कैरेल एपेल ने एक प्रयोग के माध्यम से नियमों को कैसे तोड़ा
आज हम इसे सामान्य मानते हैं कि कला एक रचनात्मक क्षेत्र है। लेकिन इसका क्या मतलब है? किसी चीज़ के लिए बनाई जाने के लिए, उसे पहले से मौजूद नहीं होना चाहिए। रचनात्मकता मौलिकता की मांग करती है। इसलिए, कलाकार मूल निर्माता होते हैं। लेकिन यह हमेशा ऐसा नहीं था। 1921 में, जब कारेल एपेल का जन्म हुआ, रचनात्मकता कला की प्रेरक शक्ति के रूप में खुद को स्थापित करना शुरू कर रही थी। ऐतिहासिक दृष्टि से, आधुनिकता से पहले, कला की दुनिया में सफलता अक्सर तकनीकी और सौंदर्य संबंधी महारत के माध्यम से हासिल की जाती थी, न कि रचनात्मकता के माध्यम से। पेशेवर कलाकारों से अपेक्षा की जाती थी कि वे प्रेक्षणीय दुनिया की नकल करें, या कम से कम इसका संदर्भ लें, और इसे एक ऐसे तरीके से करें जो बौद्धिक रूप से समझ में आए। यहां तक कि अमूर्त कलाकारों को भी दर्शकों और आलोचकों को यह समझाने में सक्षम होना चाहिए था कि वे क्या कर रहे हैं और क्यों कर रहे हैं, मौजूदा विचारों के पैटर्न में आधारित विचारधाराओं और पद्धतियों का संदर्भ देकर। कारेल एपेल उस पीढ़ी के कलाकारों का हिस्सा थे जिन्होंने कला के निर्माण के इस दृष्टिकोण को चुनौती दी। एपेल ने कला के लिए एक दृष्टिकोण का समर्थन किया जो उस चीज़ को व्यक्त करता है जो अभी तक मौजूद नहीं है। ऐसा करते हुए, उन्होंने रचनात्मकता और मौलिकता के आधार पर कलाकारों के लिए एक नया पैराजाइम स्थापित किया, जिसने न केवल नियमों को तोड़ा बल्कि शायद नियमों की आवश्यकता को पूरी तरह से समाप्त कर दिया।
अनिश्चित प्रयोग
हम सभी शायद इस कहावत से परिचित हैं, "अगर यह टूटा नहीं है, तो इसे ठीक मत करो।" जितना भी यह संक्षिप्त और क्लिचे लग सकता है, यह भावना आधुनिकता के दिल में निहित है। 19वीं सदी के अंत में, पश्चिमी दुनिया में कोई भी जो वैश्विक दृष्टिकोण रखता था और जो आलोचनात्मक अवलोकन करने में सक्षम था, स्पष्ट रूप से देख सकता था, "यह टूटा हुआ था:" "यह" मानव प्रगति थी। पश्चिमी सभ्यता की तर्कशक्ति ने एक तीव्र प्रतिस्पर्धा और हिंसा के वातावरण की ओर ले जा दिया था जो मानवता के ताने-बाने को फाड़ने की धमकी दे रहा था। हालांकि उस समय कई लोग थे जो टूटे हुए सिस्टम से वित्तीय या अन्य लाभ प्राप्त कर रहे थे, लेकिन और भी कई लोग थे जो देख सकते थे कि बदलाव का समय आ गया है।
आधुनिकता वह नाम है जिसका हम व्यापक रूप से उपयोग करते हैं उस युग को संदर्भित करने के लिए जो 19वीं सदी के अंत के आसपास शुरू हुआ, जिसके दौरान लोगों द्वारा आधुनिक मानव समाज को फिर से कल्पना करने के लिए कई व्यापक परिवर्तनकारी प्रयास किए गए। आधुनिकता का मूल सिद्धांत लेखक एज़रा पाउंड द्वारा सबसे अच्छे तरीके से व्यक्त किया गया, जब उन्होंने कहा, "इसे नया बनाओ!" वह उस व्यापक इच्छा के बारे में बात कर रहे थे जो कई लोगों के पास किसी प्रकार की वैकल्पिक सांस्कृतिक वास्तविकता को अस्तित्व में लाने की थी। लेकिन हर आधुनिकतावादी के मन में सवाल था, "हम इसे नया कैसे बनाएं?" प्रस्तावित विभिन्न उत्तरों में से अधिकांश ने नए कलात्मक शैलियों का आविष्कार करने, या दुनिया को देखने के वर्तमान तरीके को अमूर्त करने, या रंग, रेखा या रूप जैसे सौंदर्य तत्वों के उपयोग में नवाचार करने की बात की। कarel ऐपेल द्वारा प्रस्तावित समाधान अद्वितीय था। इसने सौंदर्यशास्त्र और शैली को पूरी तरह से नजरअंदाज कर दिया, और एक सरल कारक पर ध्यान केंद्रित किया: मौलिकता, जो प्रयोग करने की अनियंत्रित स्वतंत्रता द्वारा सक्षम थी।
कारेल एपेल - द वाइल्ड फायरमेन, 1947. © 2018 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यू यॉर्क / कारेल एपेल फाउंडेशन
अनुपस्थिति की उपस्थिति
"ऐपेल के लिए, कलात्मक क्रिया का मूल्य उस उत्पाद से संबंधित नहीं था जो अंततः उस क्रिया के परिणामस्वरूप बनाया जाएगा। महत्वपूर्ण बात रचनात्मक प्रक्रिया थी। बात यह नहीं थी कि एक कलाकार यह बताए कि क्या बनाया जाने वाला है, या यह जज करे या समझाए कि अंततः क्या बनाया गया। बात बस यह थी कि कुछ बनाना: अज्ञात को प्रकट होने देना, असत्य को वास्तविकता में बदलने देना। जैसे ऐपेल ने कहा, "यदि ब्रश का स्ट्रोक इतना महत्वपूर्ण है, तो यह इसलिए है क्योंकि यह ठीक वही व्यक्त करता है जो वहाँ नहीं है।"
Karel Appel - बिना शीर्षक मूर्ति, 1950. © 2018 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
यह अक्सर देखा गया है कि एपेल के अनियंत्रित प्रयोगात्मक सौंदर्य निर्माण में प्रारंभिक प्रयास बच्चों द्वारा बनाए गए चित्रों के समान हैं। उनके अर्ध-चित्रात्मक, अर्ध-अ抽象 रचनाएँ रंगों के एक प्रतीत होने वाले अराजक शब्दावली और रेखा और रूप के प्राइमल अभिव्यक्तियों का उपयोग करती हैं। वास्तव में, उन्हें मूल रूप से इतना गलत समझा गया था कि जब उन्हें 1940 के दशक के अंत में पहली बार प्रदर्शित किया गया, तो उनका सार्वजनिक रूप से मजाक उड़ाया गया। लेकिन एपेल ने हार नहीं मानी। वह सार्वजनिक स्वीकृति से प्रेरित नहीं थे। वह उपस्थिति को प्रकट करने की प्रक्रिया के माध्यम से अनुपस्थिति का सामना करने के लिए समर्पित थे। वह मौलिकता की ओर एक यात्रा पर थे, बिना यह परवाह किए कि वह यात्रा कहाँ समाप्त होती है या वह कैसी दिखती है।
केरेल एपेल - माइंडस्केप #12, 1977. © 2018 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / केरेल एपेल फाउंडेशन
कारेल एपेल और कोबरा समूह
ऐपेल की पेंटिंग्स में इतना चौंकाने वाला क्या था? क्या यह तथ्य था कि वह अपने प्रक्रिया के सौंदर्यात्मक परिणामों की परवाह नहीं करते थे? या यह स्वतंत्रता थी जिसके साथ उन्होंने निर्माण किया, जो इतना परेशान करने वाला था? इसका उत्तर उन परिस्थितियों में पाया जा सकता है जिनमें ऐपेल की कला को पेश किया गया था। उनकी पहली प्रदर्शनी 1946 में हुई, जब यूरोप द्वितीय विश्व युद्ध से बाहर निकल रहा था। व्यापक रूप से यह विश्वास किया जा रहा था कि दुनिया पागल हो गई है। महाद्वीप के पुनर्निर्माण और staggering हानियों का सामना करने की व्यावहारिकताएँ संस्कृति पर एक कठोर अस्तित्वगत चिंता का एहसास कराती थीं। युद्ध को संदर्भित करने की एक शक्तिशाली आध्यात्मिक इच्छा थी ताकि बचे हुए लोग महसूस कर सकें कि बलिदान की कीमत वसूल हुई है।
युद्ध के दौरान, डेनमार्क, नीदरलैंड और बेल्जियम के निवासियों को जर्मन कब्जे के कारण पूरी तरह से दुनिया के बाकी हिस्सों से काट दिया गया था। युद्ध के तुरंत बाद, यह स्पष्ट हो गया कि एक छोटे समूह के कलाकार, जिन्होंने युद्ध को कोपेनहेगन, ब्रुसेल्स और एम्स्टर्डम में बिताया था, कला निर्माण के लिए एक समान दृष्टिकोण पर पहुंचे थे। इस समूह में एपेल शामिल थे, जिन्होंने मौजूदा पश्चिमी संस्थानों की तर्क और तर्कशास्त्र को अस्वीकार कर दिया। वे प्राचीन लोक कला और बच्चों की कलाकृति से प्रेरित थे। उन्होंने अंतर्ज्ञान, स्वाभाविकता और अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता में निहित कला बनाई। जब ये कलाकार एक साथ प्रदर्शित करने लगे, तो उन्हें कोब्रA समूह कहा गया, जो उनके मूल शहरों के पहले अक्षरों से लिया गया एक लेबल था।
Karel Appel - बच्चों पर सवाल उठाना, 1949। गुआश पर लकड़ी। वस्तु: 873 x 598 x 158 मिमी, फ्रेम: 1084 x 818 x 220 मिमी। © 2018 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
प्रभावों का संगम
ऐपेल ने अपने दृष्टिकोण पर अकेले में नहीं पहुंचा। वह अपनी लेखनी में उल्लेख करते हैं कि उन्होंने एक कर्ट श्विटर्स प्रदर्शनी देखी, यह उनका पहला अनुभव था जब उन्होंने एक objet trouvé देखा, जो कि खोजे गए वस्तुओं से बना एक कला कार्य है। वह इस अनुभव को "टूटने वाला" कहते हैं। इसने उन्हें माध्यमों के संबंध में ऐतिहासिक परंपराओं का पालन करने की आवश्यकता से मुक्त कर दिया, और इस मामले में उन्हें सभी ऐतिहासिक परंपराओं से भी मुक्त कर दिया। ऐपेल जिस सहज, बालसुलभ स्वतंत्रता के साथ रचना करते हैं, वह पॉल क्ले और जोआन मिरो जैसे कलाकारों के प्रति भी एक ऋण है, जिन्होंने अपने काम में अनियंत्रित स्वतंत्रता की भावना को व्यक्त किया।
कला के प्रभावों के अलावा, एपेल अपने सोच पर तीन अन्य प्रभावों के बारे में भी लिखते हैं। वह अमेरिकी कवि वॉल्ट व्हिटमैन की पुस्तक लीव्स ऑफ ग्रास, उरुग्वे-फ्रांसीसी लेखक कॉम्टे डे लॉट्रेमोंट की लंबी कविता द सॉन्ग्स ऑफ माल्डोरोर, और मानवता की प्रकृति पर प्रभावशाली विचारक जिद्दू कृष्णमूर्ति के लेखन का उल्लेख करते हैं। इन प्रभावों को मिलाकर एक विस्तृत सोच का प्रदर्शन होता है। लीव्स ऑफ ग्रास स्वतंत्रता और खुलापन का सबसे स्पष्ट और आशावादी उत्सव है जो कभी लिखा गया। हालांकि, द सॉन्ग्स ऑफ माल्डोरोर कुल बुराई की सबसे विशिष्ट खोजों में से एक है। इस बीच, जिद्दू कृष्णमूर्ति ने सत्य का अनुभव करने और स्वतंत्र बनने के लिए केवल व्यक्तिगत चेतना के प्रति समर्पण को प्रोत्साहित किया।
केरेल एपेल - नूड श्रृंखला से, 1963। © 2018 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / केरेल एपेल फाउंडेशन
एप्पल की विरासत
बच्चों और लोक कलाकारों के अनियंत्रित उत्साह को देखकर, एपेल ने अपने भीतर उसी स्वतंत्रता की भावना को खोजने का एक मार्ग पाया। उन्होंने एक स्वतंत्र मानव मन के मूल्य पर जोर दिया। उन्होंने व्यावहारिक रूप से यह प्रदर्शित किया कि कलाकार अपनी सच्चाई के आंतरिक अनुभव को स्वतंत्र और स्वाभाविक रूप से कैसे व्यक्त कर सकते हैं। यह कार्य अकेले ही एक पूरी पीढ़ी के कलाकारों को प्रेरित किया, जिसमें विलेम डी कूनिंग और जैक्सन पोलॉक जैसे महत्वपूर्ण व्यक्ति शामिल थे, जिन्होंने आर्ट इन्फॉर्मेल और एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म जैसे आंदोलनों के माध्यम से दुनिया को बदल दिया।
लेकिन व्यक्तिगत कलाकारों और शैलियों के अलावा जिन पर उन्होंने प्रभाव डाला, ऐपेल के योगदान की असली विरासत को "रचनात्मक प्रक्रिया" के शब्दों में संक्षेपित किया जा सकता है। यह पूरी तरह से ऐपेल जैसे कलाकारों के कारण है कि हम आज यह मान लेते हैं कि कला का सबसे महत्वपूर्ण पहलू मौलिकता होनी चाहिए, न कि अनुकरण। 1989 में, ऐपेल ने अपने अनुभव को संक्षेपित करते हुए कहा, "रचनात्मकता बहुत नाजुक होती है। यह पतझड़ में एक पत्ते की तरह है; यह लटकती है और जब यह गिरती है तो आप नहीं जानते कि यह कहाँ बह रही है... एक कलाकार के रूप में आपको लड़ना और जंगली में जीवित रहना होता है ताकि आप अपनी रचनात्मक स्वतंत्रता को बनाए रख सकें।" सच्ची मौलिकता को अपनाकर, ऐपेल ने किसी भी मार्ग का पालन करने की आवश्यकता को समाप्त कर दिया, सिवाय मुक्त अभिव्यक्ति के। उनके काम के माध्यम से हम सीखते हैं कि महत्वपूर्ण बात केवल एक कलाकार के श्रम के उत्पादों को इकट्ठा करना, वर्गीकृत करना और प्रशंसा करना नहीं है, बल्कि उन वस्तुओं से आई मौलिकता और स्वतंत्रता पर आश्चर्य करना है, और उनके स्रोत को सच्चे कीमती और अंतहीन रचनात्मकता की प्रक्रिया के रूप में अपनाना है।
विशेष छवि: कारेल एपेल - लिटिल मून मेन, 1946. © 2018 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / कारेल एपेल फाउंडेशन
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
