अब्द्स्ट्रैक्ट और फिगरेटिव को मिलाना - अल्बर्ट ओहलेन की कला

पहली नज़र में अल्बर्ट ओहलेन की कई पेंटिंग्स जटिल लगती हैं, जैसे दृश्यात्मक शोर का समकक्ष। वे चित्रात्मक तत्वों को शुद्ध रूप से अमूर्त तत्वों के साथ मिलाती हैं। वे प्रक्रियाओं, सामग्रियों और तकनीकों की एक विस्तृत और लगातार विकसित होती विविधता को शामिल करती हैं। जब हम उन भिन्न तत्वों पर ध्यान केंद्रित करते हैं, तो रचनाएँ कभी-कभी असंगत और असंगत लग सकती हैं। लेकिन जब इसे एक व्यापक दृष्टिकोण से देखा जाता है, न कि अंतिम दृश्य बयानों के रूप में बल्कि गहरे सौंदर्यात्मक प्रतिक्रिया के लिए उत्तेजक के रूप में, तो उसकी पेंटिंग्स में एक सामंजस्य की भावना उभरती है। ओहलेन, सिग्मर पोल्क के छात्र थे, जो एक जर्मन चित्रकार, फोटोग्राफर और प्रोफेसर थे, जिन्होंने चित्रण और अमूर्तता के बीच की सीमाओं को चुनौती दी। और वह मार्टिन किप्पेनबर्गर के पूर्व सह-निवासी हैं, जो एक जर्मन-मूल के मल्टी-मीडिया कलाकार हैं, जो यह भी खोजते हैं कि वस्तुगत दुनिया अमूर्त के साथ कैसे इंटरसेक्ट करती है। और वह क्रिस्टोफर वूल के लंबे समय के दोस्त भी हैं, जो एक चित्रकार हैं जो अमूर्तता के साथ बोल्ड टेक्स्ट-आधारित संदेशों को इस तरह मिलाते हैं कि दोनों के बीच कठोर रेखाएँ बनती हैं, जबकि साथ ही यह सुझाव देते हैं कि वे एक ही हैं। जिस तरह से यह चित्रण और अमूर्तता को मिलाता है, ओहलेन द्वारा बनाई गई कृतियों का समूह इन तीन अन्य कलाकारों के साथ एक स्पष्ट विरासत साझा करता है। लेकिन यह एक और महत्वपूर्ण, कम स्पष्ट समानता भी साझा करता है: यह उतना सरल है जितना यह दिखता है।

अल्बर्ट ओहलेन का विकास

अल्बर्ट ओहलेन का जन्म 1954 में क्रेफेल्ड, जर्मनी में हुआ, जो डसेलडॉर्फ के उत्तर-पश्चिम में है। वह एक कलात्मक परिवार में बड़े हुए। ओहलेन के पिता एक कलाकार थे, और उनके छोटे भाई मार्कस, जो उनसे दो साल छोटे हैं, एक सफल अमूर्त पॉप कलाकार बन गए हैं और वे चित्रकला और मूर्तिकला के माध्यमों में भी काम कर रहे हैं। अल्बर्ट ने कहा है कि वह हमेशा जानता था कि वह एक कलाकार बनेगा, जैसे कि यह कुछ ऐसा था जिसे उसने स्वाभाविक रूप से लिया। लेकिन चित्रकला पर ध्यान केंद्रित करने का चुनाव, और विशेष रूप से अमूर्त चित्रकला, कुछ ऐसा था जो समय के साथ धीरे-धीरे उसके पास आया।

ओहलेन ने 1978 में हैम्बर्ग के यूनिवर्सिटी ऑफ फाइन आर्ट्स से अपनी डिग्री पूरी की। स्कूल के बाद उन्होंने विभिन्न अभिव्यक्ति के रूपों के साथ प्रयोग किया, जिसमें संगीत भी शामिल था। लेकिन जब वह जर्मनी से स्पेन चले गए, जहाँ उन्होंने मार्टिन किप्पेनबर्गर के साथ एक घर साझा किया, तब उन्होंने एक अमूर्त चित्रकार के रूप में अपनी आवाज़ पाई। 2009 में इंटरव्यू मैगज़ीन के साथ एक साक्षात्कार में, ओहलेन ने कहा कि उन्होंने कला के प्रति अपने दृष्टिकोण को बदलने का यह अवसर लिया। "मैं कुछ नया शुरू करना चाहता था जिसका मैं लंबे समय से सपना देख रहा था, जो कि अमूर्त चित्रकला थी,” ओहलेन ने कहा, "और मैंने वहाँ [स्पेन] इसे शुरू करने का मौका लिया, जो बहुत अच्छा था क्योंकि हम बहुत अलग-थलग थे। वह घर में केवल मार्टिन और मैं थे, इसलिए आप अपनी असफलताएँ कर सकते थे और देख सकते थे कि दूसरा कैसे प्रतिक्रिया करता है।"

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

चित्रकला की अनिश्चितता

निष्क्रियता और असफलता का स्वतंत्रता से प्रयोग करने की अनुमति ने ओहलेन में उसके कला में असुरक्षा के महत्व को स्थापित किया। यह न जानने में एक अंतर्निहित उत्साह है कि कुछ कैसे निकलेगा। एक जीवित शक्ति है जो एक कलाकार को अज्ञात या अप्रत्याशित को प्रकट करने की ओर प्रेरित करती है। लेकिन प्रयोग करने की पूर्ण स्वतंत्रता का एक संभावित नुकसान यह है कि यह पक्षाघातकारी हो सकता है। यदि किसी को यह नहीं पता है कि वह कहाँ जा रहा है, तो वह कहाँ से शुरू करे? अपने आप को पर्याप्त संरचना देने के लिए ताकि वह ध्यान केंद्रित रह सके और प्रयोग करने की स्वतंत्रता का आनंद ले सके, ओहलेन ने स्टूडियो में अपने लिए सरल नियमों का आविष्कार करना शुरू किया।

ये मनमाने नियम का कोई उद्देश्य नहीं है सिवाय इसके कि उसे उसकी प्रक्रिया में चुनौती दी जाए, अप्रत्याशितता और संघर्ष उत्पन्न किया जाए। वह कभी-कभी अपने टुकड़ों को एक ही रंग तक सीमित कर देता है। अन्य बार वह खुद को बस धीमा चलने की सीमा देता है। ओहलेन के पसंदीदा मनमाने नियमों में से एक, जिसे वह Kunstakademie Düsseldorf में अपने छात्रों के साथ साझा करते थे, था, "सामग्री बदलें। क्योंकि बहुत सारे निर्णय हैं जिनका आपको एहसास नहीं होता। यह तब शुरू होता है जब आप कला आपूर्ति खरीदने जाते हैं। आप निर्णय लेते हैं, और वे हमेशा एक जैसे होते हैं, जैसे कि आप किस प्रकार के ब्रश खरीदते हैं। और अगर आपको कुछ बदलने के लिए मजबूर किया जाता है, तो यह काम में एक असुरक्षा पैदा करता है जो बहुत सहायक होती है। यह आपको यह पता लगाने में मदद करता है कि आपको वास्तव में क्या चाहिए।"

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

कुछ भी बदसूरत नहीं है

दशकों तक प्रयोग करने और अपने ऊपर मनमाने सीमाएँ निर्धारित करने के बाद, ओहलेन ने एक मजेदार एहसास किया है। चूंकि कार्यों में अद्वितीय भौतिक गुण होते हैं, इसलिए कोई भी पेंटिंग को बदसूरत बनाने के लिए बहुत कुछ नहीं कर सकता। एक समय था जब खराब पेंटिंग का विचार कई क्यूरेटरों और कलाकारों के मन में था, जिसमें ओहलेन भी शामिल थे। खराब पेंटिंग की विभिन्न परिभाषाएँ पर विचार किया गया। कुछ का मानना था कि यह प्रक्रिया से संबंधित है। दूसरों का मानना था कि यह रचना के मूलभूत तत्वों या किसी कार्य की सौंदर्यात्मक गुणों से संबंधित है।

ओहले ने इस विचार पर कड़ी मेहनत की कि खराब पेंटिंग्स बनाना उसी तरह है जैसे एक संगीतकार एक ऐसा गाना बनाए जो सुनना असंभव हो। लेकिन उन्होंने यह खोजा कि कोई भी व्यक्ति हर पेंटिंग को सुंदर मान सकता है, क्योंकि मनुष्यों को सतह पर रंग की अंतर्निहित सुंदरता के प्रति एक गहन आकर्षण होता है। चाहे विषय वस्तु कुछ भी हो, चाहे कलाकार का कौशल स्तर कुछ भी हो, चाहे रचना कुछ भी हो और चाहे प्रक्रिया कुछ भी हो, यह तर्क किया जा सकता है कि कोई भी पेंटिंग खराब नहीं है, क्योंकि यदि हम बस देखने के लिए तैयार हैं तो उसमें कुछ अच्छा पाया जा सकता है।

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

दृश्य ट्रिगर

आज अल्बर्ट ओहलेन द्वारा बनाई गई परिपक्व कृति एक ऐसे चित्रकार की मानसिकता को दर्शाती है जो अपने काम में संलग्न होना पसंद करता है। वह सामग्रियों और तकनीकों के चयन में विविधता रखता है, जिससे वह बढ़ने और विकसित होने के अवसर प्राप्त करता है। वह कभी-कभी कोलाज बनाता है और फिर उन पर पेंट करता है, कोलाज के लिए सामग्रियों के रूप में सस्ते बिलबोर्ड विज्ञापनों और इंकजेट प्रिंटआउट्स का मिश्रण उपयोग करता है। वह कभी-कभी स्प्रे पेंट का उपयोग करता है, कभी-कभी तेल रंगों का, कभी-कभी सतह पर रंग को धुंधला कर देता है। उसके लिए कलाकार के रूप में खुशी स्पष्ट रूप से प्रयोग और नियमों के सही मिश्रण से आती है, या दूसरे शब्दों में, प्रक्रिया से।

दर्शकों के लिए, ओहलेन की कलाकृतियों में कई परतों, शैलियों और संदर्भों के कारण भ्रमित होना आसान हो सकता है। लेकिन जैसा कि हमने पहले उल्लेख किया, उन्हें देखने के तरीके को सरल बनाकर हम उनके मूल्य को समझने के करीब आ सकते हैं। उन्हें सरल बनाने का तरीका यह है कि उन्हें ऐसे टुकड़ों के रूप में न देखें जिनमें अर्थ छिपा हो, बल्कि उन्हें दृश्य उत्तेजक के रूप में देखें। पीछे हटें और उन्हें एक प्रक्रिया के प्रकट होने के रूप में देखें, और उन्हें एक भावना या एक विचार को उत्तेजित करने दें। चित्रात्मक छवियाँ, पाठ, रंग, चिह्न, या हमारी संस्कृति के भौतिक अवशेष मिलकर एक भावना बनाते हैं, जो मुख्य रूप से हमारे ऊपर निर्भर करती है। चित्र कहानी का अंत नहीं है। अगर ऐसा होता, तो यह वास्तव में भ्रमित करने वाला होता। लेकिन यह केवल शुरुआत है।

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

शोर को कम करें

दृश्य रूप से, अल्बर्ट ओहलेन के कामों को विभिन्न कला आंदोलनों के साथ जोड़ा गया है, जैसे कि नियो-एक्सप्रेशनिज़्म और न्यू वाइल्ड। नियो-एक्सप्रेशनिस्ट्स ने एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज़्म, मिनिमलिज़्म और कॉन्सेप्चुअल आर्ट जैसे आंदोलनों के बाद आकृतियों की पुनः प्रस्तुति में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। न्यू वाइल्ड, या जंगली युवा, ने अमूर्त और आकृतिमय चित्रण को जीवंत रंगों और भावनात्मक ब्रश स्ट्रोक के साथ मिलाया। पहली नज़र में ओहलेन के काम अक्सर दोनों तत्वों को शामिल करते हुए प्रतीत होते हैं। लेकिन ओहलेन को एक और उपनाम भी मिला है: फ्री रेडिकल। यह नाम ओहलेन की इस बात पर जोर देने के कारण है कि वह किसी भी आंदोलन का हिस्सा नहीं हैं, और उनके प्रत्येक काम को अलग-अलग और अपनी स्वयं की सौंदर्यात्मक प्रस्तावना के अनुसार माना जाना चाहिए।

ओहलेन के प्रस्तावों का वास्तव में क्या अर्थ है, यह एक खुली बातचीत है, जिसे न तो ओहलेन पूरी तरह से समझा सकते हैं। जो स्पष्ट है, वह यह है कि उन्होंने एक अनूठी सौंदर्य दृष्टि पर धीरे-धीरे विस्तार किया है, जो लगातार विकसित हो रही है। वह अपने पास उपलब्ध किसी भी दृश्य उपकरण का उपयोग करते हैं ताकि कुछ ऐसा बनाया जा सके जो दर्शकों के भीतर एक भावना उत्पन्न करे। यह सब सुंदर है और सब अच्छा है, कम से कम हमारे कुछ दिमागों में। लोग कह सकते हैं कि उन्हें यह पसंद है या नहीं। तो क्या? इसे तथ्यात्मक विश्लेषण द्वारा नहीं समझा जा सकता। हम केवल यह निश्चित रूप से कह सकते हैं कि लेबल, निर्णय और सौंदर्य आलोचना का शोर वास्तव में उनके काम में बाधा डालता है। जैसे ओहलेन अपने कामों में कई तत्वों को मिलाते हैं, यह सब शोर है। अपने अप्रत्याशित और खुले विचारों की प्रक्रिया के माध्यम से, ओहलेन बस अच्छे चित्र बनाने की कोशिश कर रहे हैं। वह दृश्य वातावरण के जटिल तत्वों को समतल कर रहे हैं। जितना अधिक हम उनके काम को देखने के तरीके को सरल बना सकते हैं, उतना ही यह सरल हो जाता है, और इसे सुंदर के रूप में देखना उतना ही आसान हो जाता है।

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

विशेष छवि: अल्बर्ट ओहलेन - बिना शीर्षक (विवरण), 1993। कैनवास पर तेल। © अल्बर्ट ओहलेन
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा