प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकला जो हमारे कला को देखने के तरीके को बदल गई

“हम जो चित्र देख सकते हैं, यह इस बात पर निर्भर करता है कि कल्पना कौन कर रहा है।” - जॉन हॉस्पर्स, दर्शनशास्त्रीय विश्लेषण का परिचय से

हम दूरदर्शियों पर निर्भर करते हैं कि वे छिपे हुए द्वार खोलें, ताकि हम दुनिया के कुछ हिस्सों और अपने कुछ पहलुओं को देख सकें, जो अन्यथा छिपे रह सकते हैं। दृष्टि अमूर्त कलाकारों की विशेषता है, और पिछले 100+ वर्षों में, कई प्रसिद्ध अमूर्त चित्र ने मानवता के दृष्टिकोण को विस्तृत किया है। जिन्होंने वे चित्र बनाए, उन्होंने न केवल हमें, दर्शकों को, देखने के लिए नई चीजों का उपहार दिया; उन्होंने हमें देखने के पूरी तरह नए तरीके भी प्रदान किए।

प्रसिद्ध अमूर्त चित्र: 1910 के दशक – 1920 के दशक

स्वीकार करना होगा, इस लेख में हमारे कुछ चयन विवादास्पद हो सकते हैं, क्योंकि हर अमूर्त कला प्रेमी की पसंद अलग होती है। लेकिन अधिकांश शायद हमारे पहले चयन से सहमत होंगे, जो अमूर्त चित्रों का है, जिन्होंने कला को देखने के हमारे तरीके को बदल दिया। वासिली कैंडिंस्की का Untitled (First Abstract Watercolor) 1910 में बनाया गया था और कला इतिहासकारों द्वारा इसे पहली पूरी तरह से अमूर्त चित्रकला माना जाता है। जीवंत रंगीन धब्बों, धुंधलाहटों और रेखाओं का साहसिक चित्रण वस्तुनिष्ठ वास्तविकता के किसी भी दृश्य संदर्भ को त्याग देता है। इस चित्र ने कलाकारों को विषय वस्तु की बंधन से मुक्त किया और दर्शकों को एक पूरी तरह नए तरीके से यह सोचने के लिए आमंत्रित किया कि एक चित्र क्या हो सकता है।

वासिली कैंडिंस्की - Untitled (First Abstract Watercolor), 1910। कागज पर जलरंग, भारतीय स्याही और पेंसिल। 19.5 × 25.5। सेंट्रे जॉर्ज पोंपिडू, पेरिस

ग्यारह साल बाद 1921 में, पिएट मोंड्रियन ने अपनी प्रसिद्ध Tableau I चित्रित की। अपनी उभरती नई शैली के साथ प्रयोग के बाद, Tableau I ने मोंड्रियन की परिभाषित शैली को स्थिर किया। कठोर काले रेखाएं और विभाजित रंग क्षेत्र दर्शकों को शुद्ध ज्यामिति और गणितीय सटीकता की झलक देते हैं। इस कार्य की साफ रेखाएं और सटीकता केवल रूप, रंग और रेखा को संदर्भित करती हैं। इस कार्य ने एक ऐसी शैली की शुरुआत की जिसने कई पीढ़ियों के चित्रकारों, मूर्तिकारों, वास्तुकारों और डिजाइनरों को प्रभावित किया, और आज भी रचनात्मक विचारकों का मार्गदर्शन करता है।

पिएट मोंड्रियन - Tableau I, 1921। कैनवास पर तेल। 96.5 सेमी x 60.5 सेमी। म्यूजियम लुडविग, कोलोन, जर्मनी

1925 में, जोआन मिरो ने अपनी चित्रकला La mancha roja (The red spot) के साथ अमूर्तता और अतियथार्थवाद के बीच की बाधाओं को तोड़ दिया। मिरो खुद को अमूर्तवादी नहीं मानते थे। उन्होंने कहा कि वे अपने छोटे से घर लौटते थे, भूखे और थके हुए, और अपने मन में देखे गए चित्र बनाते थे। La mancha roja (The red spot) मानवाकृति, स्वप्निल प्रतीकों और शुद्ध अमूर्तता के बीच की पतली रेखा पर स्थित है। चित्र में कुछ बालसुलभ, फिर भी भयानक तत्व छिपा हुआ है। इस कृति के साथ, मिरो ने हमारे दुःस्वप्नों और सपनों की छिपी हुई प्रतीकात्मकता के द्वार खोल दिए।

जोआन मिरो - La mancha roja (The red spot), 1925। कैनवास पर तेल और पेस्टल। 146 x 114 सेमी। म्यूजियो नासिओनल सेंट्रो दे आर्टे रेनिया सोफिया संग्रह। © जोआन मिरो फाउंडेशन, बार्सिलोना

प्रसिद्ध अमूर्त चित्र: 1930 के दशक – 1940 के दशक

जैसे-जैसे पश्चिमी दुनिया 20वीं सदी में दूसरी बार मंदी, अकाल और युद्ध में डूब गई, अमूर्त कला कला जगत में एक प्रमुख शक्ति के रूप में स्थापित हो गई। इस शैली में काम करने वाले कलाकारों द्वारा कई अद्भुत विधियाँ अपनाई जा रही थीं, जो मानव आत्मा के भीतर कुछ शुद्ध, कुछ सच्चा और कुछ स्वतंत्र से जुड़ने के प्रयास में योगदान दे रही थीं। ग्रेट ब्रिटेन में, चित्रकार बेन निकोलसन ने अपनी अमूर्त कृतियों को सफेद राहत चित्रों के रूप में विस्तारित किया। उनके प्रारंभिक महत्वपूर्ण कार्यों में से एक, 1935 (white relief), ने नई दृश्य भूमि स्थापित की, जिससे निकोलसन अंग्रेजी अमूर्तता की सबसे महत्वपूर्ण आवाजों में से एक बन गए। निकोलसन पिएट मोंड्रियन के मित्र थे और उनसे प्रभावित थे। सफेद राहत चित्रों ने मोंड्रियन की कठोर रेखाओं और ज्यामितीय स्थान के उपयोग को बढ़ाया, जिसमें आयामी परतें और एकरंगी रंग संयोजन शामिल था। निकोलसन के पहले सफेद राहत चित्र 1933 में बनाए गए थे, और जब 1935 (white relief) बनाया गया, तब तक उन्होंने अमूर्तता, निर्माणवाद, ठोस कला के तत्वों को मिलाकर एक शैली स्थापित कर ली थी, जो न्यूनतावाद और पोस्ट-पेंटरली अमूर्तता के शुरुआती बीजों का संकेत देती है।

1930 और 1940 के दशकों में, अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों, जिन्हें न्यूयॉर्क स्कूल के नाम से भी जाना जाता है, इस स्पेक्ट्रम के दूसरे छोर पर थे। मोंड्रियन और निकोलसन जैसे कलाकारों की तार्किक भूगोल और स्थानिक संक्षेप को पूरी तरह से अस्वीकार करते हुए, अभिव्यक्तिवादियों ने अपने कार्यों में प्राचीन भावनाओं से जुड़ने का प्रयास किया। जैक्सन पोलक इस शैली को व्यक्त करने में सबसे प्रभावशाली और सफल कलाकार थे।

एक कुख्यात शराबी और न्यूरोटिक, पोलक ने मनोविश्लेषण से प्रेरणा लेकर अपनी अवचेतन मन की गहराइयों से प्रेरणा प्राप्त की। उनके कार्यों में शारीरिकता और अवचेतन प्रतीकात्मक छवियों का उपयोग करके आधुनिक, युद्धोत्तर चिंता की तीव्र अभिव्यक्ति की गई। पोलक की पहली ड्रिप चित्रों में से एक, Full Fathom Five, 1947 में बनाई गई, ने अमूर्त कला को हमेशा के लिए बदल दिया। यह कृति उनके पहले के ब्रश शैली और उनके दूरदर्शी ड्रिप तकनीक का मिश्रण है। इसमें उनके स्टूडियो से सिक्के, सिगरेट के टुकड़े और अन्य यादृच्छिक वस्तुएं शामिल हैं, जो अमूर्तता में पूरी तरह नई बनावट और गहराई प्रस्तुत करती हैं। Full Fathom Five ने पोलक के करियर में एक महत्वपूर्ण मोड़ लाया और कैनवास के साथ हमारे संबंध को हमेशा के लिए बदल दिया।

जैक्सन पोलक - Full Fathom Five, 1947। कैनवास पर तेल, कील, टैक, बटन, चाबी, सिक्के, सिगरेट, माचिस आदि के साथ। 50 7/8 x 30 1/8 इंच। © 2019 पोलक-क्रास्नर फाउंडेशन / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क

प्रसिद्ध अमूर्त चित्र: 1950 के दशक

1950 के दशक तक, अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों ने कला जगत की कल्पना पर पूरी तरह कब्जा कर लिया था। हर जगह, कलाकार प्राचीन स्व, अवचेतन मन, और अवचेतन की छिपी हुई छवियों से जुड़ने का प्रयास कर रहे थे। इस उत्साह के बीच, कई कलाकारों के बीच पूर्वी दर्शन जैसे ताओवाद और ज़ेन बौद्ध धर्म में बढ़ती रुचि से उत्पन्न शांति की ओर एक प्रवृत्ति उभरी। इस समय से उभरी सबसे गहन प्रवृत्तियों में से एक थी एक अमूर्त चित्रकला शैली जिसे रंग क्षेत्र चित्रकला कहा जाता है।

रंग क्षेत्र चित्रकला का उद्देश्य, जैसा कि सामान्यतः समझा जाता है, रंग का विषय वस्तु, रूप, रेखा और अन्य चित्र बनाने की सीमाओं से स्वतंत्र रूप से अन्वेषण करना था। चित्रकारों द्वारा एक ध्यानमग्न गुण की खोज की गई, और यदि सफल हुआ तो वह गुण बाद में कृति से दर्शकों तक स्थानांतरित हो गया।

अमूर्त चित्रकार हेलेन फ्रैंकेंथलर रंग क्षेत्र आंदोलन की सबसे गहन आवाजों में से एक थीं। अपनी 1952 में बनाई गई चित्रकला Mountains and Sea के साथ, फ्रैंकेंथलर ने दुनिया को एक नई चित्रकला तकनीक से परिचित कराया जिसे उन्होंने "सोख-धब्बा प्रक्रिया" कहा। इस प्रक्रिया में, फ्रैंकेंथलर ने अपने रंगों की स्थिरता को पतला करने के लिए टर्पेंटाइन का उपयोग किया। उन्होंने पतले रंग को फर्श पर बिना प्राइम किए गए कैनवास पर सावधानीपूर्वक डाला, जिससे रंग पूरी तरह कैनवास में सोख गया, और कृति को एक पूरी तरह नई बनावट और रूप दिया। सोख-धब्बा प्रक्रिया ने रंग के अलौकिक क्षेत्र बनाए जो जैविक, रूपांतरित आकृतियों में परिवर्तित होते हैं और शांति की अनुभूति देते हैं। फ्रैंकेंथलर की Mountains and Sea को रंग क्षेत्र आंदोलन की पहली सफलताओं में से एक माना जाता है और आज भी यह उसकी सबसे प्रिय छवियों में से एक है।

हेलेन फ्रैंकेंथलर - Mountains and Sea, 1952। कैनवास पर तेल और चारकोल। 86 5/8 x 117 ¼ इंच। © 2019 हेलेन फ्रैंकेंथलर फाउंडेशन, इंक./कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क

शायद रंग क्षेत्र कलाकारों से जुड़ा सबसे प्रसिद्ध कलाकार मार्क रोथको है, जो इस और अधिकांश अन्य लेबलों को भी जोरदार रूप से अस्वीकार करते थे। रोथको पूरी तरह से रंग के साथ काम करते थे, एक आध्यात्मिक स्तर खोलने का प्रयास करते थे जहाँ वे और दर्शक मानव भावना की गहराई का अनुभव कर सकें। पूरी तरह रंग पर केंद्रित होने के बावजूद, रोथको ने इसे केवल एक माध्यम माना जिसके द्वारा यह आध्यात्मिक संबंध स्थापित हो सकता है। रोथको के शुरुआती परिभाषित कार्यों में से एक था No. 2, Green, Red and Blue, 1953 में बनाया गया। यह कृति रोथको के भविष्य के कार्यों की पहचान है, जो उन्हें अमूर्त कला और आध्यात्मिकता दोनों की दुनिया का एक अनूठा और प्रिय निवासी बनाती है।

मार्क रोथको - No. 2, Green, Red and Blue, 1953। निजी संग्रह

प्रसिद्ध अमूर्त चित्र: 1960 के दशक – 1970 के दशक

जैसे-जैसे अमूर्त कला 1960 और 1970 के दशकों में प्रवेश कर रही थी, कई चित्रकार इसके मूल विचारों को अस्वीकार कर रहे थे, आकृति की ओर लौट रहे थे और सांकेतिक कला के क्षेत्र का अन्वेषण कर रहे थे। फिर भी, अमूर्तता की स्पष्टता और स्वतंत्रता की शक्ति में अभी भी बड़ी संभावनाएं थीं। इस अवधि की सबसे अलौकिक आवाजों में से एक अमेरिकी अमूर्त चित्रकार एग्नेस मार्टिन थीं। अपनी रेखांकित ग्रिड चित्रों के लिए जानी जाने वाली मार्टिन अमूर्त कला की एक प्रतीकात्मक आवाज के रूप में जीवित हैं।

एग्नेस मार्टिन की चित्रकला Night Sea, 1963 में बनाई गई, उनकी परिभाषित शैली के शुरुआती उदाहरणों में से एक है। इस कृति में, लगभग एकरंगी नीला पृष्ठभूमि एक सुव्यवस्थित ग्रिड पैटर्न से जुड़ा है जो सोने की पत्ती से चित्रित है। यह कृति रंग को स्वीकार करती है, जबकि रेखा को समान महत्व देती है। यह सरलता को अपनाती है और साथ ही विशालता, जटिलता और अंतर्संबंध की भावना संप्रेषित करती है। मार्टिन ने कहा कि उनके लिए रेखा मासूमियत का प्रतिनिधित्व करती है। उन्होंने आशा व्यक्त की कि उनकी कृति के माध्यम से मासूमियत की भावना दर्शकों तक पहुंच सके। उनकी छवियों की सरलता और भावनाओं की स्पष्टता ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद और न्यूनतावाद के बीच की खाई को पाटने में मदद की।

एग्नेस मार्टिन - Night Sea, 1963। कैनवास पर तेल और सोने की पत्ती। 72 x 72 इंच। © एग्नेस मार्टिन की संपत्ति / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क

1970 के दशक में, रॉबर्ट मदरवेल ने अमूर्त कला की दुनिया को फिर से हिला दिया, उनकी आवाज न्यूनतावाद की आकर्षण की विपरीत प्रतीत होती थी। उनके प्राचीन, कठोर इशारों में ऊर्जा, शक्ति और चिंता एक साथ व्यक्त होती थी। उनमें एक स्थिर शक्ति थी और फिर भी गहरी भावना प्रकट होती थी जो शुद्ध अमूर्तता की शक्ति और स्वतंत्रता को दर्शाती थी।

मदरवेल का परिभाषित कार्य 1971 में आया, जिसका नाम था Elegy to the Spanish Republic No. 110। इस चित्र की प्रचंड ऊर्जा दर्शक को घेरे हुए है और कैनवास से बाहर निकलती हुई प्रतीत होती है। इसमें एक चौंकाने वाली जीवंतता है, आक्रामकता जो भावनाओं और क्रोध को स्थान में स्थानांतरित करती है। जब कई चित्रकार मानते थे कि अमूर्तता अपनी सीमा तक पहुंच चुकी है, तब मदरवेल ने इस शैली में एक शक्तिशाली नई जीवन शक्ति डाली। उनकी ताजा दृष्टि और आत्मविश्वासी आवाज ने अमूर्तता को जीवित रखा, और आज भी अमूर्त कलाकारों को प्रेरित और सशक्त बनाती है।

रॉबर्ट मदरवेल - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971। कैनवास पर एक्रिलिक, ग्रेफाइट और चारकोल। 82 x 114 इंच। सोलोमन आर. गुगेनहाइम संग्रहालय। रॉबर्ट मदरवेल © डेडालस फाउंडेशन, इंक./VAGA द्वारा कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क से लाइसेंस प्राप्त

भविष्य की हमारी धारणा में बदलाव

आज के समकालीन अमूर्त कलाकार इन सभी कलाकारों के ऋणी हैं, न केवल उनके अभिव्यक्ति के तरीकों में स्वतंत्रता खोजने के लिए, बल्कि दर्शकों के मन को देखने के नए तरीकों के लिए खोलने में उनकी मदद के लिए भी। अमूर्तता हमें नए द्वार खोलती रहती है क्योंकि हम अपनी विकसित होती समाज की अनंत जटिलताओं को समझने का प्रयास करते हैं। अतीत के महान अमूर्त कलाकारों के उदाहरणों से प्रेरणा लेकर, आज और कल के अमूर्त कलाकार हमारी समकालीन चिंताओं और भय को अनुवादित करने में मदद कर सकते हैं, और हमें अपनी आंखों की सीमाओं से परे देखने में सहायता कर सकते हैं।

मुख्य छवि: वासिली कैंडिंस्की - Composition VII, 1913। © वासिली कैंडिंस्की / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / ADAGP, पेरिस / एरिच लेसिंग / आर्ट रिसोर्स, NY
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा