देता है।”

Albert Oehlen - बिना शीर्षक, 1989। कैनवास पर तेल और रेजिन। 23 4/5 × 28 9/10 इंच। 60.4 × 73.5 सेमी। © Albert Oehlen

चित्रकारी की अनिश्चितता

स्वतंत्र रूप से प्रयोग करने और असफल होने की आज़ादी ने ओहलेन को उनकी कला में असुरक्षा के महत्व का एहसास कराया। यह जानने में एक अंतर्निहित उत्साह होता है कि कुछ कैसे निकलेगा। एक जीवंत शक्ति कलाकार को अज्ञात या अनकल्पित को प्रकट करने की ओर प्रेरित करती है। लेकिन पूरी स्वतंत्रता का एक संभावित नुकसान यह हो सकता है कि यह लकवा मार सकती है। यदि किसी को पता ही न हो कि वह कहाँ जा रहा है, तो वह कहाँ से शुरू करे? खुद को पर्याप्त संरचना देने के लिए ताकि ध्यान केंद्रित रह सके और साथ ही प्रयोग की स्वतंत्रता का आनंद भी लिया जा सके, ओहलेन ने स्टूडियो में अपने लिए सरल नियम बनाना शुरू किया।

ये मनमाने नियम केवल उन्हें अपनी प्रक्रिया में चुनौती देने, अप्रत्याशितता और संघर्ष पैदा करने के लिए होते हैं। वे कभी-कभी अपने कार्यों को एक ही रंग तक सीमित कर देते हैं। कभी-कभी वे खुद को धीमे चलने की सीमा देते हैं। ओहलेन के पसंदीदा मनमाने नियमों में से एक, जिसे वे डसेलडोर्फ की कला अकादमी में पढ़ाते समय अपने छात्रों के साथ साझा करते थे, था, “सामग्री बदलो। क्योंकि बहुत सारे निर्णय आप जानते नहीं होते। यह तब शुरू होता है जब आप कला सामग्री खरीदने जाते हैं। आप निर्णय लेते हैं, और वे हमेशा एक जैसे होते हैं, जैसे कि आप किस प्रकार के ब्रश खरीदते हैं। और यदि आप कुछ बदलने के लिए मजबूर होते हैं, तो यह काम में एक असुरक्षा लाता है जो बहुत मददगार होती है। यह आपको पता लगाने में मदद करता है कि आपको वास्तव में क्या चाहिए।”

Albert Oehlen - टाइटेनियम कैट विद लैबोरेटरी टेस्टेड एनिमल, 1999। कैनवास पर तेल। © Albert Oehlen

कुछ भी बदसूरत नहीं है

दशकों तक प्रयोग करने और खुद पर मनमाने प्रतिबंध लगाने के बाद, ओहलेन ने एक मज़ेदार निष्कर्ष निकाला है। कार्यों की अनूठी भौतिक विशेषताओं के कारण, कोई भी चित्रकारी को बदसूरत बनाने के लिए बहुत कुछ नहीं कर सकता। एक समय था जब खराब चित्रकारी का विचार कई क्यूरेटरों और कलाकारों के मन में था, जिनमें ओहलेन भी शामिल थे। खराब चित्रकारी की विभिन्न परिभाषाएँ विचार की गईं। कुछ का मानना था कि यह प्रक्रिया से जुड़ा है। अन्य मानते थे कि यह रचना या कार्य की सौंदर्यात्मक विशेषताओं से जुड़ा है।

ओहलेन ने खराब चित्रकारी बनाने की अवधारणा पर उतनी मेहनत की जितनी एक संगीतकार एक ऐसा गीत बनाने में करता है जिसे सुनना असंभव हो। लेकिन उन्होंने पाया कि कोई भी हर चित्रकारी को सुंदर मान सकता है, क्योंकि मनुष्य सतह पर रंग की अंतर्निहित सुंदरता के प्रति सहज आकर्षण रखते हैं। विषय वस्तु चाहे जो भी हो, कलाकार का कौशल स्तर चाहे जो भी हो, रचना चाहे जो भी हो और प्रक्रिया चाहे जो भी हो, यह तर्क दिया जा सकता है कि कोई चित्र खराब नहीं है, क्योंकि यदि हम देखने को तैयार हों तो उसमें कुछ अच्छा जरूर मिलेगा।

Albert Oehlen - बिना शीर्षक, 2005। कैनवास पर एक्रिलिक और तेल। © Albert Oehlen

दृश्य उत्प्रेरक

आज अल्बर्ट ओहलेन का परिपक्व कार्य एक ऐसे चित्रकार की मानसिकता को दर्शाता है जो अपने कार्य में पूरी तरह मग्न रहता है। वे सामग्री और तकनीकों के चयन में विविध हैं, जिससे उन्हें बढ़ने और विकसित होने के अवसर मिलते हैं। वे कभी-कभी कोलाज बनाते हैं और फिर उन पर चित्रकारी करते हैं, कोलाज के लिए वे कूड़ेदान के विज्ञापन और इंकजेट प्रिंटआउट्स का मिश्रण उपयोग करते हैं। वे कभी-कभी स्प्रे पेंट का उपयोग करते हैं, कभी तेल का, कभी रंग को धुंधला कर सतह पर फैलाते हैं। उनके लिए कलाकार के रूप में आनंद स्पष्ट रूप से प्रयोग और नियमों के सही मिश्रण, या दूसरे शब्दों में, प्रक्रिया से आता है।

दर्शकों के लिए, ओहलेन की कलाकृतियों में अनेक परतें, शैलियाँ और संदर्भ भ्रमित कर सकते हैं। लेकिन जैसा कि हमने पहले कहा, उन्हें देखने के तरीके को सरल बनाकर हम उनकी मूल्य को समझने के करीब आ सकते हैं। उन्हें सरल बनाने का तरीका यह है कि उन्हें ऐसे टुकड़ों के रूप में न देखें जिनका अर्थ समझना है, बल्कि उन्हें दृश्य उत्प्रेरक के रूप में देखें। पीछे हटें और उन्हें एक प्रक्रिया के खुलासे के रूप में देखें, और उन्हें एक भावना या विचार उत्पन्न करने दें। रूपात्मक चित्र, पाठ, रंग, निशान, या हमारी संस्कृति के भौतिक अवशेष मिलकर एक भावना बनाते हैं, जो ज्यादातर हमारे ऊपर निर्भर करती है। चित्र कहानी का अंत नहीं है। अगर होता, तो यह वास्तव में भ्रमित करने वाला होता। लेकिन यह केवल शुरुआत है।

Albert Oehlen - I 28, 2011। कैनवास पर कागज कोलाज। © Albert Oehlen

शोर को शांत करें

दृश्य रूप से, अल्बर्ट ओहलेन के कार्यों को विभिन्न कला आंदोलनों के साथ जोड़ा गया है, जैसे कि नियो-अभिव्यक्तिवाद और Neue Wilde। नियो-अभिव्यक्तिवादियों ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, न्यूनतमवाद और सांकेतिक कला जैसे आंदोलनों के बाद रूपांकन को पुनः प्रस्तुत करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। Neue Wilde, या जंगली युवा, ने अमूर्त और रूपात्मक चित्रों को जीवंत रंगों और भावुक ब्रश स्ट्रोक्स के साथ मिलाया। पहली नज़र में ओहलेन के कार्यों में अक्सर दोनों तत्व दिखाई देते हैं। लेकिन ओहलेन को एक और उपनाम भी मिला है: स्वतंत्र रेडिकल। यह नाम ओहलेन की इस बात पर जोर देने के कारण है कि वे किसी भी आंदोलन का हिस्सा नहीं हैं, और उनके प्रत्येक कार्य को अलग-अलग और उसकी अपनी सौंदर्यात्मक प्रस्तुति के अनुसार माना जाना चाहिए।

ओहलेन की प्रस्तुति में क्या शामिल है, यह एक खुला संवाद है, जिसे ओहलेन भी पूरी तरह से समझा नहीं पाते। केवल इतना स्पष्ट है कि उन्होंने धीरे-धीरे एक अनूठी सौंदर्य दृष्टि विकसित की है, जो लगातार विकसित हो रही है। वे जो भी दृश्य उपकरण उपलब्ध हैं, उनका उपयोग करते हैं ताकि दर्शकों के अंदर एक भावना उत्पन्न हो सके। यह सब सुंदर और अच्छा है, कम से कम कुछ लोगों के मन में। लोग कह सकते हैं कि उन्हें यह पसंद है या नहीं। तो क्या? इसे तथ्यात्मक विश्लेषण से समझा नहीं जा सकता। हम निश्चित रूप से इतना कह सकते हैं कि लेबल, निर्णय और सौंदर्य आलोचना की आवाज़ वास्तव में उनके कार्य के रास्ते में आती है। जैसे ओहलेन अपने कार्यों में अनेक तत्वों को मिलाते हैं, यह सब शोर है। अपनी अप्रत्याशित और खुले मन की प्रक्रिया के माध्यम से, ओहलेन बस अच्छी चित्रकारी बनाने की कोशिश कर रहे हैं। वे दृश्य वातावरण के जटिल तत्वों को सहज बना रहे हैं। जितना हम उनके कार्य को सरलता से देखेंगे, वह उतना ही सरल हो जाएगा, और इसे सुंदर के रूप में देखना आसान होगा।

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007। समरसेट एप्सन पर लिथोग्राफिक प्रिंट। © Albert Oehlen

मुख्य छवि: Albert Oehlen - बिना शीर्षक (विस्तार), 1993। कैनवास पर तेल। © Albert Oehlen
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा