अवास्तविक कला के इतिहास में निर्णायक क्षण

शब्द इतने विवादास्पद हो सकते हैं। हम बस अब्स्ट्रैक्ट कला के इतिहास पर चर्चा करना चाहते हैं। लेकिन वह वाक्य अवधारणात्मक खतरे से भरा हुआ है। (किसका इतिहास? कला क्या है? अमूर्त होने का क्या मतलब है?) सटीकता से कहें तो, शायद हमें इस लेख का शीर्षक कुछ ऐसा रखना चाहिए, "स्वयं-निर्धारित कलाकारों द्वारा बनाए गए वस्तुओं और घटनाओं के संबंध में पश्चिमी सभ्यता के सामान्यतः स्वीकृत समयरेखा में घटनाओं की श्रृंखला में परिभाषित क्षण।" लेकिन यह वास्तव में एक क्लिक करने योग्य शीर्षक नहीं है। (या है?) मानसिकता के लिए, इस लेख के लिए चलिए अर्थशास्त्र को एक तरफ रखते हैं और बस शुरुआत से शुरू करते हैं।

अवास्तविक कला का प्रागैतिहासिक काल

प्रागैतिहासिक गुफा निवासियों के सबसे शुरुआती निशानों में रेखाएँ, खरोंचें और हाथ के निशान शामिल थे। हमारी सबसे अच्छी व्याख्या यह है कि वे प्रतीकात्मक थे। क्या इसका मतलब यह है कि वे अब्स्ट्रैक्ट आर्ट  के पहले उदाहरण हैं? शायद। लेकिन हमारे प्राचीन पूर्वजों द्वारा छोड़ी गई प्रतिनिधित्वात्मक छवियाँ भी बिल्कुल फोटो-यथार्थवादी नहीं हैं। हमारे विश्लेषण में जो कमी है, वह है हमारे सबसे शुरुआती कलाकारों के इरादे की समझ। जब हम अब्स्ट्रैक्ट आर्ट की बात करते हैं, तो हमारा मतलब है वह कला जो विशेष रूप से अमूर्त होने के लिए बनाई गई थी। चूंकि हम यह नहीं जान सकते कि प्रागैतिहासिक कलाकारों ने अपनी छवियों के माध्यम से क्या संवाद करने का इरादा रखा, हम यह नहीं जज कर सकते कि यह अमूर्त था, या यहां तक कि यह कला भी थी। यह हमारे लिए ज्ञात सभी चीजों के लिए उपयोगितावादी उद्देश्यों के लिए हो सकता है। इसलिए हम आगे बढ़ेंगे, बहुत आगे, एक ऐसे समय की ओर जो बेहतर तरीके से प्रलेखित है, जब कलाकारों के इरादे स्पष्ट थे।

हेनरी मातिस्स - महिला एक टोपी के साथ, 1905, कैनवास पर तेल, 31 3/4 × 23 1/2 इंच, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), न्यूयॉर्क

1800 के प्रारंभ से पहले, यह कहना सुरक्षित है कि अधिकांश कलाकारों के लिए अधिकांश समय यह तय करने का विलास नहीं था कि वे क्या बनाएंगे। अधिकांश प्री-रोमांटिक युग के कलाकार धार्मिक संस्थानों या किसी अन्य अधिनायकवादी शक्ति के समर्थन पर निर्भर थे ताकि वे जीवित रह सकें। इसलिए, राजाओं और पवित्र पुरुषों ने उन कलाकारों के कामों के विषय का निर्धारण किया। जैसे-जैसे उस पृष्ठभूमि का पतन हुआ, कलाकारों के लिए जीवित रहने के अन्य तरीके सामने आए। एक गैलरी प्रणाली उभरी; स्वतंत्र कला डीलरों ने कलाकारों के काम का प्रतिनिधित्व करना शुरू किया; धनवान व्यक्तियों और निजी संस्थानों ने कलाकारों का समर्थन करना और उनके कामों को इकट्ठा करना शुरू किया। पहली बार, कलाकारों को अपने लिए इस प्रश्न का उत्तर देने का मौका मिला, "मैं क्या बनाना चाहता हूँ?" तुरंत अगला अनिवार्य प्रश्न आया: "मैं इसे क्यों बनाना चाहता हूँ?" उस प्रश्न का उत्तर अमूर्त कला के अंततः उदय का एक प्रमुख कारण है, और यह शायद रोमांटिक युग से उभरा सबसे स्थायी विचार है; जिसे उस समय के कई विचारकों द्वारा व्यक्त किया गया, और जिसे फ्रेंच में इस प्रकार संक्षेपित किया गया, "L'art pour l'art." कला के लिए कला। या जैसा कि लेखक एडगर एलन पो ने 1850 में कहा:"...क्या हम केवल अपने आत्मा में झांकने की अनुमति दें, तो हम तुरंत वहाँ यह खोज लेंगे कि सूर्य के नीचे कोई ऐसा काम नहीं है और न ही हो सकता है जो इस कविता से अधिक पूरी तरह से गरिमामय, अधिक सर्वोच्च महान हो...जो केवल कविता के लिए लिखी गई है।"

आंद्रे डेरैन - सूखते हुए पाल, 1905, तेल पर कैनवास, 82 x 101 सेमी, © पुष्किन संग्रहालय, मॉस्को

पहली मुलाकात का प्रभाव

एक बार जब कलाकारों को पूर्वनिर्धारित विषय वस्तु की सीमाओं से मुक्त किया गया, तो उन्होंने अन्य सीमाओं से भी खुद को मुक्त करना शुरू कर दिया। लगभग 1850 के दशक से 1870 के दशक तक, एस्थेटिक मूवमेंट ने कलाकारों को कला बनाने के लिए पूरी तरह से सौंदर्यात्मक उद्देश्यों के लिए सशक्त किया, बजाय इसके कि वे संस्कृति, समाज और राजनीति से संबंधित विषय वस्तु पर ध्यान केंद्रित करें। फिर इम्प्रेशनिस्ट आए, पेरिस के कलाकार जिन्होंने प्रकाश की गुणवत्ता के चित्रण पर जोर देने वाले काम किए, जो कला के एक काम के व्यक्तिगत सौंदर्यात्मक तत्वों के आसुतिकरण की शुरुआत की। 1880 के दशक में, चित्रकार जॉर्जेस स्यूराट ने एक छवि को पूरी तरह से छोटे बिंदुओं से बनाने की तकनीक विकसित की। इस तकनीक को पॉइंटिलिज़्म के रूप में जाना जाता है, जिसने विकृत, फिर भी प्रतिनिधित्वात्मक छवियाँ बनाई। पॉइंटिलिज़्म  ने प्रयोगात्मक ब्रश स्ट्रोक और संयोजन तकनीकों के उदय में योगदान दिया, जिसने अमूर्तता की ओर एक प्रवृत्ति का सुझाव दिया। इस प्रवृत्ति का विस्तार पोस्ट-इम्प्रेशनिस्ट अवधि के दौरान किया गया जब कलाकारों ने प्रतीकवाद और रंग, रूप और रेखा के मनमाने उपयोग के साथ प्रयोग करना शुरू किया।

यह सब व्यक्तिपरक है

1900 के दशक में, एक्सप्रेशनिस्टों ने अपनी व्यक्तिवाद पर ध्यान केंद्रित करके शुद्ध अमूर्तता की प्रवृत्ति में योगदान दिया। अपने चित्रों को नाटकीय रूप से विकृत करके, उन्होंने एक गहरे व्यक्तिगत दृष्टिकोण को प्रस्तुत करने का प्रयास किया, जो भौतिक वास्तविकता की तुलना में अधिक भावना का प्रतिनिधित्व करता था। इस अवधि के दौरान फॉविस्टों का उदय भी हुआ, जो चित्रकार थे जो लगभग पूरी तरह से जीवंत रंग और चित्रकारी के निशान बनाने पर केंद्रित थे। फॉविस्टों के लिए, विषय वस्तु काम के सौंदर्य घटकों की तुलना में गौण थी। इस समय तक, शुद्ध अमूर्तता का उदय अनिवार्य था। हर जगह कलाकार वास्तविकता के प्रतीकात्मक प्रतिनिधित्व के साथ काम कर रहे थे, विचारों और भावनाओं को ऐसे तरीकों से संप्रेषित करने का प्रयास कर रहे थे जो विषय वस्तु से अप्रासंगिक थे। वे परिभाषा के अनुसार अमूर्त कर रहे थे। लेकिन कौन था जो पूरी तरह से अमूर्त पेंटिंग बनाने में पहले सफल हुआ?

हंस हॉफमैन - उगता चाँद, 1965, कैनवास पर तेल, निजी संग्रह, आर्ट रिसोर्स, एनवाई / हॉफमैन, हंस (1880-1966) © एआरएस, एनवाई

क्या असली पहले अमूर्तकर्ता कृपया खड़ा हो सकता है?

लगभग सभी इतिहासकार सहमत हैं कि पहला अमूर्त चित्र वासिली कंदिंस्की का Untitled (First Abstract Watercolor) था, जिसे 1910 में बनाया गया था। जीवंत रंगों के धब्बों, वृत्तों, रेखाओं, लहरदार रेखाओं और रंग क्षेत्रों से मिलकर बना यह काम किसी भी तरह से भौतिक दुनिया के पूर्व-निर्धारित दृश्य तत्वों का संदर्भ नहीं देता। साजिश के तहत, हम मजे के लिए यह मान सकते हैं कि कंदिंस्की का Untitled (First Abstract Watercolor) पहला पूरी तरह से अमूर्त चित्र नहीं था। एक साल पहले, 1909 में, फ्रांसीसी अग्रणी चित्रकार फ्रांसिस पिकाबिया ने Caoutchouc नामक एक प्रोटो-क्यूबिस्ट काम बनाया, जिसमें पहचानने योग्य ज्यामितीय आकृतियाँ हैं जो अप्रासंगिक रंग क्षेत्रों में लिपटी हुई हैं। यह काम किसी भी तरह से वस्तुगत दृश्य वास्तविकता का प्रतिनिधित्व नहीं करता। हालाँकि, Caoutchouc का अर्थ ढीले तौर पर प्राकृतिक रबर का रस है, जो वल्कनाइज्ड रबर बनाने के लिए कच्चे माल का संदर्भ है। चूंकि हमने अवल्कनाइज्ड रबर के दृश्य तत्वों का विश्लेषण कभी नहीं किया, हम नहीं कह सकते, लेकिन शायद यह चित्र प्रतिनिधित्वात्मक है। कौन जानता है? जो हम जानते हैं वह यह है कि कंदिंस्की एक उत्साही कला सिद्धांतकार और प्रचुर कला लेखक थे। उन्होंने दुनिया के पहले पूरी तरह से अमूर्त कला के काम को बनाने की अपनी खोज के बारे में उत्साहपूर्वक लिखा। उन्होंने खुलकर अपनी मंशा के बारे में बात की कि वह अमूर्त कला के संस्थापक बनना चाहते हैं, और इसमें सफल होने की बात की। कोई भी यह इनकार नहीं कर सकता कि यह उनकी मंशा थी कि वह पहले हों, चाहे कोई भी उनसे पहले अनजाने में उन्हें मात दे दे।

हंस हॉफमैन - वेलुति इन स्पेकुलम, 1962, कैनवास पर तेल, 85 1/4 x 73 1/2 इंच (216.5 x 186.7 सेमी), © 2017 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

कंदिंस्की ने निश्चित रूप से क्या किया

"शुद्ध अमूर्त कला बनाने की अपनी मंशा को खुलकर घोषित करके, कांडिंस्की ने कलाकारों को अवलोकनीय दुनिया के संदर्भों पर निर्भरता से मुक्त कर दिया। उन्होंने कला को इसके पूर्व के तर्क से अलग कर दिया। उन्होंने गहन और त्वरित प्रयोग के लिए क्षेत्र को खोल दिया। उन्होंने रोमांटिकों के वादे को परिपक्वता तक पहुँचाया, कि, जैसा कि कैस्पर डेविड फ्रेडरिक, जर्मन रोमांटिक कलाकार ने कहा, "कलाकार की भावना उसका कानून है।""

वासिली कंदिंस्की - कम्पोज़िशन IV, 1911, तेल पर कैनवास, 250.5 x 159.5 सेमी, क Kunstsammlung नॉर्थराइन-वेस्टफेलन, डसेलडॉर्फ, जर्मनी

युद्ध में विश्व

अगले दशकों में, कलाकारों ने अमूर्तता के साथ बेतरतीब ढंग से प्रयोग किया। कई नए शैलियाँ अस्तित्व में आईं, जो अमूर्तता की स्वतंत्रता की पुकार और विश्व युद्ध I के आतंक और यांत्रिक युग के उदय से प्रभावित थीं। क्यूबिज़्म ने कलाकारों को अपनी दृश्य भाषा को इसके सबसे बुनियादी निर्माण खंडों में घटित करने के लिए प्रेरित किया। फ्यूचरिज़्म ने रेखा में जीवन शक्ति और शक्ति को प्रदर्शित किया। डाडा ने कला के अर्थ को चुनौती दी, कला की स्वतंत्रता और बुर्जुआ के प्रति अस्वीकृति को फिर से स्थापित किया। 1920 के दशक में, स्यूरियलिज़्म ने कलाकारों के मन को अवचेतन की शक्ति के प्रति खोल दिया। इसके सपने जैसी छवियों पर ध्यान केंद्रित करने और सचेत तर्क को अस्वीकार करने के साथ, इसने अमूर्त कलाकारों को तकनीकों, माध्यमों और तरीकों के साथ अधिक प्रयोग करने के लिए गहराई से प्रभावित किया जो उन्हें उनके अवचेतन स्व के साथ अधिक सीधे जोड़ सकते थे।

वासिली कंदिंस्की - कम्पोज़िशन 6, 1913, कैनवास पर तेल, 76 2/5 × 115 7/10 इंच, 194 × 294 सेमी, © वासिली कंदिंस्की / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / ADAGP, पेरिस / एरिच लेसिंग / आर्ट रिसोर्स, NY

इसे नया बनाओ!

1930 के दशक में, जर्मन जन्मे अमेरिकी चित्रकार हंस हॉफमैन को अमेरिका में आधुनिकता के रूप में जानी जाने वाली आवश्यक विचारधाराओं को फैलाने का श्रेय दिया जाता है, जो अतीत के तरीकों और विधियों के अस्वीकृति का नवीनतम संस्करण है। स्वयं एक अमूर्त चित्रकार, हॉफमैन ने अपने छात्रों को कैलिफोर्निया से न्यूयॉर्क तक नई छवि बनाने की विधियों को अपनाने के लिए प्रोत्साहित किया, तेजी से औद्योगिक समाज की चिंताओं और आश्चर्यों का सामना करने और व्यक्त करने के तरीकों की खोज में। 1934 में, कवि एज़रा पाउंड ने आधुनिकतावादियों के दृष्टिकोण को संक्षेप में प्रस्तुत किया, अपने अब प्रसिद्ध कलाकारों के लिए आह्वान के साथ: "इसे नया बनाओ!" पाउंड एक विवादास्पद व्यक्ति थे, अंततः इटली चले गए, जहाँ उन्होंने द्वितीय विश्व युद्ध के प्रमुख फासीवादी व्यक्तियों का समर्थन किया। फिर भी, उनके पुराने के प्रति उत्साही अस्वीकृति ने अमूर्त कलाकारों के मन में जड़ें जमा लीं, जिससे निकट भविष्य में शक्तिशाली परिवर्तन हुए।

वासिली कैंडिंस्की - ब्लैक स्पॉट I (विवरण), 1912, कैनवास पर तेल. 39.4 × 51.2 इंच (100.0 × 130.0 सेमी), द रशियन म्यूजियम, सेंट पीटर्सबर्ग, रूस

एक नई पवित्रता

दो विश्व युद्धों, एक वैश्विक मंदी, अकाल, अत्याचारों और जनसंख्या वाले शहरों पर दो परमाणु हमलों के बाद, 1940 के दशक के मध्य में औसत मानव के अनुभव किए जा रहे चिंता की सीमा को कम करके नहीं आंका जा सकता। इस चिंता ने मनोविश्लेषण के अपेक्षाकृत युवा क्षेत्र में नए और व्यापक रुचि को जन्म दिया। इस समय के दौरान मनोविश्लेषण की ओर मुड़ने वाले लाखों लोगों में से एक थे जैक्सन पोलॉक , जो एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट के रूप में जाने जाने वाले कलाकारों के समूह के प्रमुख सदस्यों में से एक थे। पोलॉक को पुनर्वसन के दौरान मनोविश्लेषण का अनुभव हुआ। इसने उसके मन को उसके अवचेतन में बंद प्राचीन ज्ञान की दुनिया के लिए खोल दिया। उसके समकालीनों में से कई अपने मानवता के छिपे हुए सार से जुड़ने के नए तरीके खोज रहे थे, अपने चित्रों के माध्यम से कच्चे, प्राचीन भावनाओं को व्यक्त करने के लिए काम कर रहे थे। पोलॉक ने छिपी हुई छवियों की खोज की, आशा करते हुए कि वह अपने भीतर कुछ गहरे से जुड़ सके, कुछ ऐसा जो अब तक अमूर्त कला द्वारा व्यक्त नहीं किया गया था। लगभग 1947 में, पोलॉक ने अपनी अब-iconic ड्रिप तकनीक का आविष्कार किया। इस तकनीक में सतह पर रंग लगाने के लिए गुरुत्वाकर्षण और गति जैसी शक्तियों का उपयोग किया गया, न कि सीधे उपकरणों के माध्यम से कैनवास पर संपर्क करके। इस नए स्तर की शारीरिकता को अपनाते हुए, और पहचानने योग्य रूप की सभी संवेदनाओं को पूरी तरह से अस्वीकार करते हुए, पोलॉक पूरी तरह से अवचेतन इरादे, रंग, गति, शक्ति और बल पर आधारित शुद्ध अमूर्तता के एक नए क्षेत्र में प्रवेश किया।

वासिली कांडिंस्की - कांडिंस्की का पहला अमूर्त जलरंग, 1910, कागज पर जलरंग और भारतीय स्याही और पेंसिल, 19.5 × 25.5 इंच, (49.6 × 64.8 सेमी), पेरिस, सेंटर जॉर्जेस पोंपिदू

शुरुआत का अंत

पोलॉक का काम कई तरीकों से अमूर्तता के वादे को पूरा करता है: कलाकार को सौंदर्य की अपेक्षा की सीमाओं से पूरी तरह मुक्त करना। शायद, उनके प्रयासों ने अमूर्तता के तार्किक अंत की ओर भी ले जाया। पोलॉक ने बनावट, भौतिकता, प्रक्रिया और एक कलाकृति को एक सतह के रूप में देखने के विचार के महत्व को स्पष्ट रूप से उजागर किया, न कि कला को व्यक्त करने के लिए, बल्कि इसे एक एकीकृत रूप के रूप में। हालांकि पोलॉक के काम में ये अवधारणाएँ प्राइमल अर्थ में परिलक्षित होती हैं, ये मिनिमलिस्टों  के काम में अभिन्न हैं, जो 1960 के दशक के सबसे प्रभावशाली कलाकारों के रूप में अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों को प्रतिस्थापित करेंगे। जैसे कि कांडिंस्की, मिनिमलिस्ट आंदोलन के प्रमुख सदस्य, डोनाल्ड क्लेरेंस जड, एक उत्साही कला सिद्धांतकार और लेखक थे। हालांकि उन्होंने मिनिमलिस्ट लेबल को अस्वीकार कर दिया, जड इसके दृश्य भाषा को कम करने और रूप और स्थान के अवधारणाओं को शुद्ध करने के विचारों का प्रतिनिधि बन गए। पहचानने योग्य दृश्य संदर्भों और वस्तुगत वास्तविकता को अस्वीकार करने के बजाय, जड, सोल लेविट, Anne ट्रुइट और फ्रैंक स्टेला जैसे मिनिमलिस्ट कलाकारों ने रूप, जीवंत और शुद्ध रंगों, कठोर किनारे की रेखा, न्यूनतम बनावट और आधुनिक भौतिकता पर ध्यान केंद्रित किया। वास्तविकता को अमूर्त करने के बजाय, मिनिमलिस्टों ने उन आकारों, रंगों, रूपों और रेखाओं को प्रकट किया जो अक्सर अमूर्त कला में खोजे जाते हैं, उन्हें एक प्रतिनिधित्वात्मक तरीके से भौतिक स्थान में निवास करते हुए।

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

नया नया

अब्स्ट्रैक्ट कला का इतिहास कलाकारों की स्वतंत्रता की खोज का इतिहास है। इसका आज का मतलब यह है कि कलाकार अपने आप को जिस भी तरीके से व्यक्त करना चाहें, उसमें स्वतंत्र हैं, जो भी विधि उन्हें आकर्षित करती है, उसे खोजते हैं। आज की खुली शैली की सुंदरता यह है कि एक कलाकार उस शैली, माध्यम या विधि का उपयोग कर सकता है जो एक विचार के साकार होने के लिए सबसे अच्छा काम करती है। हालांकि 1970 के दशक में मिनिमलिज़्म ने अब्स्ट्रैक्ट कला को किनारे कर दिया हो, लेकिन अमूर्तता कई कलाकारों के अभ्यास के केंद्र में लौट आई है। समकालीन अब्स्ट्रैक्ट चित्रकार अपने पूर्वजों की खुले विचारधारा से लाभान्वित होते हैं। अमूर्तता हमें कुछ ऐसा जोड़ती है जिसे वस्तुगत वास्तविकता नहीं समझा सकती; कुछ गहरा हमारे भीतर जो दृश्य वास्तविकता से परे फैला हुआ है।

विशेष छवि: वासिली कंदिंस्की - कंदिंस्की की पहली अमूर्त जलरंग, 1910, फोटो विकिपीडिया के माध्यम से

सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं

फिलिप Barcio द्वारा