कैरेल एपेल ने एक प्रयोग के माध्यम से नियमों को कैसे तोड़ा
आज हम यह स्वाभाविक मान लेते हैं कि कला एक सृजनात्मक क्षेत्र है। लेकिन इसका क्या अर्थ है? किसी चीज़ के सृजित होने के लिए, वह पहले अस्तित्व में नहीं होनी चाहिए। सृजनात्मकता मौलिकता की मांग करती है। इसलिए, कलाकार मूल निर्माता होते हैं। लेकिन हमेशा ऐसा नहीं था। 1921 में, जब Karel Appel का जन्म हुआ, तब सृजनात्मकता कला की प्रेरक शक्ति के रूप में उभरना शुरू कर रही थी। ऐतिहासिक दृष्टि से, आधुनिकता से पहले, कला की दुनिया में सफलता अधिकतर तकनीकी और सौंदर्यात्मक कौशल के माध्यम से प्राप्त की जाती थी, न कि सृजनात्मकता से। पेशेवर कलाकारों से अपेक्षा की जाती थी कि वे देखे जा सकने वाले संसार की नकल करें, या कम से कम उसका संदर्भ दें, और इसे इस तरह से करें कि वह बौद्धिक रूप से समझ में आए। यहां तक कि अमूर्त कलाकारों को भी दर्शकों और समीक्षकों को यह समझाने में सक्षम होना पड़ता था कि वे क्या कर रहे हैं और क्यों कर रहे हैं, उन विचारधाराओं और कार्यप्रणालियों का संदर्भ देते हुए जो मौजूदा सोच के पैटर्न पर आधारित थीं। Karel Appel उस कलाकारों की पीढ़ी का हिस्सा थे जिन्होंने कला सृजन के इस दृष्टिकोण को चुनौती दी। वे कला को पहले से मौजूद चीज़ों के दृष्टिकोण से देखने के बजाय, ऐसी कला के पक्षधर थे जो अभी तक अस्तित्व में नहीं है। ऐसा करते हुए, उन्होंने कलाकारों के लिए सृजनात्मकता और मौलिकता पर आधारित एक नया मानदंड स्थापित किया, जिसने न केवल नियमों को तोड़ा बल्कि शायद नियमों की आवश्यकता को भी समाप्त कर दिया।
अनिश्चित प्रयोग
हम सभी शायद उस कहावत से परिचित हैं, "अगर वह टूटा नहीं है, तो उसे ठीक मत करो।" जितना यह कहावत संक्षिप्त और सामान्य लगती है, उतना ही यह भावना व्यक्त करती है जो आधुनिकता के मूल में है। 19वीं सदी के अंत में, पश्चिमी दुनिया में कोई भी जो वैश्विक दृष्टिकोण रखता था और जो आलोचनात्मक अवलोकन करने में सक्षम था, स्पष्ट रूप से देख सकता था कि "यह टूटा हुआ था": यहाँ "यह" मानव प्रगति थी। पश्चिमी सभ्यता की तर्कशक्ति ने एक ऐसी प्रतिस्पर्धा और हिंसा का माहौल पैदा कर दिया था जो मानवता के ताने-बाने को फाड़ने की धमकी दे रहा था। हालांकि उस समय कई लोग टूटे हुए सिस्टम से आर्थिक या अन्य लाभ उठा रहे थे, लेकिन उससे कहीं अधिक लोग थे जो बदलाव का समय आ गया था, यह देख सकते थे।
आधुनिकता वह युग है जिसे हम व्यापक रूप से 19वीं सदी के अंत के करीब शुरू हुए उस काल के लिए उपयोग करते हैं, जब लोगों ने आधुनिक मानव समाज को फिर से कल्पना करने के लिए व्यापक परिवर्तनकारी प्रयास किए। आधुनिकता का मूल सिद्धांत सबसे अच्छी तरह से लेखक Ezra Pound द्वारा व्यक्त किया गया था, जब उन्होंने कहा, “इसे नया बनाओ!” वे उस व्यापक इच्छा की बात कर रहे थे जो कई लोगों के मन में थी कि वे किसी प्रकार की वैकल्पिक सांस्कृतिक वास्तविकता को अस्तित्व में लाना चाहते थे। लेकिन हर आधुनिकतावादी के मन में सवाल था, "हम इसे नया कैसे बनाएं?" अधिकांश प्रस्तावित उत्तरों में नए कलात्मक शैलियों का आविष्कार करना, दुनिया को देखने के वर्तमान तरीके को अमूर्त करना, या रंग, रेखा या रूप जैसे सौंदर्य तत्वों के उपयोग में नवाचार करना शामिल था। Karel Appel का प्रस्तावित समाधान अनूठा था। उसने सौंदर्यशास्त्र और शैली को पूरी तरह से नजरअंदाज कर दिया, और एक सरल कारक पर ध्यान केंद्रित किया: मौलिकता, जो बिना किसी बंधन के प्रयोग की स्वतंत्रता से संभव होती है।
Karel Appel - द वाइल्ड फायरमेन, 1947। © 2018 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
अनुपस्थिति की उपस्थिति
Appel के लिए, कलात्मक क्रिया का मूल्य उस उत्पाद से कोई लेना-देना नहीं था जो अंततः उस क्रिया के परिणामस्वरूप बनाया जाएगा। महत्वपूर्ण बात थी सृजनात्मक प्रक्रिया। उद्देश्य यह नहीं था कि कलाकार यह बताए कि क्या बनाया जाएगा, या जो अंततः बनाया गया उसे न्याय या व्याख्या करे। उद्देश्य केवल सृजन करना था: कुछ अज्ञात को प्रकट होने देना, असत्य को वास्तविक बनने देना। जैसा कि Appel ने कहा, “अगर ब्रश की स्ट्रोक इतनी महत्वपूर्ण है, तो इसलिए कि यह ठीक वही व्यक्त करती है जो वहां नहीं है।”
Karel Appel - बिना शीर्षक की मूर्ति, 1950। © 2018 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
यह अक्सर कहा गया है कि Appel के शुरुआती प्रयास बिना किसी बंधन के प्रयोगात्मक सौंदर्य सृजन में बच्चों द्वारा बनाए गए चित्रों से मिलते-जुलते हैं। उनके अर्ध-आकृतिक, अर्ध-अमूर्त रचनाएं रंग और मूलभूत रेखा और रूप की अभिव्यक्तियों की एक प्रतीत होने वाली अराजक भाषा का उपयोग करती हैं। वास्तव में, जब ये चित्र पहली बार 1940 के दशक के अंत में प्रदर्शित किए गए थे, तो उन्हें सार्वजनिक रूप से उपहास का पात्र बनाया गया था। लेकिन Appel ने हार नहीं मानी। वे सार्वजनिक स्वीकृति से प्रेरित नहीं थे। वे अनुपस्थिति का सामना करने के लिए उपस्थिति को प्रकट करने की प्रक्रिया के प्रति समर्पित थे। वे मौलिकता की ओर एक यात्रा पर थे, बिना इस पर ध्यान दिए कि वह यात्रा कहां समाप्त होती है या कैसी दिखती है।
Karel Appel - माइंडस्केप #12, 1977। © 2018 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
Karel Appel और CoBrA समूह
Appel की पेंटिंग्स में ऐसा क्या था जो इतना चौंकाने वाला था? क्या यह तथ्य था कि वे अपनी प्रक्रिया के सौंदर्य परिणामों की परवाह नहीं करते थे? या यह स्वतंत्रता थी जिसके साथ वे सृजन करते थे जो इतनी परेशान करने वाली थी? इसका उत्तर उस दुनिया की परिस्थितियों में पाया जा सकता है जिसमें Appel की कला पेश की गई थी। उनका पहला प्रदर्शन 1946 में हुआ, जब यूरोप अभी-अभी द्वितीय विश्व युद्ध से उभरा था। व्यापक धारणा थी कि दुनिया पागल हो गई है। महाद्वीप के पुनर्निर्माण की व्यावहारिकताएं और भारी नुकसान का सामना करने ने संस्कृति पर अस्तित्वगत चिंता की एक तीव्र भावना थोप दी थी। युद्ध को संदर्भित करने की एक शक्तिशाली आध्यात्मिक इच्छा थी ताकि जीवित बचे लोग महसूस कर सकें कि बलिदान की कीमत सार्थक थी।
युद्ध के दौरान, डेनमार्क, नीदरलैंड और बेल्जियम के निवासी जर्मन कब्जे के कारण दुनिया से लगभग पूरी तरह कट गए थे। युद्ध के तुरंत बाद, यह स्पष्ट हो गया कि कोपेनहेगन, ब्रुसेल्स और एम्स्टर्डम में युद्ध बिताने वाले कलाकारों के एक छोटे समूह ने कला सृजन के लिए समान दृष्टिकोण अपनाया था। इस समूह में Appel भी शामिल थे, जिन्होंने मौजूदा पश्चिमी संस्थानों की तर्कशक्ति और कारण को अस्वीकार कर दिया था। वे आदिम लोक कला और बच्चों की कला से प्रेरित थे। उन्होंने सहजता, स्वाभाविकता और अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता पर आधारित कला बनाई। जब इन कलाकारों ने एक साथ प्रदर्शन करना शुरू किया, तो उन्हें CoBrA समूह कहा गया, जो उनके मूल शहरों के पहले अक्षरों से लिया गया नाम था।
Karel Appel - प्रश्न करते बच्चे, 1949। लकड़ी पर गुआश। वस्तु: 873 x 598 x 158 मिमी, फ्रेम: 1084 x 818 x 220 मिमी। © 2018 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
प्रभावों का संगम
Appel ने अपने दृष्टिकोण को किसी खाली जगह में नहीं अपनाया। उन्होंने अपनी लेखनी में उल्लेख किया कि उन्होंने Kurt Schwitters की एक प्रदर्शनी देखी, जो उनकी पहली ऐसी अनुभव थी जिसे वे objet trouvé कहते हैं, यानी मिली-जुली वस्तुओं से बनी कला। उन्होंने इस अनुभव को “ध्वंसकारी” बताया। इसने उन्हें माध्यमों के संबंध में ऐतिहासिक परंपराओं का पालन करने की आवश्यकता से मुक्त कर दिया, और इस मामले में उन्हें सभी ऐतिहासिक परंपराओं से मुक्त कर दिया। Appel की सहज, बालसुलभ स्वतंत्रता का श्रेय उन कलाकारों को भी जाता है जैसे Paul Klee और Joan Miro, जिन्होंने अपने कार्यों में निर्बाध स्वतंत्रता की भावना व्यक्त की।
कलात्मक प्रभावों के अलावा, Appel अपने विचारों पर तीन अन्य प्रभावों के बारे में भी लिखते हैं। वे अमेरिकी कवि Walt Whitman की पुस्तक Leaves of Grass, उरुग्वे-फ्रांसीसी लेखक Comte de Lautréamont की लंबी कविता The Songs of Maldoror, और मानव स्वभाव पर प्रभावशाली विचारक Jiddu Krishnamurti की लेखनी का उल्लेख करते हैं। ये प्रभाव मिलकर सोच की एक विस्तृत श्रृंखला को दर्शाते हैं। Leaves of Grass स्वतंत्रता और खुलापन का सबसे प्रभावशाली और आशावादी उत्सव है। वहीं, The Songs of Maldoror पूर्ण बुराई की सबसे विशिष्ट खोजों में से एक है। इसी बीच, Jiddu Krishnamurti ने केवल व्यक्तिगत चेतना को समर्पित रहने के लिए प्रोत्साहित किया ताकि सत्य का अनुभव हो और स्वतंत्रता प्राप्त हो सके।
Karel Appel - न्यूड श्रृंखला से, 1963। © 2018 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
Appel की विरासत
बच्चों और लोक कलाकारों के बिना बंधन के उत्साह को देखकर, Appel ने अपने भीतर उसी स्वतंत्रता की भावना खोजने का मार्ग पाया। उन्होंने स्वतंत्र मानव मन के मूल्य को महत्व दिया। उन्होंने व्यावहारिक रूप से दिखाया कि कलाकार कैसे स्वतंत्र और सहज रूप से अपनी आंतरिक सच्चाई के अनुभव को व्यक्त कर सकते हैं। केवल इस क्रिया ने एक पूरी पीढ़ी के कलाकारों को प्रेरित किया, जिनमें Willem de Kooning और Jackson Pollock जैसे महत्वपूर्ण व्यक्ति शामिल हैं, जिन्होंने आर्ट इंफॉर्मेल और अमूर्त अभिव्यक्तिवाद जैसे आंदोलनों के माध्यम से दुनिया को बदल दिया।
लेकिन व्यक्तिगत कलाकारों और शैलियों से परे, Appel के योगदान की सच्ची विरासत को "सृजनात्मक प्रक्रिया" शब्दों में संक्षेपित किया जा सकता है। पूरी तरह से Appel जैसे कलाकारों के कारण ही आज हम यह स्वाभाविक मानते हैं कि कला का सबसे महत्वपूर्ण पहलू मौलिकता होनी चाहिए, न कि नकल। 1989 में, Appel ने अपने अनुभव को संक्षेप में कहा, “सृजनात्मकता बहुत नाजुक है। यह पतझड़ में पत्ते की तरह है; यह लटकती है और जब गिरती है तो आप नहीं जानते कि यह कहां बह रही है... एक कलाकार के रूप में आपको अपनी सृजनात्मक स्वतंत्रता बनाए रखने के लिए जंगल में लड़ना और जीवित रहना पड़ता है।” सच्ची मौलिकता को अपनाकर, Appel ने किसी भी मार्ग का पालन करने की आवश्यकता को समाप्त कर दिया, सिवाय स्वतंत्र अभिव्यक्ति के। उनके कार्यों के माध्यम से हम सीखते हैं कि महत्वपूर्ण बात केवल कलाकार के श्रम के उत्पादों को इकट्ठा करना, वर्गीकृत करना और प्रशंसा करना नहीं है, बल्कि उस मौलिकता और स्वतंत्रता को आश्चर्यचकित होकर देखना है जिससे ये वस्तुएं आई हैं, और उनके स्रोत को सृजनात्मकता की वास्तव में कीमती और अनंत प्रक्रिया के रूप में अपनाना है।
प्रदर्शित छवि: Karel Appel - लिटिल मून मेन, 1946। © 2018 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / Karel Appel फाउंडेशन
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
