प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकला जो हमारे कला को देखने के तरीके को बदल गई

"हमारे पास कौन सी छवियाँ हो सकती हैं, ऐसा कहा जा सकता है, यह इस पर निर्भर करता है कि कल्पना कौन कर रहा है।" - जॉन हॉस्पर्स, से दर्शनात्मक विश्लेषण का परिचय

हम दृष्टिवान लोगों पर निर्भर करते हैं ताकि वे छिपे हुए दरवाजे खोल सकें, ताकि हम दुनिया के कुछ हिस्सों और अपने कुछ हिस्सों को देख सकें, जो अन्यथा छिपे रह सकते हैं। दृष्टि अमूर्त कलाकारों की विशेषता है, और पिछले 100+ वर्षों में, कई प्रसिद्ध अमूर्त चित्र मानवता के दृष्टिकोण को विस्तारित करने में सफल रहे हैं। उन छवियों को बनाने वाले दृष्टिवान लोगों ने न केवल हमें, दर्शकों को, देखने के लिए नई चीजों का उपहार दिया; उन्होंने हमें देखने के पूरी तरह से नए तरीके भी प्रदान किए।

प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकला: 1910 के दशक – 1920 के दशक

बेशक, इस लेख में हमारे कुछ चयन विवादास्पद साबित हो सकते हैं, क्योंकिहर अमूर्त कला प्रेमी की अलग-अलग पसंद होती है। लेकिन अधिकांश शायद हमारे पहले चयन अमूर्त चित्रों से सहमत होंगे जिन्होंने कला को देखने के तरीके को बदल दिया। वासिली कंदिंस्की का Untitled (First Abstract Watercolor) 1910 में चित्रित किया गया था और कला इतिहासकारों द्वारा इसे पहली पूरी तरह से अमूर्त पेंटिंग माना जाता है। जीवंत रंगों के धब्बों, धुंधलापन और रेखाओं का साहसी चित्रण वस्तुगत वास्तविकता के सभी दृश्य संदर्भों को छोड़ देता है। इस पेंटिंग ने कलाकारों को विषय वस्तु की दासता से मुक्त किया और दर्शकों को एक पूरी तरह से नए तरीके से एक छवि के क्या हो सकता है, के विचार में संलग्न होने के लिए आमंत्रित किया।

वासिली कंदिंस्की - बिना शीर्षक (पहला अमूर्त जलरंग), 1910। कागज पर जलरंग और भारतीय स्याही और पेंसिल। 19.5 × 25.5। सेंटर जॉर्ज पोंपिडू, पेरिस

ग्यारह साल बाद 1921 में, पीट मोंड्रियन ने अपनी प्रतिष्ठित टेबलॉ I बनाई। अपनी उभरती नई आवाज के साथ प्रयोग करने के एक समय के बाद, टेबलॉ I ने वह ठोस रूप दिया जो मोंड्रियन की परिभाषित शैली बन गई। काले कठोर रेखाएँ और विभाजित रंग क्षेत्र दर्शकों को शुद्ध ज्यामिति और गणितीय सटीकता की झलक प्रदान करते हैं। काम की साफ रेखाएँ और सटीकता किसी भी चीज़ का संदर्भ नहीं देती हैं, सिवाय रूप, रंग और रेखा के। यह काम एक ऐसी शैली की शुरुआत करता है जो पीढ़ियों के चित्रकारों, मूर्तिकारों, वास्तुकारों और डिज़ाइनरों को प्रभावित करेगी, और आज भी रचनात्मक विचारकों को मार्गदर्शन करती है।

पीट मोंड्रियन - टेबलॉ I, 1921। कैनवास पर तेल। 96.5 सेमी x 60.5 सेमी। म्यूजियम लुडविग, कोलोन, जर्मनी

1925 में, जोआन मिरो ने अपनी पेंटिंग ला मांचा रोजा (The red spot) के साथ अमूर्तता और अतियथार्थवाद के बीच की बाधाओं को समाप्त कर दिया। मिरो ने खुद को एक अमूर्तवादी नहीं माना। उन्होंने कहा कि वह अपने छोटे से घर में लौटे, भूखे और थके हुए, और उन्होंने अपने सिर में जो चित्र देखे, उन्हें चित्रित किया। ला मांचा रोजा (The red spot) मानवाकार चित्रण, स्वप्निल टोटेम और शुद्ध अमूर्तता के बीच की पतली रेखा पर खड़ी है। चित्र में कुछ बालसुलभ, फिर भी भयानक, छिपा हुआ है। इस कार्य के साथ, मिरो ने हमारे दुःस्वप्नों और सपनों की छिपी हुई प्रतीकात्मकता के लिए दरवाजा खोल दिया।

जोआन मिरो - ला मांचा रोजा (The red spot), 1925. कैनवास पर तेल और पेस्टल. 146 x 114 सेमी. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía संग्रह. © जोआन मिरो फाउंडेशन, बार्सिलोना

प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकला: 1930 के दशक - 1940 के दशक

जैसे-जैसे पश्चिमी दुनिया 20वीं सदी में दूसरी बार अवसाद, अकाल और युद्ध में डूबी, अमूर्तता कला की दुनिया में एक प्रमुख शक्ति के रूप में स्थापित हो गई। इस शैली में काम कर रहे कलाकारों द्वारा उपयोग किए जा रहे तरीकों की एक शानदार श्रृंखला थी, प्रत्येक मानव आत्मा के भीतर कुछ शुद्ध, कुछ सच्चा और कुछ स्वतंत्र से जुड़ने के बढ़ते प्रयासों में योगदान कर रहा था। ग्रेट ब्रिटेन में, चित्रकार बेन निकोलसन ने अपने अमूर्त काम को उन चित्रों के एक समूह में विस्तारित किया, जिन्हें उन्होंने सफेद राहत चित्र कहा। उनके प्रारंभिक कार्यों में से एक, 1935 (सफेद राहत), ने नए दृश्य क्षेत्र को तोड़ा, निकोलसन को अंग्रेजी अमूर्तता की सबसे महत्वपूर्ण आवाजों में से एक के रूप में स्थापित किया। निकोलसन, चित्रकार पीट मॉंड्रियन के मित्र थे और उनसे प्रभावित थे। सफेद राहत के कामों ने मॉंड्रियन की कठोर किनारे वाली रेखाओं और ज्यामितीय स्थान के उपयोग का विस्तार किया, आयामी परतों और एक एकरंगीय पैलेट को पेश किया। निकोलसन के पहले सफेद राहत चित्र 1933 में बनाए गए थे, और जब 1935 (सफेद राहत) बनाया गया, तब उन्होंने एक ऐसे शैली को ठोस किया जो अमूर्तता, निर्माणवाद, कंक्रीट कला के तत्वों को जोड़ती है, और जो न्यूनतमवाद और पोस्ट-पेंटरली अमूर्तता के प्रारंभिक बीजों का सुझाव देती है।

1930 और 1940 के दशक में स्पेक्ट्रम के दूसरे छोर पर एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट थे, जिन्हें न्यू यॉर्क स्कूल के नाम से भी जाना जाता है। मोंड्रियन और निकोलसन जैसे कलाकारों की तर्कसंगत भूगोल और स्थानिक कमी को पूरी तरह से अस्वीकार करते हुए, एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट अपने काम में प्राइमल इमोशन से जुड़ने की कोशिश कर रहे थे। कोई भी एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट जैक्सन पोलॉक की तरह इस शैली को व्यक्त करने में इतना प्रभावशाली और सफल नहीं था।

एक कुख्यात शराबी और न्यूरोटिक, पोलॉक को प्रेरणा मिली मनोविश्लेषण से, जिससे उन्होंने अपनी अवचेतन के गहरे हिस्से में जाकर प्रेरणा प्राप्त की। उनका काम शारीरिकता और अवचेतन टोटेम छवियों पर आधारित था, जिससे आधुनिक, युद्ध के बाद की चिंता की तीव्र चित्रण बनाए गए। पोलॉक की पहली ड्रिप पेंटिंग्स में से एक, फुल फैथम फाइव, जो 1947 में बनाई गई, ने अमूर्त कला को हमेशा के लिए बदल दिया। यह काम उनके पहले के ब्रश शैली और उनके दृष्टिवादी ड्रिप तकनीक का एक मिश्रण है। इसमें सिक्के, सिगरेट के टुकड़े और उनके स्टूडियो से अन्य यादृच्छिक चीजें शामिल हैं, जो अमूर्तता के लिए पूरी तरह से नए स्तर की बनावट और गहराई को प्रक्षिप्त करती हैं। फुल फैथम फाइव ने पोलॉक के करियर में एक मोड़ लाया, और हमेशा के लिए हमारे कैनवास के साथ संबंध को बदल दिया।

जैक्सन पोलॉक - फुल फैथम फाइव, 1947। कैनवास पर तेल, कीलें, टैक, बटन, चाबी, सिक्के, सिगरेट, माचिस, आदि। 50 7/8 x 30 1/8 इंच। © 2019 पोलॉक-क्रास्नर फाउंडेशन / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकला: 1950 के दशक

1950 के दशक तक, अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों ने कला की दुनिया की कल्पना पर पूरी तरह से कब्जा कर लिया था। हर जगह, कलाकार प्राचीन आत्मा, अवचेतन मन, और अवचेतन की छिपी हुई छवियों के साथ जुड़ने की कोशिश कर रहे थे। इस उत्साह के बीच एक शांतता की प्रवृत्ति उभरी, जो कई कलाकारों के बीच ताओवाद और ज़ेन बौद्ध धर्म जैसी पूर्वी दार्शनिकताओं में बढ़ती रुचि से आंशिक रूप से जन्मी। इस समय से उभरे सबसे गहन आंदोलनों में से एक एक अमूर्त चित्रकला शैली थी जिसे Color Field Painting के नाम से जाना जाता है।

रंग क्षेत्र चित्रकला का उद्देश्य, जैसा कि इसे सामान्यतः समझा गया है, विषय वस्तु, रूप, रेखा और चित्र बनाने की अन्य बाधाओं से स्वतंत्र रूप से रंग का अन्वेषण करना था। चित्रकारों द्वारा एक ध्यानात्मक गुणवत्ता की खोज की गई, और यदि यह सफल होती, तो यह काम से उसके दर्शकों में स्थानांतरित हो जाती।

अ抽象 चित्रकार हेलेन फ्रैंकेंथालर रंग क्षेत्र आंदोलन की सबसे गहन आवाजों में से एक थीं। उनके चित्र पहाड़ और समुद्र, जो 1952 में बनाया गया था, ने फ्रैंकेंथालर को एक नई चित्रकला तकनीक से दुनिया को परिचित कराया जिसे उन्होंने "सोख-धब्बा प्रक्रिया" कहा। इस प्रक्रिया में, फ्रैंकेंथालर ने अपने रंगों की स्थिरता को पतला करने के लिए टरपेंटाइन का उपयोग किया। उन्होंने फर्श पर एक अनप्राइम्ड कैनवास पर पतले रंग को बारीकी से डाला, जिससे रंग पूरी तरह से कैनवास में सोख लिया गया, जिससे काम को एक पूरी तरह से नई बनावट और रूप मिला। सोख-धब्बा प्रक्रिया ने रंगों के अद्भुत क्षेत्र बनाए जो जैविक, रूपांतरित संरचनाओं में बदल गए जो शांति को छूते हैं। फ्रैंकेंथालर का पहाड़ और समुद्र रंग क्षेत्र आंदोलन की पहली सफलताओं में से एक माना जाता है और आज भी इसके सबसे प्रिय चित्रों में से एक बना हुआ है।

हेलेन फ्रैंकेंथालर - पर्वत और समुद्र, 1952। कैनवास पर तेल और चारकोल। 86 5/8 x 117 ¼ इंच। © 2019 हेलेन फ्रैंकेंथालर फाउंडेशन, इंक./आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

शायद रंग क्षेत्र के कलाकारों से जुड़े सबसे प्रसिद्ध कलाकार मार्क रोथको हैं, एक ऐसे कलाकार जिन्होंने इस और अधिकांश अन्य लेबलों को vehemently अस्वीकार किया। रोथको ने पूरी तरह से रंग के साथ काम किया, यह प्रयास करते हुए कि वह और दर्शक मानव भावना की गहराई का अनुभव कर सकें। हालांकि पूरी तरह से रंग पर केंद्रित, रोथको ने इसे केवल एक वाहन के रूप में खारिज कर दिया जिसके माध्यम से यह आध्यात्मिक संबंध बनाया जा सकता है। रोथको के परिभाषित प्रारंभिक कार्यों में से एक था नं. 2, हरा, लाल और नीला, जिसे 1953 में चित्रित किया गया था। यह कृति रोथको के भविष्य के कार्यों का प्रतीक है, जो उन्हें अमूर्त कला और आध्यात्मिकता की दुनिया का एक अनोखा प्रिय निवासी स्थापित करती है।

मार्क रोथको - संख्या 2, हरा, लाल और नीला, 1953। निजी संग्रह

प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकला: 1960 के दशक – 1970 के दशक

जैसे-जैसे अमूर्तता 1960 और 1970 के दशक में प्रवेश करती गई, कई चित्रकार पहले से ही इसके मौलिक विचारों को अस्वीकार कर रहे थे, आकृतियों की ओर लौट रहे थे और संविधानिक कला के क्षेत्र का अन्वेषण कर रहे थे। फिर भी, अमूर्तता की स्पष्टता और स्वतंत्रता की शक्ति अभी भी बड़ी संभावनाएँ रखती थी। इस अवधि की सबसे उत्कृष्ट आवाजों में से एक अमेरिकी अमूर्त चित्रकार एग्नेस मार्टिन थी। अपनी रेखांकित ग्रिड पेंटिंग के लिए जानी जाने वाली, मार्टिन अमूर्त कला की एक प्रतीकात्मक आवाज के रूप में जीवित रहती हैं।

एग्नेस मार्टिन की पेंटिंग नाइट सी, जो 1963 में बनाई गई थी, उनके निश्चित शैली के प्रारंभिक उदाहरणों में से एक है। इस काम में, एक लगभग एकरंगी नीले पृष्ठभूमि को सोने की पत्तियों में चित्रित एक बारीकी से बनाई गई ग्रिड पैटर्न के साथ इंटरसेक्ट किया गया है। यह काम रंग को अपनाता है, जबकि रेखा पर समान शक्ति रखता है। यह सरलता को अपनाता है जबकि साथ ही विशालता, जटिलता और आपस में जुड़े निर्भरता की भावना को संप्रेषित करता है। मार्टिन ने कहा कि रेखा, उनके लिए, निर्दोषता का प्रतिनिधित्व करती है। उन्होंने आशा की कि उनकी कला के माध्यम से निर्दोषता की भावना दर्शकों तक पहुंचे। उनकी छवियों की सरलता, और उस भावना की स्पष्टता जिसे वह संप्रेषित करना चाहती थीं, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद और न्यूनतमवाद के बीच की खाई को पाटने में महत्वपूर्ण थी।

एग्नेस मार्टिन - नाइट सी, 1963। कैनवास पर तेल और सोने की पत्तियाँ। 72 x 72 इंच। © एग्नेस मार्टिन की संपत्ति / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

1970 के दशक में, रॉबर्ट मदरवेल ने एक बार फिर अमूर्तता की दुनिया को हिला दिया, एक ऐसी आवाज के साथ जो न्यूनतमवाद के आकर्षण का प्रतिकूल प्रतीत होती थी। उनके प्राचीन, कठोर इशारों में एक साथ ऊर्जा, शक्ति और चिंता व्यक्त की गई। उनमें एक स्थायी ताकत थी और फिर भी गहरी भावना सामने आई जो शुद्ध अमूर्तता की शक्ति और स्वतंत्रता को व्यक्त करती थी।

मदरवेल का प्रमुख काम 1971 में आया, और इसे "स्पेनिश गणराज्य के लिए शोकगीत संख्या 110" कहा गया। इस पेंटिंग की उग्र ऊर्जा दर्शक को घेर लेती है और कैनवास से बाहर फटने जैसी लगती है। इसमें एक चौंकाने वाली जीवंतता है, आक्रामकता जो भावना और क्रोध को स्थान में स्थानांतरित करती है। एक समय जब कई चित्रकारों ने अमूर्तता को समाप्त मान लिया था, मदरवेल ने इस शैली में एक शक्तिशाली नई जीवन शक्ति का संचार किया। उसकी ताजा दृष्टि और आत्मविश्वासी आवाज ने अमूर्तता को जीवित रहने में मदद की, और आज भी अमूर्त कलाकारों को प्रेरित और सशक्त बनाती है।

रॉबर्ट मदरवेल - स्पेनिश गणराज्य के लिए एलेजी नंबर 110, 1971। कैनवास पर ऐक्रेलिक, ग्रेफाइट और चारकोल। 82 x 114 इंच। सोलोमन आर. गुगेनहाइम संग्रहालय। रॉबर्ट मदरवेल © डेडालस फाउंडेशन, इंक./वागा द्वारा लाइसेंस प्राप्त, आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

भविष्य के प्रति हमारी धारणा को बदलना

आज के समकालीन अमूर्त कलाकार इन सभी कलाकारों के प्रति एक ऋण रखते हैं, न केवल इस लिए कि उन्होंने अपनी अभिव्यक्ति के तरीकों में स्वतंत्रता की खोज की, बल्कि इस लिए भी कि उन्होंने दर्शकों को नए दृष्टिकोणों को देखने के लिए अपने मन खोलने में मदद की। अमूर्तता हमें नए दरवाजे खोलने में मदद करती है जब हम अपने विकसित होते समाज की अंतहीन जटिलताओं को समझने की कोशिश करते हैं। अतीत के महान अमूर्त कलाकारों के उदाहरणों पर आधारित होकर, आज और कल के अमूर्त कलाकार उम्मीद करते हैं कि वे हमारी समकालीन चिंताओं और भय को अनुवादित करने में मदद कर सकें, और हमें अपनी आँखों की सीमाओं से परे देखने में मदद कर सकें।

विशेष छवि: वासिली कंदिंस्की - कम्पोज़िशन VII, 1913। © वासिली कंदिंस्की / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / ADAGP, पेरिस / एरिक लेसिंग / आर्ट रिसोर्स, NY
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा