अवास्तविक कला के इतिहास में निर्णायक क्षण

शब्द इतने विवादास्पद हो सकते हैं। हम केवल अमूर्त कला के इतिहास पर चर्चा करना चाहते हैं। लेकिन यह वाक्य अवधारणात्मक जोखिमों से भरा हुआ है। (किसका इतिहास? कला क्या है? अमूर्त होने का क्या अर्थ है?) सटीक होने के लिए, शायद हमें इस लेख का शीर्षक कुछ इस तरह रखना चाहिए, “पश्चिमी सभ्यता की सामान्यतः स्वीकृत समयरेखा में उन घटनाओं की श्रृंखला में परिभाषित क्षण जो स्वयं को कलाकार कहने वाले व्यक्तियों द्वारा बनाई गई वस्तुओं और घटनाओं से संबंधित हैं, जिनका उद्देश्य वस्तुनिष्ठ दृश्य वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करना नहीं था।” लेकिन यह बिल्कुल भी क्लिक करने योग्य शीर्षक नहीं है। (या है?) मानसिक संतुलन के लिए, इस लेख में हम शब्दार्थ को एक तरफ रखकर शुरुआत से शुरू करते हैं।

अमूर्त कला का प्रागैतिहासिक काल

प्रागैतिहासिक गुफा निवासियों के सबसे प्रारंभिक चिन्हों में रेखाएं, खरोंचें और हाथ के निशान थे। हमारी सबसे अच्छी व्याख्या यह है कि वे प्रतीकात्मक थे। तो क्या यह उन्हें अमूर्त कला  के पहले उदाहरण बनाता है? शायद। लेकिन हमारे प्राचीन पूर्वजों द्वारा छोड़ी गई प्रतिनिधि छवियां भी बिल्कुल फोटो-यथार्थवादी नहीं हैं। हमारी विश्लेषणों में सबसे बड़ी कमी हमारे सबसे प्रारंभिक कलाकारों की मंशा को समझने की है। जब हम अमूर्त कला की बात करते हैं, तो हमारा मतलब ऐसी कला से होता है जिसे विशेष रूप से अमूर्त बनाने का इरादा था। चूंकि हम यह नहीं जान सकते कि प्रागैतिहासिक कलाकार अपनी छवियों के माध्यम से क्या संप्रेषित करना चाहते थे, इसलिए हम यह निर्णय नहीं ले सकते कि वह अमूर्त थी या यह कला ही थी। यह हमारे ज्ञान के अनुसार उपयोगी उद्देश्य भी रख सकती थी। इसलिए हम बहुत आगे बढ़ेंगे, एक ऐसे समय तक जो बेहतर दस्तावेजीकृत है, जब कलाकारों की मंशाएं स्पष्ट थीं।

हेनरी मैटिस - टोपी वाली महिला, 1905, कैनवास पर तेल, 31 3/4 × 23 1/2 इंच, © उत्तराधिकारी एच. मैटिस / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क

1800 के दशक की शुरुआत से पहले, यह कहना सुरक्षित है कि अधिकांश कलाकारों के पास यह निर्णय लेने की सुविधा नहीं थी कि वे क्या बनाएंगे। अधिकांश प्री-रोमांटिक युग के कलाकार धार्मिक संस्थानों या किसी अन्य प्राधिकारी शक्ति के समर्थन पर निर्भर थे ताकि वे जीवित रह सकें। इसलिए राजा और पवित्र पुरुष अधिकांश कलाकारों के कार्यों के विषय वस्तु निर्धारित करते थे। जैसे-जैसे उस संरक्षक प्रणाली का पतन हुआ, कलाकारों के लिए जीवित रहने के अन्य तरीके सामने आए। एक गैलरी प्रणाली उभरी; स्वतंत्र कला व्यापारी कलाकारों के कार्यों का प्रतिनिधित्व करने लगे; धनी व्यक्ति और निजी संस्थान कलाकारों का समर्थन करने और उनके कार्यों को संग्रहित करने लगे। पहली बार, कलाकारों को स्वयं यह सवाल पूछने का मौका मिला, “मैं क्या बनाना चाहता हूँ?” तुरंत अगला अनिवार्य सवाल आया: “मैं इसे क्यों बनाना चाहता हूँ?” इस सवाल का जवाब अमूर्त कला के अंततः उदय का एक प्रमुख कारण है, और यह शायद रोमांटिक युग से उभरे सबसे स्थायी विचारों में से एक है; जिसे उस समय के कई विचारकों ने व्यक्त किया, और फ्रांसीसी ने इसे इस प्रकार संक्षेपित किया, “L'art pour l'art.” कला केवल कला के लिए। या जैसा कि लेखक एडगर एलन पो ने 1850 में कहा:“…यदि हम अपने ही आत्मा में झांकने की अनुमति दें तो हम तुरंत वहां पाएंगे कि सूर्य के नीचे कोई भी कार्य इस कविता से अधिक सम्मानित, अधिक श्रेष्ठ नहीं हो सकता…जो केवल कविता के लिए लिखा गया है।”

आंद्रे डेरेन - सूखी पाल, 1905, कैनवास पर तेल, 82 x 101 सेमी, © पुष्किन संग्रहालय, मॉस्को

पहली छापें

जब कलाकारों को पूर्वनिर्धारित विषय वस्तु की सीमाओं से मुक्त किया गया, तो उन्होंने अन्य सीमाओं से भी खुद को मुक्त करना शुरू किया। लगभग 1850 से 1870 के बीच, सौंदर्यवादी आंदोलन ने कलाकारों को केवल सौंदर्य के उद्देश्य से कला बनाने का अधिकार दिया, न कि संस्कृति, समाज और राजनीति से संबंधित विषयों पर ध्यान केंद्रित करने के लिए। फिर आए इंप्रेशनिस्ट, पेरिस के कलाकार जिन्होंने प्रकाश की विशेषताओं के चित्रण पर जोर दिया, जिससे कला के व्यक्तिगत सौंदर्य तत्वों का संक्षेपण शुरू हुआ। 1880 के दशक में, चित्रकार जॉर्जेस स्यूरात ने पूरी छवि को छोटे बिंदुओं से बनाने की तकनीक विकसित की। इस तकनीक को पॉइंटिलिज्म कहा जाता है, जिसने विकृत, फिर भी प्रतिनिधि छवियां बनाई। पॉइंटिलिज्म  ने प्रयोगात्मक ब्रश स्ट्रोक और रचनात्मक तकनीकों के उदय में योगदान दिया, जो अमूर्तता की ओर एक प्रवृत्ति का संकेत देते थे। यह प्रवृत्ति पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट काल में और बढ़ी, जब कलाकार प्रतीकवाद और रंग, रूप और रेखा के मनमाने उपयोग के साथ प्रयोग करने लगे।

यह सब व्यक्तिगत है

1900 के दशक में, अभिव्यक्तिवादियों ने शुद्ध अमूर्तता की ओर प्रवृत्ति में योगदान दिया, अपनी विषयात्मकता पर जोर देकर। उन्होंने अपनी छवियों को नाटकीय रूप से विकृत करके एक गहरा व्यक्तिगत दृष्टिकोण प्रस्तुत करने का प्रयास किया, जो भौतिक वास्तविकता की तुलना में भावना का प्रतिनिधित्व करता था। इसी अवधि में फौविस्टों का उदय हुआ, जो लगभग पूरी तरह से जीवंत रंग और चित्रकारी के निशानों पर केंद्रित थे। फौविस्टों के लिए, विषय वस्तु कार्य के सौंदर्य घटकों के बाद थी। इस समय तक, शुद्ध अमूर्तता का उदय अनिवार्य था। हर जगह कलाकार वास्तविकता के प्रतीकात्मक प्रतिनिधित्व के साथ काम कर रहे थे, विचारों और भावनाओं को ऐसे तरीकों से संप्रेषित करने का प्रयास कर रहे थे जो विषय वस्तु से संबंधित नहीं थे। वे परिभाषा के अनुसार अमूर्त कर रहे थे। लेकिन पहला शुद्ध अमूर्त चित्र बनाने में सफल कौन था?

हंस होफमैन - उगता चाँद, 1965, कैनवास पर तेल, निजी संग्रह, आर्ट रिसोर्स, एनवाई / होफमैन, हंस (1880-1966) © ARS, एनवाई

सच्चे पहले अमूर्त कलाकार कौन हैं?

लगभग सभी इतिहासकार इस बात से सहमत हैं कि पहली अमूर्त पेंटिंग वासिली कांडिंस्की की Untitled (First Abstract Watercolor) थी, जो 1910 में बनाई गई थी। जीवंत रंगीन धब्बे, वृत्त, रेखाएं, घुमावदार रेखाएं और रंग क्षेत्र जो एक असंगठित तरीके से एकत्रित थे, यह कार्य किसी भी तरह से भौतिक दुनिया के पूर्व-स्थित दृश्य तत्वों का संदर्भ नहीं देता। मज़ाक के लिए, हम यह भी मान सकते हैं कि कांडिंस्की की Untitled (First Abstract Watercolor) पहली शुद्ध अमूर्त पेंटिंग नहीं थी। एक साल पहले, 1909 में, फ्रांसीसी अग्रगामी चित्रकार फ्रांसिस पिकाबिया ने Caoutchouc नामक एक प्रोटो-क्यूबिस्ट कार्य बनाया, जिसमें पहचाने न जाने वाले ज्यामितीय आकार थे जो असंबंधित रंग क्षेत्रों में लिपटे थे। यह कार्य किसी भी तरह से वस्तुनिष्ठ दृश्य वास्तविकता का प्रतिनिधित्व नहीं करता। हालांकि, शब्द Caoutchouc का अर्थ प्राकृतिक रबर का रस होता है, जो वल्केनाइज्ड रबर बनाने की कच्ची सामग्री का संदर्भ है। बिना वल्केनाइज्ड रबर के दृश्य तत्वों का विश्लेषण किए, हम नहीं कह सकते, लेकिन शायद यह चित्रण प्रतिनिधि है। कौन जानता है? जो हम जानते हैं वह यह है कि कांडिंस्की एक उत्साही कला सिद्धांतकार और प्रचुर लेखन करने वाले थे। उन्होंने खुले तौर पर अपनी मंशा व्यक्त की कि वे अमूर्त कला के संस्थापक बनना चाहते हैं, और उन्होंने इसे हासिल करने में सफलता पाई। कोई भी यह नहीं कह सकता कि उनकी मंशा पहली होने की नहीं थी, चाहे कोई उनसे पहले गलती से ही क्यों न पहुंच गया हो।

हंस होफमैन - वेलुटी इन स्पेकुलम, 1962, कैनवास पर तेल, 85 1/4 x 73 1/2 इंच (216.5 x 186.7 सेमी), © 2017 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क

कांडिंस्की ने निश्चित रूप से क्या किया

शुद्ध अमूर्त कला बनाने की अपनी मंशा को खुले तौर पर घोषित करके, कांडिंस्की ने कलाकारों को पर्यवेक्षित दुनिया के संदर्भों पर निर्भरता से मुक्त किया। उन्होंने कला को उसकी पूर्व की तर्कसंगतता से अलग कर दिया। उन्होंने इस क्षेत्र को गहन और तीव्र प्रयोग के लिए खोल दिया। उन्होंने रोमांटिकों के वादे को परिपक्वता तक पहुंचाया, जैसा कि जर्मन रोमांटिक कलाकार कैस्पर डेविड फ्रेडरिक ने कहा, “कलाकार की भावना उसकी कानून है।”

वासिली कांडिंस्की - रचना IV, 1911, कैनवास पर तेल, 250.5 x 159.5 सेमी, कुंस्टसामलुंग नॉर्डरन-वेस्टफालेन, डसेलडॉर्फ, जर्मनी

युद्ध में दुनिया

आगामी दशकों में, कलाकारों ने अमूर्तता के साथ जंगली प्रयोग किए। कई नए शैलियाँ अस्तित्व में आईं, जो अमूर्तता की स्वतंत्रता की पुकार से प्रभावित थीं, और साथ ही प्रथम विश्व युद्ध के भयावहता और यांत्रिक युग के उदय से भी। क्यूबिज्म ने कलाकारों को उनकी दृश्य भाषा को उसके सबसे बुनियादी घटकों तक सीमित करने के लिए प्रेरित किया। फ्यूचरिज्म ने रेखा में जीवन शक्ति और शक्ति दिखाई। डाडावाद  ने कला के अर्थ को चुनौती दी, कला की स्वतंत्रता को पुनः स्थापित किया और बुर्जुआ वर्ग का अस्वीकार किया। 1920 के दशक में, सुर्रियलिज्म ने कलाकारों के मन को अवचेतन की शक्ति के लिए खोल दिया। इसके सपने जैसे चित्रों पर ध्यान केंद्रित करने और सचेत तर्क को अस्वीकार करने के कारण, इसने अमूर्त कलाकारों को तकनीकों, माध्यमों और तरीकों के साथ अधिक प्रयोग करने के लिए गहरा प्रभाव डाला, जो उन्हें उनके अवचेतन से सीधे जोड़ सकते थे।

वासिली कांडिंस्की - रचना 6, 1913, कैनवास पर तेल, 76 2/5 × 115 7/10 इंच, 194 × 294 सेमी, © वासिली कांडिंस्की / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / ADAGP, पेरिस / एरिच लेसिंग / आर्ट रिसोर्स, एनवाई

नया बनाओ!

1930 के दशक में, जर्मन मूल के अमेरिकी चित्रकार हंस होफमैन को आधुनिकता के आवश्यक दर्शन को अमेरिका में फैलाने का श्रेय दिया जाता है, जो अतीत के तरीकों और विधियों के अस्वीकार का नवीनतम रूप था। स्वयं एक अमूर्त चित्रकार, होफमैन ने कैलिफोर्निया से न्यूयॉर्क तक अपने छात्रों को नई छवि-निर्माण विधियों को अपनाने के लिए प्रोत्साहित किया, ताकि तेजी से औद्योगिकीकरण समाज की चिंताओं और आश्चर्यों का सामना करने और उन्हें व्यक्त करने के तरीके खोजे जा सकें। 1934 में, कवि एज्रा पाउंड ने आधुनिकतावादियों के दृष्टिकोण को संक्षेप में प्रस्तुत किया, अपने प्रसिद्ध आह्वान के साथ: “नया बनाओ!” पाउंड एक विवादास्पद व्यक्ति थे, अंततः इटली चले गए, जहां उन्होंने द्वितीय विश्व युद्ध के प्रमुख फासीवादी नेताओं का समर्थन किया। फिर भी, उनकी पुरानी चीजों की उत्साही अस्वीकृति ने अमूर्त कलाकारों के मन में जड़ें जमा लीं, जिससे निकट भविष्य में शक्तिशाली परिवर्तन हुए।

वासिली कांडिंस्की - ब्लैक स्पॉट I (विस्तार), 1912, कैनवास पर तेल। 39.4 × 51.2 इंच (100.0 × 130.0 सेमी), रूसी संग्रहालय, सेंट पीटर्सबर्ग, रूस

एक नई शुद्धता

दो विश्व युद्धों, एक वैश्विक मंदी, अकाल, अत्याचारों और दो आबादी वाले शहरों पर परमाणु हमलों के बाद, 1940 के मध्य में सामान्य मानव के अनुभव की चिंता की मात्रा को कम करके नहीं आंका जा सकता। इस चिंता ने मनोविश्लेषण के अपेक्षाकृत युवा क्षेत्र में नई और व्यापक रुचि को जन्म दिया। इस समय के दौरान मनोविश्लेषण की ओर मुड़ने वाले कई लाखों लोगों में से एक थे जैक्सन पोलक , जो अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के एक प्रमुख सदस्य थे। पोलक को पुनर्वास के दौरान मनोविश्लेषण का सामना करना पड़ा। इसने उनके मन को उनके अवचेतन में बंद प्राचीन ज्ञान की दुनिया के लिए खोल दिया। उनके कई समकालीन नए तरीकों की खोज कर रहे थे जिससे वे अपनी मानवता के छिपे हुए सार से जुड़ सकें, अपनी चित्रकारी के माध्यम से कच्ची, मूल भावना को व्यक्त करने का प्रयास कर रहे थे। पोलक छिपी हुई छवियों की खोज कर रहे थे, आशा करते थे कि वे अपने भीतर कुछ गहरा, कुछ अधिक शुद्ध से जुड़ सकेंगे, जो अभी तक अमूर्त कला द्वारा व्यक्त नहीं किया गया था। लगभग 1947 में, पोलक ने अपनी अब प्रसिद्ध ड्रिप तकनीक की शुरुआत की। इस तकनीक में पेंट को सतह पर गुरुत्वाकर्षण और संवेग जैसी शक्तियों का उपयोग करके लगाया जाता था, न कि सीधे उपकरणों के संपर्क से कैनवास पर। इस नई शारीरिकता को अपनाते हुए, और सभी पहचाने जाने योग्य रूपों को पूरी तरह से अस्वीकार करते हुए, पोलक ने शुद्ध अमूर्तता के एक नए क्षेत्र में प्रवेश किया, जो पूरी तरह से अवचेतन मंशा, रंग, गति, शक्ति और बल पर आधारित था।

वासिली कांडिंस्की - कांडिंस्की की पहली अमूर्त जलरंग, 1910, कागज पर जलरंग, भारतीय स्याही और पेंसिल, 19.5 × 25.5 इंच (49.6 × 64.8 सेमी), पेरिस, सेंट्रे जॉर्जेस पोंपिदू

शुरुआत का अंत

कई मायनों में पोलक का कार्य अमूर्तता के वादे को पूरा करता है: कलाकार को सौंदर्य की अपेक्षा की सीमाओं से पूरी तरह मुक्त करना। शायद उनके प्रयासों ने अमूर्तता के तार्किक अंत को भी जन्म दिया। पोलक ने बनावट, भौतिकता, प्रक्रिया और एक कला कृति को केवल कला संप्रेषित करने की सतह के रूप में नहीं, बल्कि स्वयं एक एकीकृत रूप के रूप में देखने के महत्व को तीव्रता से उजागर किया। हालांकि पोलक के कार्य में यह अवधारणा मूल रूप से प्रतिबिंबित होती है, ये विचार मिनिमलिस्ट  के कार्य का अभिन्न हिस्सा हैं, जो 1960 के दशक के सबसे प्रभावशाली कलाकारों के रूप में अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों की जगह लेंगे। कांडिंस्की की तरह, मिनिमलिस्ट आंदोलन के प्रमुख सदस्य डोनाल्ड क्लेरेंस जड एक उत्साही कला सिद्धांतकार और लेखक थे। हालांकि उन्होंने मिनिमलिस्ट उपनाम को अस्वीकार किया, जड ने दृश्य भाषा को संक्षिप्त करने और रूप और स्थान की अवधारणाओं को शुद्ध करने के विचारों का प्रतिनिधित्व किया। पहचाने जाने योग्य दृश्य संदर्भों और वस्तुनिष्ठ वास्तविकता को अस्वीकार करने के बजाय, जड, सोल लेविट, Anne Truitt और फ्रैंक स्टेला जैसे मिनिमलिस्ट कलाकार रूप, जीवंत और शुद्ध रंग, कठोर रेखा, न्यूनतम बनावट और आधुनिक भौतिकता पर ध्यान केंद्रित करते थे। वे वास्तविकता को अमूर्त करने के बजाय, अमूर्त कला में अक्सर खोजे जाने वाले आकारों, रंगों, रूपों और रेखाओं को भौतिक स्थान में प्रतिनिधि तरीके से प्रकट करते थे।

जैक्सन पोलक - संगम, 1952, अल्ब्राइट-नॉक्स आर्ट गैलरी, बफेलो, एनवाई, यूएसए 

नया नया

अमूर्त कला का इतिहास कलाकारों की स्वतंत्रता की खोज का इतिहास है। आज इसका अर्थ है कि कलाकार स्वतंत्र हैं कि वे अपनी अभिव्यक्ति किसी भी रूप में करें, जो भी तरीका उन्हें प्रेरित करे, उसे अपनाएं। आज की खुली शैली की खूबसूरती यह है कि कलाकार किसी भी शैली, माध्यम या विधि का उपयोग कर सकते हैं जो किसी विचार के साकार करने के लिए सबसे उपयुक्त हो। हालांकि मिनिमलिज्म ने 1970 के दशक में अमूर्त कला को किनारे कर दिया था, अमूर्तता कई कलाकारों के अभ्यास में फिर से प्रमुखता से उभरी है। समकालीन अमूर्त चित्रकार अपने पूर्वजों की खुले दिमाग वाली मानसिकता से लाभान्वित होते हैं। अमूर्तता हमें उस चीज़ से जोड़ती रहती है जिसे वस्तुनिष्ठ वास्तविकता समझा नहीं सकती; हमारे भीतर कुछ गहरा जो दृश्य वास्तविकता से परे है।

मुख्य छवि: वासिली कांडिंस्की - कांडिंस्की की पहली अमूर्त जलरंग, 1910, फोटो विकिपीडिया के माध्यम से

सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं

फिलिप Barcio द्वारा