प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकला जो हमारे कला को देखने के तरीके को बदल गई

“हमारे पास कौन से चित्र हो सकते हैं, यह इस बात पर निर्भर करता है कि कल्पना कौन कर रहा है।” - John Hospers, An Introduction to Philosophical Analysis से

हम उन दूरदर्शियों पर निर्भर हैं जो छिपे हुए द्वार खोलते हैं, ताकि हम दुनिया के उन हिस्सों और अपने उन पहलुओं की झलक पा सकें, जो अन्यथा छिपे रह सकते हैं। दृष्टि अमूर्त कलाकारों की विशेषता है और पिछले 100+ वर्षों में अनेक प्रसिद्ध अमूर्त चित्र मानवता की दृष्टि का विस्तार करने में सफल हुए हैं। इन चित्रों को रचने वाले दूरदर्शियों ने दर्शकों के रूप में हमें न केवल देखने के लिए नई चीज़ों का उपहार दिया, बल्कि देखने के बिल्कुल नए तरीके भी प्रदान किए।

ये उपलब्धियाँ केवल कला इतिहास तक सीमित नहीं हैं। नीचे चर्चा किए गए प्रत्येक ऐतिहासिक कलाकार के साथ, हम IdeelArt पर उपलब्ध एक ऐसी कृति को देखते हैं जो रेखा, ज्यामिति, सामग्री या रंग से जुड़े प्रश्नों पर विचार करती है। ये जोड़ियाँ देखने के निमंत्रण हैं, प्रत्यक्ष प्रभाव के दावे नहीं: प्रत्येक कलाकार इन साझा प्रश्नों को अपनी विशिष्ट भाषा देता है।

प्रसिद्ध अमूर्त चित्र: 1910 का दशक – 1920 का दशक

निस्संदेह, इस लेख में हमारे कुछ चयन विवादास्पद लग सकते हैं, क्योंकि हर अमूर्त कला-प्रेमी की पसंद अलग होती है। लेकिन अधिकांश लोग संभवतः अमूर्त चित्रों के हमारे पहले चयन से सहमत होंगे, जिसने कला को देखने के हमारे तरीके को बदल दिया। Wassily Kandinsky का Untitled (First Abstract Watercolor) 1910 में चित्रित किया गया था और कला इतिहासकार इसे पहला पूर्णतः अमूर्त चित्र मानते हैं। जीवंत रंगों वाले धब्बों, पोतों और रेखाओं का साहसिक चित्रण वस्तुगत वास्तविकता के सभी दृश्य संदर्भों से मुक्त है। इस चित्र ने कलाकारों को विषय-वस्तु के बंधन से मुक्त किया और दर्शकों को इस अवधारणा से पूरी तरह नए तरीके से जुड़ने का आमंत्रण दिया कि कोई चित्र क्या हो सकता है।

Wassily Kandinsky - शीर्षकरहित (प्रथम अमूर्त जलरंग) - 1910
Centre Georges Pompidou, Paris

जब रेखा और रंग को अब किसी वस्तु का वर्णन करने की आवश्यकता नहीं रहती, तब क्या होता है? The Eye में Macha Poynder एक समकालीन उत्तर प्रस्तुत करती हैं: लूपिंग चिह्न, पीले और गुलाबी रंग की अचानक चमकें और नीले रंग की परतदार पट्टियाँ एक बेचैन दृश्य लय रचती हैं। उनकी कला-प्रक्रिया स्वचालित चित्रांकन, प्रदर्शनात्मक हाव-भाव और सहज रंग-चयनों को संयोजित करती है। Kandinsky के जलरंग के पास से देखने पर यह चित्र दर्शाता है कि अमूर्तन किस तरह देखने को एक सक्रिय अनुभव में बदल सकता है, जिसमें आँख किसी विषय की पहचान करने के बजाय संबंधों का अनुसरण करती है।

ग्यारह वर्ष बाद, 1921 में, Piet Mondrian ने अपनी प्रतिष्ठित Tableau I पेंट की। अपनी उभरती हुई नई शैली के साथ प्रयोग करने के एक दौर के बाद, Tableau I ने उस शैली को ठोस रूप दिया जो आगे चलकर Mondrian की पहचान बनी। कठोर काली रेखाओं और खंडित रंग-क्षेत्रों ने दर्शकों को शुद्ध ज्यामिति और गणितीय सटीकता की झलक दी। कृति की साफ रेखाओं और सटीकता का संबंध रूप, रंग और रेखा के अलावा किसी अन्य वस्तु से नहीं था। इस कृति ने ऐसी शैली का सूत्रपात किया, जो चित्रकारों, मूर्तिकारों, वास्तुकारों और डिज़ाइनरों की पीढ़ियों को प्रभावित करेगी और आज भी रचनात्मक विचारकों का मार्गदर्शन करती है।

Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Cologne, Germany

Mondrian की ज्यामिति आज भी एक खुला प्रश्न उठाती है: किसी छवि को हमारे देखने के तरीके को बदलने के लिए कितना कम पर्याप्त है? Daniel Göttin की Untitled 1, 2016 इस क्षेत्र से होकर एक अलग मार्ग अपनाती है। सफेद रेखाओं से अलग किए गए काले और धूसर ऊर्ध्वाधर क्षेत्र एक नियमित पैटर्न बनाते हैं, जिसके विरोधाभास सतह पर बदलते रहते हैं। Mondrian के विशिष्ट रंग-संयोजन को दोहराने के बजाय, Göttin अनुपात, पुनरावृत्ति, सममिति और विषमता का अन्वेषण करते हैं। संबंध दर्शक के अनुभव में निहित है: रेखा केवल सीमा नहीं होती, बल्कि अपने आसपास के स्थान को बदलने वाली शक्ति भी होती है।

1925 में Joan Miró ने अपनी पेंटिंग La mancha roja (The red spot) के माध्यम से अमूर्तता और अतियथार्थवाद के बीच की सीमाएँ मिटा दीं। Miró स्वयं को अमूर्ततावादी नहीं मानते थे। उन्होंने कहा कि वे अपने छोटे-से घर लौटे, भूखे और थके हुए थे, और उन्होंने अपने मन में दिखाई देने वाली छवियों को चित्रित किया। La mancha roja (The red spot) मानव-सदृश आकृतियों, स्वप्न-जैसे टोटमों और शुद्ध अमूर्तता के बीच की महीन रेखा पर स्थित है। इस छवि के भीतर कुछ बालसुलभ, फिर भी भयावह, छिपा हुआ है। इस कृतिसमूह के माध्यम से Miró ने हमारे दुःस्वप्नों और सपनों की छिपी प्रतीक-भाषा का द्वार पूरी तरह खोल दिया।

Joan Miro - La mancha roja (The red spot) - 1925
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection.
© Joan Miro Foundation, Barcelona

Miró के रूप संकेतों, कल्पित जीवों और स्वतंत्र आकृतियों के बीच मंडराते हैं। इसी तरह की अस्पष्टता Daniela Marin की Medusae I में दिखाई देती है, जहाँ धारीदार, चित्तीदार और शाखानुमा आकृतियाँ खुली ज्यामितीय संरचनाओं वाले सफेद क्षेत्र में साथ मौजूद हैं। वे जीवित चीज़ों का आभास देती हैं, लेकिन किसी एक पहचानने योग्य दृश्य का रूप नहीं लेतीं। Marin की दृश्य-भाषा जैविक आकृतियों को शहरी ज्यामिति के साथ संवाद में लाती है और उनके अपने अनुभवों तथा यात्राओं से प्रेरित है। उनकी उज्ज्वल, विस्तृत रचना Miró की पेंटिंग में वर्णित बेचैन वातावरण से अलग है, फिर भी दोनों दर्शक को पहचान और कल्पना के बीच आने-जाने के लिए आमंत्रित करते हैं: कोई आकृति चित्रण बने बिना जीवित प्रतीत हो सकती है।

प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकृतियाँ: 1930 का दशक – 1940 का दशक

जब 20वीं सदी में दूसरी बार पश्चिमी दुनिया मंदी, अकाल और युद्ध की ओर बढ़ रही थी, तब अमूर्तन कला-जगत में एक प्रमुख शक्ति के रूप में दृढ़ता से स्थापित हो चुका था। इस शैली में काम करने वाले कलाकार अनेक शानदार विधियों का प्रयोग कर रहे थे और मानव आत्मा के भीतर किसी शुद्ध, किसी सच्चे और किसी मुक्त तत्व से जुड़ने के बढ़ते प्रयासों में योगदान दे रहे थे। ग्रेट ब्रिटेन में चित्रकार Ben Nicholson ने अपने अमूर्त कार्य को उन कृतियों के एक समूह तक विस्तृत किया, जिन्हें उन्होंने सफेद उभरी हुई चित्रकृतियाँ कहा। इन कृतियों में White Relief, Quai d’Auteuil (1935) भी शामिल है, जो उस दृष्टिकोण का उदाहरण है जिसने Nicholson को अंग्रेज़ी अमूर्त कला की सबसे महत्वपूर्ण आवाज़ों में स्थापित किया। Nicholson, चित्रकार Piet Mondrian के मित्र थे और उनसे प्रभावित भी थे। सफेद उभरी हुई कृतियों ने Mondrian द्वारा तीखी सीमाओं वाली रेखाओं और ज्यामितीय स्थान के प्रयोग को आगे बढ़ाते हुए आयामी परतों और एकरंगी रंग-संयोजन को प्रस्तुत किया। Nicholson की पहली सफेद उभरी हुई चित्रकृतियाँ 1933 में बनाई गईं और 1935 तक उन्होंने ऐसी शैली को सुदृढ़ कर लिया था जिसमें अमूर्तन, रचनावाद, कंक्रीट कला के तत्व शामिल थे और जो न्यूनतावाद तथा उत्तर-चित्रकारी अमूर्तन के शुरुआती बीजों का संकेत देती थी।

Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
द हेपवर्थ वेकफील्ड म्यूज़ियम

निकोलसन की उभरी हुई कृतियाँ स्थान को ही अमूर्तन का एक सक्रिय हिस्सा बना देती हैं, समतलों, किनारों और गहराई के बीच संबंधों के माध्यम से। ब्रिटिश चित्रकार Jeremy Annear Construct (Red Disc and Triangle) में इस विचार के साथ एक प्रभावशाली संवाद प्रस्तुत करते हैं। परतदार सफेद, धूसर और मिट्टी-रंग के आकार घुमावदार सीमाओं के चारों ओर घूमते हैं, जबकि एक लाल चक्र और त्रिभुज रचना में प्रमुखता से उभरते हैं। Annear अपने तैलचित्रों का निर्माण परतदार रूपों और बनावटदार सतहों के माध्यम से करते हैं; यहाँ, उनका एक-दूसरे पर चढ़ना ऐसे स्थान का संकेत देता है जो वर्णित नहीं, बल्कि निर्मित है। निकोलसन की सफेद उभरी हुई कृतियों के विपरीत, यह एक रंगीन चित्र है, लेकिन साझा प्रश्न यह है कि सीमित आकार-शब्दावली संतुलन, तनाव और गहराई की अनुभूति कैसे स्थापित कर सकती है।

1930 और 1940 के दशकों में इसका दूसरा छोर अमूर्त अभिव्यंजनावादियों का था, जिन्हें न्यूयॉर्क स्कूल के नाम से भी जाना जाता है। Mondrian और Nicholson जैसे कलाकारों के तर्कसंगत भूगोल और स्थानिक संकुचन को पूरी तरह अस्वीकार करते हुए, अमूर्त अभिव्यंजनावादी अपनी कृतियों में आदिम भावनाओं से जुड़ना चाहते थे। कोई भी अमूर्त अभिव्यंजनावादी Jackson Pollock जितना प्रभावशाली और इस शैली को साकार करने में सफल नहीं था।

एक कुख्यात शराबी और न्यूरोटिक कलाकार, Pollock प्रेरणा के लिए अपने अवचेतन की गहराइयों तक पहुँचने हेतु मनोविश्लेषण से प्रेरित थे। उनकी कृतियों में आधुनिक, युद्धोत्तर चिंता के उग्र चित्रण रचने के लिए भौतिकता और अचेतन टोटेम-छवियों का सहारा लिया गया। 1947 में चित्रित उनकी शुरुआती ड्रिप पेंटिंग्स में से एक, Full Fathom Five, ने अमूर्त कला को हमेशा के लिए बदल दिया। यह कृति उनकी पहले की ब्रश शैली और उनकी दूरदर्शी ड्रिप तकनीक का सम्मिश्रण है। इसमें सिक्के, सिगरेट के टुकड़े और उनके स्टूडियो की अन्य बेतरतीब चीज़ें शामिल हैं, जो अमूर्त कला के लिए पूरी तरह नई बनावट और गहराई का स्तर प्रस्तुत करती हैं। Full Fathom Five ने Pollock के करियर में एक निर्णायक मोड़ लाया और कैनवास के साथ हमारे संबंध को हमेशा के लिए बदल दिया।

Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
 © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society

Full Fathom Five में जड़ी वस्तुएँ हमें याद दिलाती हैं कि कोई चित्र केवल एक तस्वीर से अधिक हो सकता है: यह क्रियाओं और सामग्रियों का भौतिक संचय भी हो सकता है। Anthony Frost चित्रकला और कोलाज को मिलाने वाली एक सहज प्रक्रिया के माध्यम से इस संभावना का अन्वेषण करते हैं। Surface Pressure में खुरदरी बनावट वाले नीले और नारंगी क्षेत्र एक उभरी हुई लाल पट्टी से काटे गए हैं, जिससे सतह स्वयं इस मुठभेड़ का हिस्सा बन जाती है। Frost द्वारा मिली-जुली सामग्रियों और परतदार निर्माण का उपयोग Pollock की उलझी हुई टपकती रेखाओं से बिल्कुल अलग है, लेकिन दोनों कृतियाँ हमें चित्रकला को पहले से बनाई गई केवल एक छवि के बजाय भौतिक संलग्नता के माध्यम से निर्मित वस्तु के रूप में देखने के लिए आमंत्रित करती हैं।

प्रसिद्ध अमूर्त चित्र: 1950 का दशक

1950 के दशक तक अमूर्त अभिव्यंजनावादी कला-जगत की कल्पना पर पूरी तरह छा चुके थे। हर जगह कलाकार आदिम स्व, अचेतन मन और अवचेतन की छिपी छवियों से जुड़ने का प्रयास कर रहे थे। इसी उत्साह के बीच शांति की ओर एक रुझान उभरा, जिसका आंशिक कारण कई कलाकारों की ताओवाद और ज़ेन बौद्ध धर्म जैसे पूर्वी दर्शनों में बढ़ती रुचि थी। इस दौर से विकसित होने वाली सबसे प्रभावशाली धाराओं में से एक अमूर्त चित्रकला की वह शैली थी जिसे Color Field Painting के नाम से जाना जाता है।

Color Field Painting का उद्देश्य, जैसा कि आम तौर पर समझा जाने लगा, विषय-वस्तु, रूप, रेखा और छवि-निर्माण की अन्य सीमाओं से स्वतंत्र रूप से रंग का अन्वेषण करना था। चित्रकार एक ध्यानमय गुण की तलाश करते थे और सफल होने पर वह गुण कृति से उसके दर्शकों तक पहुँच जाता था।

अमूर्त चित्रकार Helen Frankenthaler Color Field आंदोलन की सबसे प्रभावशाली आवाज़ों में से एक थीं। 1952 में बनाई गई अपनी पेंटिंग Mountains and Sea, के साथ फ्रैंकेंथालर ने दुनिया के सामने अपनी आविष्कृत नई चित्रकला तकनीक प्रस्तुत की, जिसे “सोखकर-रंगने की प्रक्रिया” कहा जाता है। इस प्रक्रिया में फ्रैंकेंथालर ने अपने पेंट को पतला करने के लिए तारपीन का उपयोग किया। उन्होंने पतले किए गए पेंट को फर्श पर रखे बिना प्राइम किए कैनवास पर धीरे से डाला, जिससे पेंट कैनवास में पूरी तरह समा गया और कृति को एक बिल्कुल नई बनावट और रूप मिला। सोखकर-रंगने की प्रक्रिया ने रंग के ऐसे उत्कृष्ट क्षेत्रों का निर्माण किया, जिन्होंने जैविक, रूपांतरित होती आकृतियाँ धारण कीं और शांति का स्पर्श दिया। फ्रैंकेंथालर की Mountains and Sea को Color Field आंदोलन की पहली सफल कृतियों में से एक माना जाता है और आज भी यह इसकी सबसे प्रिय छवियों में बनी हुई है।

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society

फ्रैंकेंथालर की पेंटिंग स्मृति में बसे परिदृश्य और स्वतंत्र रंग-क्षेत्रों के बीच एक अवकाश खोलती है। Greet Helsen प्रकृति के साथ अपने अनुभवों के माध्यम से उस अवकाश तक पहुँचती हैं और सटीक विवरणों के बजाय प्रकाश, आकार और रंग की छापों से काम करती हैं। Dynamisch (Dynamic) में पारदर्शी गुलाबी, नीले और बकाइन रंग एक हवादार सतह पर प्रवाहित होते हैं, जिन्हें महीन गहरी रेखाएँ और रंग के अधिक गहरे जमाव बाधित करते हैं। Helsen अपने ऐक्रेलिक पेंट को सावधानी से इतना पतला करती हैं कि बाद की परतें दिखाई देती रहें। यह फ्रैंकेंथालर की सोखकर-रंगने की प्रक्रिया जैसी नहीं है, लेकिन यह जोड़ी हमें दिखाती है कि पारदर्शिता और तरल रंग किसी परिदृश्य को चित्रित किए बिना उसका संकेत कैसे दे सकते हैं।

Color Field कलाकारों से जुड़े शायद सबसे प्रसिद्ध कलाकार मार्क रोथको हैं, एक ऐसे कलाकार जिन्होंने उस और अधिकांश अन्य लेबलों को भी vehemently अस्वीकार किया। रोथको ने पूरी तरह रंग के साथ काम किया और एक ऐसे आध्यात्मिक स्तर को खोलने का प्रयास किया जहाँ वे और दर्शक मानवीय भावनाओं की गहराई का अनुभव कर सकें। रंग पर पूरी तरह केंद्रित होने के बावजूद, रोथको ने इसे केवल उस माध्यम के रूप में देखा जिसके ज़रिए यह आध्यात्मिक जुड़ाव बनाया जा सकता था। रोथको की प्रारंभिक परिभाषित कृतियों में से एक No. 2, Green, Red and Blue थी, जिसे 1953 में चित्रित किया गया था। यह कृति रोथको के भावी रचनाकर्म की प्रतीक है और अमूर्त कला तथा पारलौकिक आध्यात्मिकता, दोनों दुनियाओं में उनकी विशिष्ट और अत्यंत आत्मीय उपस्थिति स्थापित करती है।

मार्क रोथको - No. 2, Green, Red and Blue - 1953

क्या रंग अपने कारण का वर्णन किए बिना कोई भावना व्यक्त कर सकता है? यही प्रश्न रोथको के काम को Kyong Lee की Emotional Color Field 6 से जोड़ता है, हालांकि उनकी दृश्य भाषाएँ अलग बनी रहती हैं। Lee गहरे नीले और बैंगनी से होते हुए गुलाबी और हल्के रंगों से नारंगी तथा लाल तक जाने वाली क्षैतिज पट्टियाँ व्यवस्थित करती हैं। उनकी प्रक्रिया में भावनात्मक अवस्था में होने वाले परिवर्तनों का अन्वेषण करने के लिए सावधानीपूर्वक मापे गए रंग-क्षेत्रों और रंगों के क्रमिक संक्रमणों का उपयोग किया जाता है। जहाँ रोथको के नरम-किनारों वाले रूप तैरते हुए प्रतीत होते हैं, वहीं Lee के विभाजन स्पष्ट और सुव्यवस्थित हैं। यह संवाद समानता से कम और इस बात से अधिक जुड़ा है कि एक रंग अगले रंग के हमारे अनुभव को कैसे बदलता है, और वे संबंध किस तरह एक भावनात्मक भाषा बन सकते हैं।

प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकृतियाँ: 1960 का दशक – 1970 का दशक

जैसे-जैसे अमूर्त कला 1960 और 1970 के दशकों में प्रवेश कर रही थी, अनेक चित्रकार पहले ही इसके मूल विचारों को अस्वीकार कर रहे थे, पुनः आकृतिमूलक कला की ओर लौट रहे थे और विचारात्मक कला के क्षेत्र का अन्वेषण कर रहे थे। फिर भी, अमूर्त कला की स्पष्टता और स्वतंत्रता की शक्ति में अब भी अपार संभावनाएँ थीं। इस दौर की सबसे उदात्त आवाज़ों में से एक अमेरिकी अमूर्त चित्रकार एग्नेस मार्टिन की थी। रेखांकित ग्रिड वाली अपनी चित्रकृतियों के लिए प्रसिद्ध मार्टिन आज भी अमूर्त कला की एक प्रतिष्ठित आवाज़ हैं।

Agnes Martin का 1963 में बनाया गया चित्र Night Sea उनकी उस निर्णायक शैली के शुरुआती उदाहरणों में से एक है, जो आगे चलकर विकसित हुई। इस कृति में लगभग एकरंगी नीली पृष्ठभूमि को सोने की पत्ती से बनाए गए सूक्ष्म ग्रिड पैटर्न द्वारा काटा गया है। यह कृति रंग को अपनाती है, साथ ही रेखा को भी उतनी ही शक्ति देती है। यह सरलता को अपनाते हुए विशालता, जटिलता और परस्पर गुंथी हुई निर्भरता का बोध भी एक साथ संप्रेषित करती है। मार्टिन ने बताया था कि उनके लिए रेखा मासूमियत का प्रतिनिधित्व करती थी। उन्हें आशा थी कि उनकी कृति के माध्यम से मासूमियत का यह भाव दर्शकों तक पहुँचेगा। उनकी छवियों की सरलता और उस भावना की प्रत्यक्षता, जिसे वे संप्रेषित करना चाहती थीं, अमूर्त अभिव्यंजनावाद और मिनिमलिज़्म के बीच की दूरी पाटने में महत्वपूर्ण रही।

Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Agnes Martin की संपत्ति / Artists Rights Society

मार्टिन की संयमित शब्दावली दिखाती है कि कोई रेखा बिना कुछ वर्णित किए भी हमारा ध्यान बाँधे रख सकती है। Richard Caldicott की Untitled, 2014 (Id.383) रेखा और स्थान के साथ एक अलग, विरल मुठभेड़ प्रस्तुत करती है। हल्की पृष्ठभूमि पर, बारीक और मोटी गहरी रेखाएँ लाल और पीले क्षेत्रों के बीच एक खुली कोणीय संरचना बनाती हैं। मार्टिन की ग्रिड को दोहराने के बजाय, Caldicott रचना को कुछ संबंधों तक सीमित कर देते हैं, जिनका संतुलन देखने के साथ अधिक स्पष्ट होता जाता है। कागज़ पर उनकी क्रमिक कृतियाँ एक न्यूनतम, वास्तुशिल्पीय भाषा का अन्वेषण करती हैं। यह संयोजन धीमे ढंग के ध्यान को आमंत्रित करता है: किसी विषय की तलाश नहीं, बल्कि इस जागरूकता को कि अंतराल, किनारे और रिक्त स्थान हमारे अनुभव को कैसे आकार देते हैं।

1970 के दशक में रॉबर्ट मदरवेल ने एक बार फिर अमूर्त कला की दुनिया को हिला दिया; उनका स्वर मिनिमलिज़्म के आकर्षण का प्रतिपक्ष-सा प्रतीत होता था। उनके आदिम, खुरदरे हावभाव एक साथ ऊर्जा, शक्ति और बेचैनी व्यक्त करते थे। उनमें एक धैर्यपूर्ण दृढ़ता थी, फिर भी उनसे गहरी भावना उभरती थी, जो शुद्ध अमूर्त कला की शक्ति और स्वतंत्रता को मूर्त रूप देती थी।

मदरवेल की परिभाषित कृति 1971 में बनी और इसका नाम था Elegy to the Spanish Republic No. 110। इस चित्र की उग्र ऊर्जा दर्शक को अपने घेरे में ले लेती है और ऐसा लगता है मानो कैनवास से बाहर फूट पड़ेगी। इसमें एक चौंका देने वाली जीवंतता है; ऐसी आक्रामकता, जो भावना और उग्रता को अंतरिक्ष में स्थानांतरित कर देती है। उस समय, जब कई चित्रकार मानते थे कि अमूर्त कला अपनी संभावनाएँ पूरी कर चुकी है, मदरवेल ने इस शैली में एक शक्तिशाली नई जीवन-शक्ति का संचार किया। उनकी ताज़ा दृष्टि और आत्मविश्वासी स्वर ने अमूर्त कला को टिके रहने में मदद की और आज भी अमूर्त कलाकारों को प्रेरित व सशक्त करते हैं।

Robert Motherwell - स्पेनिश गणराज्य के लिए शोकगीत संख्या 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society

Motherwell की Elegy दर्शाती है कि दोहराए गए, प्रभावशाली रूप किसी अमूर्त चित्र को भावनात्मक भार कैसे दे सकते हैं। Tommaso Fattovich की Punk इस भार तक अधिक खंडित, बहुरंगी भाषा के माध्यम से पहुँचती है। काले, गुलाबी, हल्के हरे और नारंगी रंग के सीधे खड़े विस्तार खुरदरी धूसर-भूरी पृष्ठभूमि से ऊपर उठते हैं, और उनके किनारों पर लगातार किए गए हाव-भावों के निशान दिखाई देते हैं। Fattovich अपनी रचनाओं को सहज अंतर्ज्ञान से विकसित करते हैं और रंग, परतों, रेखाओं तथा आकृतियों पर तब तक प्रतिक्रिया देते हैं, जब तक चित्र पूर्ण न लगे। यह तुलना चिह्न की भौतिक उपस्थिति से संबंधित है, विषय की समानता से नहीं: Fattovich की शहरी प्रेरणा वाली अमूर्त कला में Motherwell की Elegy का विशिष्ट ऐतिहासिक अर्थ नहीं है, लेकिन यह तीव्रता के वाहक के रूप में हाव-भाव को अनुभव करने का एक और तरीका प्रस्तुत करती है।

भविष्य के बारे में हमारी धारणा बदलना

आज के समकालीन अमूर्त कलाकार इनमें से प्रत्येक कलाकार के ऋणी हैं—उन तरीकों के लिए भी, जिनसे उन्होंने अपनी अभिव्यक्ति की शैलियों में स्वतंत्रता खोजी, और उन तरीकों के लिए भी, जिनसे उन्होंने दर्शकों को देखने के नए तरीकों के लिए अपना मन खोलने में मदद की। अमूर्त कला हमारे सामने नए द्वार खोलती रहती है, क्योंकि हम अपने विकसित होते समाज द्वारा प्रस्तुत अंतहीन जटिलताओं को समझने का प्रयास करते हैं। अतीत के महान अमूर्त कलाकारों के उदाहरणों से प्रेरणा लेकर, आज और कल के अमूर्त कलाकार आशा है कि हमारी समकालीन चिंताओं और भय को अभिव्यक्त करने में हमारी मदद कर सकेंगे और अपनी आँखों की सीमाओं से परे देखने में सहायता करेंगे।

इन ऐतिहासिक चित्रों के साथ संवाद में लाई गई कृतियाँ दिखाती हैं कि वे संभावनाएँ अब भी खुली हैं। Poynder की बेचैन रेखाओं और Marin के कल्पित जैविक रूपों से लेकर Göttin और Annear के निर्मित स्थानों तक, अमूर्त कला आँख को संलग्न करने के अनेक तरीके प्रस्तुत करती है। Frost की भौतिक सतहें, Helsen के पारभासी रंग, Lee के भावनात्मक अनुक्रम, Caldicott की विरल संरचनाएँ और Fattovich के प्रभावशाली चिह्न इस संवाद को अलग-अलग दिशाओं में आगे बढ़ाते हैं। वे ऐतिहासिक कृतियों का स्थान नहीं लेते और न ही उनकी उपलब्धियों को दोहराते हैं। इसके बजाय, वे हमें आमंत्रित करते हैं कि हमने जो सीखा है उसे नए अनुभवों में साथ लेकर चलें और जानें कि अमूर्त कला हमारे देखने के तरीके को लगातार कैसे बदलती रहती है।

विशेष चित्र: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913। © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
सभी चित्र केवल उदाहरण के उद्देश्य से उपयोग किए गए हैं

Phillip Barcio द्वारा (2016) Francis Berthomier द्वारा संपादित (2026)