अवास्तविक कला का आधुनिक और समकालीन डिज़ाइन पर प्रभाव
अमूर्त कला के डिज़ाइन हर जगह देखे जा सकते हैं, फैशन, फर्नीचर, वास्तुकला, विज्ञापन, और समकालीन डिज़ाइन के लगभग हर अन्य उत्पाद पर। चाहे वह ओप आर्ट से प्रेरित जूते की लाइन हो, डैन फ्लाविन की स्थापना से प्रेरित शैम्पेन फ्लूट्स हों, या जेम्स टुरेल से प्रेरित हिप हॉप वीडियो की सेट सजावट हो, यह प्राचीन प्रवृत्ति का नवीनतम रूप है: कला से प्रभावित डिज़ाइनर। यही वह आधार था जिस पर बाउहाउस आधारित था; एक समग्र कला जो सभी सौंदर्यशास्त्र संबंधी घटनाओं को समेटे हुए थी। और यही कारण है कि आज की संस्कृति में अमूर्त कला इतनी सारी डिज़ाइन की नींव है।
अमूर्त कला और डिज़ाइन ने दुनिया को पुनर्निर्मित किया
द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, मानवता को पहले से कहीं अधिक बड़े पैमाने पर डिज़ाइनरों की आवश्यकता थी। यूरोप, एशिया और भूमध्यसागरीय क्षेत्र का अधिकांश हिस्सा बमबारी के कारण लगभग मलबे में तब्दील हो गया था और पुनर्निर्माण की जरूरत थी। और केवल इमारतें और शहर की सड़कों को ही नहीं, बल्कि वर्षों की मंदी, अकाल और युद्ध से तबाह हुई मानव आबादी को नए आवास, कपड़े, परिवहन, उपकरण, फर्नीचर, सार्वजनिक सभा स्थल, दूरसंचार उपकरण और बहुत कुछ चाहिए था।
युद्ध के लिए जुटाव के कारण विश्व की औद्योगिकीकरण क्षमता अपने चरम पर थी, और समाज के अनुप्रयुक्त कलाकारों को नए विश्व को पुनः डिज़ाइन करने और संस्कृति को संकट से बाहर लाने के अभूतपूर्व अवसर मिले। वास्तुकार, फर्नीचर डिज़ाइनर, फैशन डिज़ाइनर, ऑटोमोबाइल डिज़ाइनर और औद्योगिक डिज़ाइनर जैसे अनुप्रयुक्त कलाकार व्यावहारिकता में पूरी तरह डूब गए, ऐसे उत्पाद बनाए जो बड़े पैमाने पर कुशलतापूर्वक बनाए जा सकें और सबसे व्यापक उपभोक्ता वर्ग की सेवा कर सकें।
चार्ल्स और रे ईम्स - केस स्टडी हाउस नंबर 8
यिन यांग सिद्धांत का कार्यान्वयन
उस समय के प्रमुख अमूर्त कलाकार भी यह समझने की कोशिश कर रहे थे कि दुनिया के साथ क्या हुआ। लेकिन वे समाज का पुनर्निर्माण करने के बजाय, जो आमतौर पर शुद्ध कला के क्षेत्र में नहीं माना जाता, उसे संदर्भित करने का प्रयास कर रहे थे। युद्धोत्तर अमूर्त कलाकार अपने भीतर की कुछ अंतर्निहित बातों को समझने की कोशिश कर रहे थे। वे अज्ञात, अवचेतन और अपनी मानवता के गहरे व्यक्तिगत पहलुओं का सामना कर रहे थे।
इसे इस तरह भी देखा जा सकता है कि एक संतुलन स्थापित हो रहा था। डिज़ाइनरों ने युद्ध की पागलपन का जवाब दक्षता और तर्क से दिया। अमूर्त कलाकारों ने इसे अंतर्ज्ञान और भावना से जवाब दिया। ये पूरक शक्तियां युद्धोत्तर समाज की चेतना पर प्रभाव डाल रही थीं। एक ओर, पश्चिमी दुनिया जितनी कभी भी चिंतनशील और अस्तित्वगत रूप से गहरी हुई, दूसरी ओर यह अपनी सबसे भौतिकवादी स्थिति में पहुंच रही थी।
उगो जियानाटासियो - शीर्षक रहित, 1920
द्वितीय विश्व युद्ध के बाद के युग में, दो सबसे प्रभावशाली डिज़ाइनर चार्ल्स और रे ईम्स थे, जिन्होंने प्रसिद्ध ईम्स कुर्सी बनाई। 1949 में उन्होंने अपना केस स्टडी हाउस नंबर 8 डिज़ाइन और बनाया, जिसे उन्होंने घर और स्टूडियो के रूप में इस्तेमाल किया। उस समय यह भवन समकालीन वास्तुकला डिज़ाइन की ऊंचाई माना जाता था। ईम्स फाउंडेशन के अनुसार, यह डिज़ाइन एक परियोजना का हिस्सा था जिसका उद्देश्य "आधुनिक दुनिया में मनुष्य के जीवन को व्यक्त करना" था। यह घर लगभग तीस साल पहले के पिएट मोंड्रियन की पेंटिंग जैसा दिखता था। मोंड्रियन 1944 में निधन हो गए थे। 1950 में न्यूयॉर्क शहर में, एक प्रमुख वास्तुशिल्प उपलब्धि पुरस्कार विजेता गगनचुंबी इमारत लीवर हाउस थी। आधुनिक वास्तुकला की उत्कृष्ट कृति के रूप में प्रशंसित, इसकी साफ़ रेखाएं, इस्पात और कांच का उपयोग, स्थान का अत्यंत कार्यात्मक उपयोग और सजावट की पूरी कमी इसे आधुनिकतावादी वास्तुकला का सर्वोत्तम उदाहरण बनाती है। यह 1920 के दशक के रूसी कंस्ट्रक्टिविज़्म की सौंदर्य चिंताओं को पूरी तरह व्यक्त करती है।
लीवर हाउस, न्यूयॉर्क शहर
1950 में ऑटोमोबाइल डिज़ाइन में सबसे बड़ी नवाचार हार्डटॉप कन्वर्टिबल का आविष्कार था। इससे बेहतर क्या हो सकता था? यह कार्यक्षमता और शैली की चरम सीमा है, जो सस्ते, नए, हल्के पदार्थों और विकल्पों की बढ़ती उपभोक्ता मांग का उपयोग करता है। और कारों का चिकना डिज़ाइन वास्तव में भविष्यवादी था, लगभग उतना ही भविष्यवादी जितना 1920 के दशक के इतालवी भविष्यवाद था।
1950 क्रिसलर टाउन एंड कंट्री
क्या अमूर्त कला ने आधुनिक डिज़ाइन को प्रभावित किया? बिल्कुल। पिएट मोंड्रियन की डी स्टाइल सौंदर्यशास्त्र ने स्पष्ट रूप से ईम्स के घर पर गहरा प्रभाव डाला, क्योंकि यह न्योप्लास्टिसिज्म के परिचय के कुछ दशकों बाद था। लीवर हाउस आदर्श कंस्ट्रक्टिविस्ट गगनचुंबी इमारत थी; यह कंस्ट्रक्टिविस्ट वास्तुकला के परिचय के कुछ दशकों बाद आई। और हार्डटॉप कन्वर्टिबल वास्तव में भविष्य की कारें थीं; 1920 के दशक का भविष्य और 1950 का भविष्य।
1950 के दशक में अमूर्त कला में जो हो रहा था वह यह था: उसी वर्ष जैक्सन पोलक ने "नंबर 1, 1950" पेंट किया और फ्रांज क्लाइन ने "द चीफ" पेंट किया।
जैक्सन पोलक - नंबर 1, 1950 (लैवेंडर मिस्ट), 1950, तेल, एनामेल, और एल्यूमिनियम कैनवास पर, ऐल्सा मेलोन ब्रूस फंड, 1976.37.1
वास्तुकला की अमूर्त अभिव्यक्तिवाद
जैसे-जैसे दूरसंचार में नवाचार तेजी से बढ़े, अमूर्त कला के डिज़ाइन पर प्रभाव की गति भी बढ़ी। 30 वर्षों के बजाय, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद ने डिज़ाइन की दुनिया में अपनी छाप लगभग 10 वर्षों में छोड़ी। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के पीछे की सौंदर्यशास्त्र और दर्शन कला निर्माण की पूरी प्रक्रिया के प्रसार के माध्यम से आया। यह अंतर्ज्ञान की ओर वापसी थी, अवचेतन प्रभावों की आदिम उत्पत्ति की ओर। यह अमूर्तन के अंतिम लक्ष्य की पूर्ति थी: मौलिकता की खोज और अद्वितीय व्यक्ति के सार की सच्ची अभिव्यक्ति।
अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का दर्शन वास्तुकला में डी-कंस्ट्रक्टिविज़्म के रूप में प्रकट हुआ। डी-कंस्ट्रक्टिविज़्म अप्रत्याशितता का तत्व प्राप्त करने का प्रयास करता है। बिना सजावट वाले कार्यात्मक रूपों का पालन करने के बजाय, डी-कंस्ट्रक्टिविस्ट वास्तुकार ऐसे मूल रूपों की खोज करते हैं जो सजावटी डिज़ाइन तत्वों का स्पष्ट उपयोग करते हैं। कई डी-कंस्ट्रक्टिविस्ट वास्तुकार ऐसी इमारतें डिज़ाइन करते हैं जो स्वयं टूटे हुए या खंडों में विभाजित प्रतीत होती हैं। अन्य ऐसी इमारतें डिज़ाइन करते हैं जो अमूर्त अभिव्यक्तिवाद कला की भावात्मक सौंदर्यशास्त्र की नकल करती हैं। हालांकि यह शैली 1950 के दशक के अंत में शुरू हुई, यह आज भी उपयोग में है। इसका सबसे प्रसिद्ध अनुयायी शायद फ्रैंक गेहरी हैं।
फ्रैंक गेहरी का गुगेनहाइम बिलबाओ
1960 के दशक के मध्य तक, डिज़ाइन के रुझान लगभग तुरंत अमूर्त कला के रुझानों की नकल करने लगे, विशेष रूप से फैशन डिज़ाइन में। ब्रिजेट राइली ने 1961 में अपनी महत्वपूर्ण ओप आर्ट कृति, मूवमेंट इन स्क्वेयर्स, बनाई। टाइम मैगज़ीन ने 1964 में न्यूयॉर्क के मार्था जैक्सन गैलरी में जूलियन स्टैंकजाक के काम की प्रदर्शनी के जवाब में "ओप आर्ट" शब्द गढ़ा। 1965 में, यह शैली लोकप्रिय संस्कृति में इतनी पूरी तरह से समाहित हो गई कि इसे वोग मैगज़ीन के एक फोटो प्रसार में संदर्भित किया गया।
ब्रिजेट राइली - मूवमेंट इन स्क्वेयर्स, 1961। टेम्पेरा ऑन हार्डबोर्ड। 123.2 x 121.2 सेमी। © 2018 ब्रिजेट राइली। करस्टेन शुबर्ट, लंदन की अनुमति से
न्यूनतम प्रभाव
1970 के दशक में, अमूर्त कला की एक प्रमुख शैली न्यूनतावाद थी, और न्यूनतावाद की सबसे प्रभावशाली आवाज़ों में से एक कलाकार डोनाल्ड जड थे। जड और उनके समकालीन कलाकार ऐसे कार्य बनाना चाहते थे जो पिछले अमूर्तनकारों, विशेष रूप से अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के कार्यों से मौलिक रूप से भिन्न हों। न्यूनतावाद ने कार्य से व्यक्तिगत जीवनीगत तत्वों को हटा दिया और सरल रूपों और संक्षिप्त दृश्य भाषा की खोज की।
जड को एक आकर्षक अध्ययन बनाता है कि वे केवल न्यूनतम कलाकार ही नहीं थे, बल्कि एक वास्तुकार और फर्नीचर डिज़ाइनर भी थे। शुद्ध कला और अनुप्रयुक्त कला दोनों के समर्थक के रूप में, वे अपने विचारों को उन विभिन्न क्षेत्रों में एक साथ प्रकट कर पाए जिनमें वे काम करते थे। कुछ मायनों में, जड बाउहाउस या आर्ट नोव्यू के आदर्शों का मूर्त रूप थे, जो दोनों ने सभी कलाओं के एक साथ काम करने पर जोर दिया।
डोनाल्ड जड - प्रोटोटाइप डेस्क, 1978। LACMA संग्रह। 2011 कलेक्टर्स कमेटी का उपहार। © म्यूजियम एसोसिएट्स/LACMA
जड एक उत्साही लेखक और सिद्धांतकार भी थे, और उन्होंने शुद्ध कला और अनुप्रयुक्त कला के बीच अंतर के बारे में यह कहा: “कला की संरचना और पैमाना फर्नीचर और वास्तुकला में स्थानांतरित नहीं किया जा सकता। कला का उद्देश्य बाद वाले से अलग होता है, जो कार्यात्मक होना चाहिए। यदि कोई कुर्सी या इमारत कार्यात्मक नहीं है, यदि वह केवल कला प्रतीत होती है, तो वह हास्यास्पद है...” यह दर्शन उनके बनाए गए विभिन्न कार्यों में स्पष्ट है।
डोनाल्ड जड - शीर्षक रहित, 1971
रूप बनाम कार्य
अमूर्त कला और डिज़ाइन के बीच मूल अंतर यह है कि अमूर्त कला, सभी शुद्ध कलाओं की तरह, एक चिंतनशील स्तर पर सामना की जाने वाली चीज़ है। यह बौद्धिक, भावनात्मक, प्रेरणादायक, या सौंदर्यपूर्ण रूप से सुंदर हो सकती है। इसका उद्देश्य हमें सोचने, महसूस करने, विचार करने, विकसित होने और हमारे अनुभवों के अर्थ के बारे में आश्चर्यचकित करने के लिए प्रेरित करना है। डिज़ाइन का कार्य बिल्कुल अलग है। यह उपभोक्ता उत्पादों की उपयोगिता या आनंद बढ़ाने का एक तरीका है। डिज़ाइन को एक कार्य सेवा करनी चाहिए, अन्यथा यह, जैसा कि जड ने कहा, हास्यास्पद है।
अमूर्त कला की प्रवृत्तियों जैसे अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, ओप आर्ट, न्योप्लास्टिसिज्म और न्यूनतावाद का सभी अनुप्रयुक्त कलाओं पर, फैशन डिज़ाइन से लेकर फर्नीचर डिज़ाइन, वास्तुकला और उससे आगे तक, जो गहरा प्रभाव पड़ा है, उसे कम करके नहीं आंका जा सकता। और खुशी की बात है कि आज हम ऐसे समय में रहते हैं जब हम अमूर्त कला और डिज़ाइन दोनों के इतिहास तक जल्दी पहुंच सकते हैं, और स्वयं देख सकते हैं कि अमूर्त कला की सौंदर्यशास्त्र और दर्शन डिज़ाइन प्रवृत्तियों पर कितना गहरा प्रभाव डालती है।
दिलचस्प बात यह है कि हम ऐसे समय में भी रहते हैं जब हम उन प्रभावों को तुरंत देख सकते हैं। एक अमूर्त चित्रकार अपनी नई पेंटिंग की तस्वीर इंस्टाग्राम पर अपलोड कर सकता है और कुछ ही सेकंड में मिलान का एक फैशन डिज़ाइनर उस छवि को अपनी नई वसंत लाइन के लिए प्रेरणा के रूप में उपयोग कर सकता है। या इसके विपरीत। एक फैशन डिज़ाइनर एक नए कपड़े की तस्वीर अपलोड कर सकता है, और इसका एक अमूर्त कलाकार पर गहरा प्रभाव पड़ सकता है, जो फिर अमूर्त कला के नए क्षेत्रों में प्रगति कर सकता है। आज सब कुछ सब कुछ को प्रभावित कर सकता है, क्योंकि हमारी संस्कृति खुशी-खुशी नए से मिलने के लिए आगे बढ़ रही है।
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
