अवास्तविक कला का आधुनिक और समकालीन डिज़ाइन पर प्रभाव

अमूर्त कला के डिज़ाइन हर जगह देखे जा सकते हैं - फैशन, फर्नीचर, वास्तुकला, विज्ञापन और समकालीन डिज़ाइन के लगभग हर दूसरे उत्पाद में। चाहे वह ऑप आर्ट से प्रेरित जूतों की श्रृंखला हो, डैन फ्लेविन की किसी इंस्टॉलेशन से प्रेरित शैंपेन ग्लास हों, या जेम्स टरेल से प्रेरित किसी हिप हॉप वीडियो की सेट सज्जा, यह एक प्राचीन प्रवृत्ति का नवीनतम रूप है: कला से प्रभावित डिज़ाइनर। यही वह आधार था जिस पर बॉहॉस बना था; एक ऐसी समग्र कला, जिसमें सभी सौंदर्यात्मक घटनाएँ समाहित थीं। और यही कारण है कि आज की संस्कृति में इतने बड़े पैमाने पर डिज़ाइन की नींव अमूर्त कला है।

अमूर्त कला और डिज़ाइन ने दुनिया का पुनर्निर्माण किया

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, मानवता को पहले से कहीं अधिक व्यापक स्तर पर डिज़ाइनरों की आवश्यकता थी। यूरोप, एशिया और भूमध्यसागरीय क्षेत्र का अधिकांश भाग बमबारी से लगभग मलबे में बदल गया था और उसे पुनर्निर्माण की आवश्यकता थी। और केवल इमारतों तथा शहर की सड़कों को ही सहायता की ज़रूरत नहीं थी। वर्षों की मंदी, अकाल और युद्ध से तबाह मानव आबादी को हर चीज़ नई चाहिए थी: आवास, कपड़े, परिवहन, औज़ार, फर्नीचर, सार्वजनिक मिलन-स्थल, दूरसंचार उपकरण और न जाने क्या-क्या।

युद्ध के लिए किए गए व्यापक संगठन के कारण दुनिया की औद्योगिकीकरण क्षमता अपने चरम पर थी, और समाज के अनुप्रयुक्त कलाकारों को उस नई दुनिया का पुनः डिज़ाइन करने तथा संस्कृति को संकट के कगार से वापस लाने के अभूतपूर्व अवसर मिले। वास्तुकारों, फर्नीचर डिज़ाइनरों, फैशन डिज़ाइनरों, ऑटोमोबाइल डिज़ाइनरों और औद्योगिक डिज़ाइनरों जैसे अनुप्रयुक्त कलाकारों ने व्यावहारिकता में पूरी तरह डुबकी लगा दी। उन्होंने ऐसे उत्पाद बनाए जिनका कुशलतापूर्वक बड़े पैमाने पर उत्पादन किया जा सके और जो अधिकतम संभव उपभोक्ता वर्ग की आवश्यकताओं को पूरा करें।

चार्ल्स और रे ईम्स - केस स्टडी हाउस नंबर 8

यिन यांग सिद्धांत कार्यरत

उस समय के प्रमुख अमूर्त कलाकार भी यह समझने का प्रयास कर रहे थे कि दुनिया के साथ क्या हुआ था। लेकिन समाज का पुनर्निर्माण करने के बजाय, जिसे आमतौर पर ललित कला के क्षेत्र में नहीं माना जाता, वे उसे संदर्भित करने पर काम कर रहे थे। युद्धोत्तर अमूर्त कलाकार अपने भीतर निहित किसी चीज़ को समझने की कोशिश कर रहे थे। वे अज्ञात, अवचेतन और अपनी मानवता के गहरे व्यक्तिगत पहलुओं का सामना कर रहे थे।

इसे देखने का एक तरीका यह है कि एक संतुलन स्थापित हो रहा था। डिज़ाइनरों ने युद्ध के पागलपन का उत्तर दक्षता और तर्क से दिया। अमूर्त कलाकारों ने उसका उत्तर अंतर्ज्ञान और भावना से दिया। इन पूरक शक्तियों ने युद्धोत्तर समाज की चेतना पर अपना प्रभाव डाला। एक ओर, पश्चिमी दुनिया पहले से कहीं अधिक चिंतनशील और अस्तित्ववादी रूप से गहन बन रही थी। दूसरी ओर, वह अपने इतिहास के सबसे भौतिकवादी दौर में प्रवेश कर रही थी।

उगो जियानातासियो - शीर्षकरहित, 1920

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद के युग में सबसे प्रभावशाली दो डिज़ाइनर चार्ल्स और रे ईम्स थे, जो प्रसिद्ध ईम्स चेयर के निर्माता थे। 1949 में उन्होंने अपना केस स्टडी हाउस नंबर 8 डिज़ाइन करके बनाया, जिसका उपयोग वे घर और स्टूडियो के रूप में करते थे। उस समय इस इमारत को समकालीन वास्तुशिल्प डिज़ाइन की चरम उपलब्धि माना जाता था। ईम्स फ़ाउंडेशन के अनुसार, यह डिज़ाइन एक ऐसी परियोजना का हिस्सा था जिसका उद्देश्य “आधुनिक दुनिया में मनुष्य के जीवन को अभिव्यक्त करना” था। यह घर लगभग तीस वर्ष पहले बनाई गई पीट मॉन्ड्रियन की पेंटिंग जैसा दिखता था। मॉन्ड्रियन की मृत्यु 1944 में हुई। 1950 में न्यूयॉर्क शहर में आधुनिक वास्तुकला की सबसे बड़ी उपलब्धियों में से एक, लीवर हाउस नामक पुरस्कार-विजेता गगनचुंबी इमारत थी। आधुनिक वास्तुकला की उत्कृष्ट कृति के रूप में प्रशंसित इस इमारत की साफ़ रेखाएँ, स्टील और काँच का उपयोग, स्थान का अत्यंत कार्यात्मक इस्तेमाल और आभूषणों का पूर्ण अभाव इसे आधुनिकतावादी वास्तुकला का सर्वोत्तम उदाहरण बनाते थे। इसने 1920 के दशक के रूसी रचनावाद की सौंदर्य संबंधी चिंताओं को पूरी तरह अभिव्यक्त किया।

लीवर हाउस, न्यूयॉर्क शहर

1950 में ऑटोमोबाइल डिज़ाइन का सबसे बड़ा नवाचार हार्डटॉप कन्वर्टिबल का आविष्कार था। इससे अधिक समझदारी वाली बात और क्या हो सकती थी? यह कार्यक्षमता और शैली का चरम था, जिसमें सस्ती, नई, हल्की सामग्रियों और विकल्पों की बढ़ती उपभोक्ता मांग का उपयोग किया गया था। और कारों का चिकना डिज़ाइन वास्तव में भविष्यवादी था - लगभग उतना ही भविष्यवादी जितना 1920 के दशक का इतालवी भविष्यवाद।

1950 क्रिसलर टाउन & कंट्री

क्या अमूर्त कला ने आधुनिक डिज़ाइन को प्रभावित किया? बिल्कुल। पीट मॉन्ड्रियन की डी स्टाइल सौंदर्य-दृष्टि का ईम्स के घर पर स्पष्ट रूप से गहरा प्रभाव था; यह नियोप्लास्टिसिज़्म के प्रस्तुत किए जाने के कई दशकों बाद बना था। लीवर हाउस एक आदर्श रचनावादी गगनचुंबी इमारत थी; यह रचनावादी वास्तुकला के परिचित होने के कई दशकों बाद सामने आई। और हार्डटॉप कन्वर्टिबल वास्तव में भविष्य की कारें थीं; 1920 के दशक के भविष्य की भी और 1950 के दशक के भविष्य की भी।

1950 के दशक में अमूर्त कला में यह हो रहा था: उसी वर्ष जैक्सन पोलॉक ने “नंबर 1, 1950” और फ्रांज़ क्लाइन ने “द चीफ़” चित्रित किया।

जैक्सन पोलॉक - नंबर 1, 1950 (लैवेंडर मिस्ट), 1950, कैनवास पर तेल, इनेमल और एल्युमिनियम, आइल्सा मेलोन ब्रूस फ़ंड, 1976.37.1

वास्तुकला का अमूर्त अभिव्यंजनावाद

जैसे-जैसे दूरसंचार में नवाचार तेज़ी से आगे बढ़े, अमूर्त कला जिस गति से डिज़ाइन को प्रभावित कर सकती थी, वह भी बढ़ गई। 30 वर्षों के बजाय, अमूर्त अभिव्यंजनावाद को डिज़ाइन की दुनिया पर अपनी छाप छोड़ने में केवल लगभग 10 वर्ष लगे। अमूर्त अभिव्यंजनावाद के पीछे की सौंदर्य-दृष्टि और दर्शन कला-निर्माण की पूरी प्रक्रिया के प्रसार के माध्यम से सामने आए। यह अंतर्ज्ञान और अवचेतन प्रभावों के आदिम स्रोतों की ओर वापसी थी। यह अमूर्तन के अंतिम लक्ष्य की पूर्ति थी: मौलिकता की खोज और विशिष्ट व्यक्ति के सार की सच्ची अभिव्यक्ति।

अमूर्त अभिव्यंजनावादी दर्शन वास्तुकला में विखंडनवाद के रूप में प्रकट हुआ। विखंडनवाद अनिश्चितता का एक तत्व प्राप्त करना चाहता था। ऐसे कार्यात्मक रूपों का पालन करने के बजाय जिनमें आभूषणों का अभाव था, विखंडनवादी वास्तुकारों ने ऐसे मौलिक रूपों की खोज की जिनमें सजावटी डिज़ाइन तत्वों का स्पष्ट उपयोग होता था। कई विखंडनवादी वास्तुकारों ने ऐसी इमारतें डिज़ाइन कीं जो स्वयं विखंडित दिखाई देती थीं, मानो वे खंडों में विभाजित हों। अन्य ने ऐसी इमारतें डिज़ाइन कीं जो अमूर्त अभिव्यंजनावादी कला की हाव-भावपूर्ण सौंदर्य-दृष्टि की नकल करती थीं। 1950 के दशक के उत्तरार्ध में शुरू हुई यह शैली आज भी उपयोग की जाती है। इसके सबसे पहचाने जाने वाले समर्थक शायद फ़्रैंक गेहरी हैं।

फ़्रैंक गेहरी का गुगेनहाइम बिलबाओ

1960 के दशक के मध्य तक, डिज़ाइन के रुझान लगभग तुरंत अमूर्त कला के रुझानों की नकल करने लगे थे, विशेष रूप से फैशन डिज़ाइन में। ब्रिजेट रिले ने 1961 में अपनी ऐतिहासिक ऑप आर्ट कृति, मूवमेंट इन स्क्वेयर्स, चित्रित की। 1964 में टाइम पत्रिका ने न्यूयॉर्क की मार्था जैक्सन गैलरी में जूलियन स्टैनचक के कार्यों की प्रदर्शनी के प्रत्युत्तर में “ऑप आर्ट” शब्द गढ़ा। 1965 तक यह शैली लोकप्रिय संस्कृति में इतनी पूरी तरह समा चुकी थी कि वोग पत्रिका के एक फोटो-प्रसार में इसका संदर्भ दिया गया।

ब्रिजेट रिले - मूवमेंट इन स्क्वेयर्स, 1961। हार्डबोर्ड पर टेम्परा। 123.2 x 121.2 सेमी। © 2018 ब्रिजेट रिले। लंदन के कार्स्टेन शूबर्ट के सौजन्य से

न्यूनतावाद के प्रभाव

1970 के दशक में अमूर्त कला की प्रमुख शैलियों में से एक न्यूनतावाद था, और न्यूनतावाद की सबसे प्रभावशाली आवाज़ों में से एक डोनाल्ड जुड नामक कलाकार की थी। जुड और उनके समकालीन कलाकार ऐसा काम करना चाहते थे जो पहले के अमूर्तनवादियों, विशेषकर अमूर्त अभिव्यंजनावादियों, के कार्यों से मूल रूप से अलग हो। न्यूनतावाद ने कृति से व्यक्तिगत जीवनी-संबंधी तत्वों को हटा दिया और सरल रूपों तथा संक्षिप्त दृश्य भाषा की खोज की।

जुड का अध्ययन इतना आकर्षक इसलिए है कि वे केवल न्यूनतावादी कलाकार ही नहीं थे, बल्कि वास्तुकार और फर्नीचर डिज़ाइनर भी थे। ललित कला और अनुप्रयुक्त कला दोनों के समर्थक होने के कारण वे जिन विभिन्न क्षेत्रों में काम करते थे, उनमें अपने विचारों को एक साथ अभिव्यक्त कर सकते थे। कुछ मायनों में जुड बॉहॉस या आर्ट नोव्यू के आदर्शों का मूर्त रूप थे; इन दोनों ने एक ही विचार पर साथ काम कर रही सभी कलाओं की संयुक्त अभिव्यक्ति पर ज़ोर दिया था।

डोनाल्ड जुड - प्रोटोटाइप डेस्क, 1978। एलएसीएमए संग्रह। 2011 कलेक्टर्स कमेटी का उपहार। © म्यूज़ियम एसोसिएट्स/एलएसीएमए

जुड एक उत्साही लेखक और सिद्धांतकार भी थे, और ललित कला तथा अनुप्रयुक्त कला के बीच अंतर के बारे में उन्होंने कहा था: “कला के विन्यास और पैमाने को फर्नीचर और वास्तुकला में स्थानांतरित नहीं किया जा सकता। कला का उद्देश्य बाद वाली चीज़ों से अलग होता है, जिन्हें कार्यात्मक होना चाहिए। यदि कोई कुर्सी या इमारत कार्यात्मक नहीं है, यदि वह केवल कला जैसी दिखाई देती है, तो वह हास्यास्पद है...” उन्होंने जो अलग-अलग कार्य बनाए, उनमें यह दर्शन स्पष्ट दिखाई देता है।

डोनाल्ड जुड - शीर्षकरहित, 1971

रूप बनाम कार्य

अमूर्त कला और डिज़ाइन के बीच मूलभूत अंतर यह है कि अमूर्त कला, सभी ललित कलाओं की तरह, चिंतन के स्तर पर अनुभव की जाने वाली चीज़ है। यह बौद्धिक, संवेदनात्मक, प्रेरणादायक या सौंदर्य की दृष्टि से सुंदर हो सकती है। इसका उद्देश्य हमें सोचने, महसूस करने, विचार करने, विकसित होने और अपने अनुभवों के अर्थ पर आश्चर्य करने के लिए प्रेरित करना है। डिज़ाइन का कार्य बिल्कुल अलग है। यह उपभोक्ता उत्पादों की उपयोगिता या आनंद बढ़ाने का एक तरीका है। डिज़ाइन को कोई कार्य पूरा करना चाहिए, अन्यथा, जैसा कि जुड ने कहा, वह बेतुका है।

अमूर्त कला की प्रवृत्तियों, जैसे अमूर्त अभिव्यंजनावाद, ऑप आर्ट, नियोप्लास्टिसिज़्म और न्यूनतावाद, का फैशन डिज़ाइन से लेकर फर्नीचर डिज़ाइन, वास्तुकला और उससे आगे तक सभी अनुप्रयुक्त कलाओं पर जो गहरा प्रभाव पड़ा है, उसे बढ़ा-चढ़ाकर नहीं बताया जा सकता। और खुशी की बात है कि आज हम ऐसे समय में जी रहे हैं जब अमूर्त कला और डिज़ाइन दोनों के इतिहास तक शीघ्र पहुँच सकते हैं और स्वयं देख सकते हैं कि अमूर्त कला की सौंदर्य-दृष्टि और दर्शन ने डिज़ाइन की प्रवृत्तियों पर कितना गहरा प्रभाव डाला है।

दिलचस्प बात यह है कि हम ऐसे समय में भी जी रहे हैं जब इन प्रभावों को तुरंत घटित होते देख सकते हैं। कोई अमूर्त चित्रकार इंस्टाग्राम पर अपनी नई पेंटिंग की तस्वीर अपलोड कर सकता है और कुछ ही सेकंड बाद मिलान का कोई फैशन डिज़ाइनर उस तस्वीर को अपनी नई वसंत श्रृंखला की प्रेरणा के रूप में इस्तेमाल कर सकता है। या इसके विपरीत। कोई फैशन डिज़ाइनर नई पोशाक की तस्वीर अपलोड कर सकता है और उसका अमूर्त कलाकार पर गहरा संवेदनात्मक प्रभाव पड़ सकता है, जो फिर अमूर्त कला के नए क्षेत्रों में आगे बढ़ सकता है। आज हर चीज़ हर दूसरी चीज़ को प्रभावित कर सकती है, क्योंकि हमारी संस्कृति नए से मिलने के लिए खुशी-खुशी छलाँगें लगाते हुए आगे बढ़ रही है।

सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा 2016
IdeelArt द्वारा संपादित (2026)