अवास्तविक कला का आधुनिक और समकालीन डिज़ाइन पर प्रभाव

अब्स्ट्रैक्ट आर्ट डिज़ाइन हर जगह पाए जाते हैं, फैशन, फर्नीचर, आर्किटेक्चर, विज्ञापन, और लगभग हर अन्य समकालीन डिज़ाइन के उत्पाद पर। चाहे वह ओप आर्ट से प्रेरित एक जूता लाइन हो, डैन फ्लाविन की स्थापना से प्रेरित शैम्पेन फ्लूट्स, या जेम्स टर्रेल से प्रेरित एक हिप हॉप वीडियो पर सेट सजावट, यह एक प्राचीन प्रवृत्ति का नवीनतम रूप है: कला से प्रभावित डिज़ाइनर। यही बौहाउस का आधार था; एक कुल कला जो सभी सौंदर्य संबंधी घटनाओं को समाहित करती थी। और यही कारण है कि आज की संस्कृति में बहुत सारे डिज़ाइन का आधार अब्स्ट्रैक्ट आर्ट है।

अवास्तविक कला और डिज़ाइन ने दुनिया को फिर से बनाया

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, मानवता को पहले से कहीं अधिक भव्य पैमाने पर डिज़ाइनरों की आवश्यकता थी। यूरोप, एशिया और भूमध्य सागर के अधिकांश हिस्से को बमबारी के बाद मलबे में तब्दील होने के कारण पुनर्निर्माण की आवश्यकता थी। और यह केवल इमारतें और शहर की सड़कें नहीं थीं जिन्हें मदद की आवश्यकता थी। वर्षों की मंदी, अकाल और युद्ध से devastated मानव जनसंख्या को नए सब कुछ की आवश्यकता थी: आवास, कपड़े, परिवहन, उपकरण, फर्नीचर, सार्वजनिक सभा स्थल, दूरसंचार उपकरण, और इसी तरह।

दुनिया की औद्योगिक क्षमता युद्ध के लिए जुटाए गए संसाधनों के कारण अपने उच्चतम स्तर पर थी, और समाज के अनुप्रयुक्त कलाकारों को नए विश्व को फिर से डिजाइन करने के लिए अभूतपूर्व अवसर मिले, और संस्कृति को संकट से वापस लाने में मदद की। अनुप्रयुक्त कलाकार जैसे कि आर्किटेक्ट, फर्नीचर डिजाइनर, फैशन डिजाइनर, ऑटोमोबाइल डिजाइनर और औद्योगिक डिजाइनर व्यावहारिकता में पूरी तरह से डूब गए, ऐसे उत्पादों का निर्माण किया जो कुशलता से बड़े पैमाने पर उत्पादित किए जा सकें और सबसे व्यापक उपभोक्ता आधार की आवश्यकताओं को पूरा कर सकें।

चार्ल्स और रे ईम्स - केस स्टडी हाउस नंबर 8

काम में यिन यांग सिद्धांत

उस समय के प्रमुख अमूर्त कलाकार यह समझने की कोशिश कर रहे थे कि दुनिया में क्या हुआ है। लेकिन समाज को फिर से बनाने के बजाय, जो आमतौर पर ललित कला के क्षेत्र में नहीं माना जाता, वे इसे संदर्भित करने का काम कर रहे थे। युद्ध के बाद के अमूर्त कलाकार अपने बारे में कुछ अंतर्निहित समझने की कोशिश कर रहे थे। वे अज्ञात, अवचेतन, और अपनी मानवता के गहरे व्यक्तिगत पहलुओं का सामना कर रहे थे।

इसे देखने का एक तरीका यह है कि एक संतुलन बनाया जा रहा था। डिजाइनरों ने युद्ध की उन्माद का जवाब दक्षता और तर्क के साथ दिया। अमूर्त कलाकारों ने इसे अंतर्ज्ञान और भावना के साथ जवाब दिया। ये पूरक शक्तियाँ दोनों ने युद्ध के बाद के समाज की चेतना पर प्रभाव डाला। एक ओर, पश्चिमी दुनिया जितनी भी contemplative और अस्तित्वगत गहन हो रही थी, उतनी पहले कभी नहीं थी। दूसरी ओर, यह अपनी सबसे भौतिकवादी बनती जा रही थी।

उगो जियानाट्टासियो - बिना शीर्षक, 1920

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद के युग में, चार्ल्स और रे ईम्स, प्रसिद्ध ईम्स कुर्सी के निर्माता, दो सबसे प्रभावशाली डिजाइनरों में से थे। 1949 में उन्होंने अपना केस स्टडी हाउस नंबर 8 डिजाइन और निर्माण किया, जिसका उन्होंने घर और स्टूडियो के रूप में उपयोग किया। इस इमारत को उस समय के समकालीन वास्तुशिल्प डिजाइन की ऊंचाई का प्रतिनिधित्व करने के लिए माना गया। ईम्स फाउंडेशन के अनुसार, यह डिज़ाइन एक परियोजना का हिस्सा था जिसका उद्देश्य "आधुनिक दुनिया में मानव जीवन को व्यक्त करना" था। यह घर लगभग तीस साल पहले के पीट मॉंड्रियन के चित्र की तरह दिखता था। मॉंड्रियन का निधन 1944 में हुआ। 1950 में न्यूयॉर्क शहर में, एक प्रमुख वास्तुशिल्प उपलब्धियों में से एक एक पुरस्कार विजेता गगनचुंबी इमारत थी जिसे लेवर हाउस के नाम से जाना जाता है। इसे आधुनिक वास्तुकला का एक उत्कृष्ट कृति माना गया, इसकी साफ रेखाएँ, स्टील और कांच का उपयोग, स्थान का अत्यधिक कार्यात्मक उपयोग और सजावट की पूरी कमी ने इसे आधुनिकतावादी वास्तुकला का एक सर्वोत्तम उदाहरण बना दिया। इसने 1920 के दशक के रूसी निर्माणवाद की सौंदर्य संबंधी चिंताओं को पूरी तरह से व्यक्त किया।

लेवर हाउस, न्यू यॉर्क सिटी

1950 में ऑटोमोबाइल डिज़ाइन में सबसे बड़ा नवाचार हार्डटॉप कन्वर्टिबल का आविष्कार था। इससे अधिक समझदारी और क्या हो सकती है? यह कार्यक्षमता और शैली की ऊँचाई है, सस्ते, नए, हल्के सामग्रियों का उपयोग करते हुए और विकल्पों की बढ़ती उपभोक्ता मांग को पूरा करते हुए। और कारों का चिकना डिज़ाइन वास्तव में भविष्यवादी था, लगभग 1920 के दशक के इतालवी भविष्यवाद के समान।

1950 क्रिसलर टाउन & कंट्री

क्या अमूर्त कला ने आधुनिक डिज़ाइन को प्रभावित किया? बिल्कुल। पीट मॉंड्रियन की डि स्टिज़ल एस्थेटिक ने स्पष्ट रूप से ईम्स के घर पर गहरा प्रभाव डाला, यह केवल कुछ दशकों बाद था जब निओप्लास्टिसिज़्म को पेश किया गया था। लेवर हाउस एक आदर्श कंस्ट्रक्टिविस्ट गगनचुंबी इमारत थी; यह कंस्ट्रक्टिविस्ट आर्किटेक्चर के खुद को पेश करने के कुछ दशकों बाद आई। और हार्डटॉप कन्वर्टिबल्स वास्तव में भविष्य की कारें थीं; 1920 के दशक का भविष्य और 1950 के दशक का भविष्य।

1950 के दशक में अमूर्त कला में जो हो रहा था, वह यह था: वह वर्ष था जब जैक्सन पोलक ने "नंबर 1, 1950" और फ्रांज क्लाइन ने "द चीफ" पेंट किया।

जैक्सन पोलक - नंबर 1, 1950 (लैवेंडर मिस्ट), 1950, तेल, एनामेल, और एल्यूमिनियम कैनवास पर, ऐल्सा मेलन ब्रूस फंड, 1976.37.1

आर्किटेक्चर का अमूर्त अभिव्यक्तिवाद

जैसे-जैसे दूरसंचार में नवाचार तेजी से आगे बढ़े, अमूर्त कला के डिजाइन पर प्रभाव डालने की गति भी बढ़ गई। 30 वर्षों के बजाय, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद ने डिजाइन की दुनिया पर अपनी छाप छोड़ने में केवल लगभग 10 वर्ष लिए। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के पीछे की सौंदर्यशास्त्र और दर्शन कला निर्माण की पूरी प्रक्रिया के प्रसार के माध्यम से आई। यह अंतर्ज्ञान की ओर एक वापसी थी, अवचेतन प्रभावों की प्राचीन उत्पत्ति की ओर। यह अमूर्तता के अंतिम लक्ष्य की पूर्ति थी: मौलिकता की खोज और अद्वितीय व्यक्ति की सार्थक अभिव्यक्ति।

अब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट दर्शन ने वास्तुकला में डीकंस्ट्रक्टिविज़्म के रूप में प्रकट किया। डीकंस्ट्रक्टिविज़्म ने अप्रत्याशितता के एक तत्व को प्राप्त करने का प्रयास किया। कार्यात्मक रूपों का पालन करने के बजाय जो अलंकरण की कमी रखते थे, डीकंस्ट्रक्टिविस्ट आर्किटेक्ट्स ने मूल रूपों की खोज की जो स्पष्ट रूप से अलंकरण डिजाइन तत्वों का उपयोग करते थे। कई डीकंस्ट्रक्टिविस्ट आर्किटेक्ट्स ने ऐसे भवनों का डिज़ाइन किया जो खुद को डीकंस्ट्रक्टेड लगते थे, जैसे कि खंडों में विभाजित। अन्य ने ऐसे भवनों का डिज़ाइन किया जो अब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट कला की इशारों की सौंदर्यशास्त्र की नकल करते हैं। हालांकि इसकी शुरुआत 1950 के दशक के अंत में हुई, यह शैली आज भी उपयोग की जा रही है। इसका सबसे पहचानने योग्य अनुयायी शायद फ्रैंक गेहरी है।

फ्रैंक गेहरी का गुगेनहाइम बिलबाओ

1960 के मध्य तक, डिज़ाइन प्रवृत्तियाँ लगभग तुरंत अमूर्त कला में प्रवृत्तियों की नकल कर रही थीं, विशेष रूप से फैशन डिज़ाइन में। ब्रिजेट रिले ने 1961 में अपना महत्वपूर्ण ओप आर्ट काम, मूवमेंट इन स्क्वायरस, पेंट किया। टाइम पत्रिका ने 1964 में न्यूयॉर्क के मार्था जैक्सन गैलरी में जूलियन स्टैंज़क के काम की एक प्रदर्शनी के जवाब में "ओप आर्ट" शब्द का निर्माण किया। 1965 में, यह शैली इतनी पूरी तरह से लोकप्रिय संस्कृति में प्रस्तुत की गई कि इसे वोग पत्रिका में एक फोटो स्प्रेड में संदर्भित किया गया।

ब्रिजेट राइली - मूवमेंट इन स्क्वायर, 1961। टेम्पेरा ऑन हार्डबोर्ड। 123.2 x 121.2 सेमी। © 2018 ब्रिजेट राइली। करस्टेन शुबरट, लंदन की सौजन्य।

न्यूनतम प्रभाव

1970 के दशक में, अमूर्त कला की एक प्रमुख शैली न्यूनतमवाद थी, और न्यूनतमवाद की सबसे प्रभावशाली आवाजों में से एक कलाकार डोनाल्ड जड थे। जड और उनके समकालीनों ने ऐसा काम करने का प्रयास किया जो पिछले अमूर्त कलाकारों के कामों से मौलिक रूप से भिन्न था, विशेष रूप से अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों से। न्यूनतमवाद ने काम से व्यक्तिगत जीवनीगत तत्वों को समाप्त कर दिया और सरल रूपों और एक संक्षिप्त दृश्य भाषा की खोज की।

जुड को एक आकर्षक अध्ययन बनाने वाली बात यह है कि वह केवल एक न्यूनतमवादी कलाकार नहीं थे, बल्कि वह एक वास्तुकार और फर्नीचर डिजाइनर भी थे। शुद्ध कला और अनुप्रयुक्त कला दोनों के समर्थक के रूप में, वह उन विभिन्न क्षेत्रों में अपने विचारों को एक साथ व्यक्त करने में सक्षम थे जिनमें उन्होंने काम किया। कुछ मायनों में, जुड बौहाउस के आदर्शों या आर्ट नोव्यू का व्यक्तित्व थे, दोनों ने सभी कलाओं के एक साथ काम करने और समान विचारों पर काम करने की एक साथ अभिव्यक्ति पर जोर दिया।

डोनाल्ड जड - प्रोटोटाइप डेस्क, 1978। LACMA संग्रह। 2011 कलेक्टर्स कमेटी का उपहार। © म्यूजियम एसोसिएट्स/LACMA

जड ने एक उत्साही लेखक और सिद्धांतकार के रूप में भी काम किया, और उन्होंने ललित कला और अनुप्रयुक्त कला के बीच के अंतर के बारे में यह कहा: "कला की संरचना और पैमाना फर्नीचर और वास्तुकला में नहीं बदला जा सकता। कला का उद्देश्य बाद वाले से अलग है, जिसे कार्यात्मक होना चाहिए। यदि एक कुर्सी या एक इमारत कार्यात्मक नहीं है, यदि यह केवल कला के रूप में दिखाई देती है, तो यह हास्यास्पद है..." यह दर्शन उनके द्वारा बनाए गए विभिन्न कार्यों में स्पष्ट है।

डोनाल्ड जड - बिना शीर्षक, 1971

रूप बनाम कार्य

अवधारणात्मक कला और डिज़ाइन के बीच का मूलभूत अंतर यह है कि अवधारणात्मक कला, जैसे कि सभी शुद्ध कला, एक ध्यानात्मक स्तर पर अनुभव की जाने वाली चीज़ है। यह बौद्धिक, आंतरिक, प्रेरणादायक, या सौंदर्यात्मक रूप से सुंदर हो सकती है। इसका उद्देश्य हमें सोचने, महसूस करने, विचार करने, विकसित होने और अपने अनुभवों के अर्थ के बारे में आश्चर्य करने के लिए प्रेरित करना है। डिज़ाइन का कार्य बिल्कुल अलग है। यह उपभोक्ता उत्पादों की उपयोगिता या आनंद को बढ़ाने का एक तरीका है। डिज़ाइन को एक कार्य करना चाहिए, अन्यथा यह, जैसा कि जड ने कहा, बेतुका है।

अवधारणात्मक कला की प्रवृत्तियों जैसे अवधारणात्मक अभिव्यक्तिवाद, ओप कला, न्यूप्लास्टिसिज़्म और मिनिमलिज़्म का सभी लागू कला पर, फैशन डिजाइन से लेकर फर्नीचर डिजाइन, वास्तुकला और उससे आगे तक, गहरा प्रभाव पड़ा है, इसे बढ़ा-चढ़ा कर नहीं कहा जा सकता। और खुशी की बात है कि आज हम एक ऐसे समय में जी रहे हैं जब हम अवधारणात्मक कला और डिजाइन के इतिहास को जल्दी से एक्सेस कर सकते हैं, और देख सकते हैं कि अवधारणात्मक कला की सौंदर्यशास्त्र और दर्शन डिजाइन प्रवृत्तियों पर कितना गहरा प्रभाव डालते हैं।

दिलचस्प बात यह है कि हम एक ऐसे समय में भी जी रहे हैं जब हम इन प्रभावों को तुरंत होते हुए देख सकते हैं। एक अमूर्त चित्रकार अपनी नई पेंटिंग का एक फोटो इंस्टाग्राम पर अपलोड कर सकती है और कुछ ही सेकंड बाद, मिलान में एक फैशन डिजाइनर उस छवि का उपयोग अपने नए वसंत संग्रह के लिए प्रेरणा के रूप में कर सकता है। या इसके विपरीत। एक फैशन डिजाइनर एक नई ड्रेस की तस्वीर अपलोड कर सकता है, और यह एक अमूर्त कलाकार पर गहरा प्रभाव डाल सकता है, जो फिर नए अमूर्त कला के क्षेत्रों में प्रगति कर सकता है। आज सब कुछ एक-दूसरे को प्रभावित करने में सक्षम है, क्योंकि हमारी संस्कृति खुशी-खुशी नए की ओर कूदती जा रही है।

सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा