हमने कॉन्स्टेंटिन ब्रांकुसी से क्या सीखा?
जब आप एक अमूर्त मूर्तिकार की कल्पना करते हैं, तो आपके मन में क्या आता है? क्या कोई ऐसा व्यक्ति जो खुरदुरे काम के कपड़े पहने हो, प्लास्टर के धब्बों से ढका हुआ? क्या कोई गंभीर, जिज्ञासु, और पूर्णता के प्रति जुनूनी? क्या कोई ऐसा व्यक्ति जो दृष्टिवान हो, आत्मविश्वास और विनम्रता से भरा हुआ? यह सब बहुत काव्यात्मक लग सकता है, जैसे एक कार्टून। लेकिन यह कॉनस्टेंटिन ब्रांकोसी का सही वर्णन करता है, जो आधुनिक अमूर्त मूर्तिकला के पिता हैं। बिना आकृति के स्थान में मात्रा को प्रकट करना आसान नहीं है। लेकिन जब ब्रांकोसी ने पहली बार ऐसा किया, तो यह लगभग अनसुना था। ब्रांकोसी ने तकनीकी और सौंदर्य संबंधी चिंताओं का मार्ग प्रशस्त किया, जिन्होंने आज हम जिस तरह से अमूर्त मूर्तिकला को समझते हैं, उसे आकार दिया। वह इस क्षेत्र की दार्शनिक नींव रखने में भी महत्वपूर्ण थे। पिछले एक सदी में अमूर्त मूर्तिकला ने जो दिशा अपनाई है और आज कला की दुनिया में इसका स्थान क्या है, इसे समझने के लिए, चलिए वापस चलते हैं और स्रोत की खोज करते हैं।
कॉनस्टेंटिन ब्रांकोसी की किंवदंती
एक परिपक्व कॉन्स्टेंटिन ब्रांकोसी की अधिकांश तस्वीरें एक तरह के जंगली आदमी को दिखाती हैं, जिसकी गहरी झुर्रियों वाली चेहरा, बेतरतीब बाल, लंबी दाढ़ी और एक भिखारी की तरह की वर्दी होती है। यह एक ऐसा व्यक्तित्व लग सकता है जिसे कलाकार की सार्वजनिक छवि के अनुकूल बनाने के लिए अपनाया गया हो, लेकिन ब्रांकोसी के मामले में यह रूप एक अभिनय नहीं था। कुछ अन्य प्रसिद्ध कलाकारों के पास उसकी धरती के नमक जैसी योग्यताएँ हैं। कॉन्स्टेंटिन ब्रांकोसी एक किसान परिवार में जन्मे थे, जो आधुनिक सर्बियाई सीमा से लगभग 50 मील दूर रोमानियाई ग्रामीण क्षेत्र में स्थित है। इस तथ्य के अलावा कि वह 7 साल की उम्र में भेड़ें चराते थे, उनके युवा जीवन की सटीक परिस्थितियाँ स्पष्ट नहीं हैं, लेकिन इतना कहना पर्याप्त है कि कुछ खुश बच्चे घर से भागते हैं। ब्रांकोसी कई बार भागे, अंततः केवल ग्यारह साल की उम्र में हमेशा के लिए भागने में सफल हुए।
वह 188 किमी की दूरी तय करके क्रायोवा शहर पहुँचा। एक अपेक्षाकृत बहुसांस्कृतिक स्थान और उस समय लगभग 40,000 लोगों का घर, क्रायोवा की अर्थव्यवस्था विनिर्माण और उद्योग पर आधारित थी। ब्रांकोसी ने अजीबोगरीब काम करके जीवन यापन किया, जिसमें भाग्य पढ़ना और एक कैफे में मेहमानों की सेवा करना शामिल था। अंततः, उसने लकड़ी के काम में कक्षाएँ लेना शुरू किया और फर्नीचर बनाने में नौकरी पाई। किंवदंती है कि 18 वर्ष की आयु में, उसने बचे हुए लकड़ी से एक वायलिन बनाया। वायलिन ने एक धनी संरक्षक को प्रभावित किया जिसने बाद में ब्रांकोसी की शिक्षा के लिए रोमानिया की राजधानी बुखारेस्ट में नेशनल स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में धन मुहैया कराया। स्कूल से सम्मान के साथ स्नातक होने के बाद, ब्रांकोसी, जो पहले एक भेड़पालक, बाल भागने वाला, सड़क पर रहने वाला और वायलिन बनाने वाला था, फिर से घर छोड़ दिया, कुछ रिपोर्टों के अनुसार, लगभग पूरे 2300 किमी की दूरी पैदल तय करते हुए बुखारेस्ट से ऑस्ट्रिया और जर्मनी होते हुए पेरिस तक पहुँचा।
वस्तुओं का सार
1904 में पेरिस पहुंचने पर, ब्रांकुसी आधुनिकतावाद के विचारों के तूफान के केंद्र में थे। उन्होंने शिल्प में अपनी पढ़ाई को उत्साहपूर्वक जारी रखा और कुछ वर्षों के भीतर वह उस युग के शीर्ष शिल्पकारों में से एक, ऑगस्टे रोडिन के स्टूडियो में सहायक के रूप में काम करने लगे। लेकिन रोडिन के लिए केवल एक महीने काम करने के बाद, ब्रांकुसी ने अपनी खुद की प्रैक्टिस पर ध्यान केंद्रित करने के लिए छोड़ दिया। 1907 में ब्रांकुसी द्वारा बनाई गई पहली शिल्पों में से एक, उन्होंने The Kiss नाम दिया, जो 1889 में बनाई गई रोडिन की प्रसिद्ध शिल्प के समान नाम पर एक स्पष्ट टिप्पणी थी। दोनों कार्यों की तुलना करने से ब्रांकुसी की दृष्टि और उनके संक्षिप्त मेंटर की दृष्टि के बीच विशाल अंतर स्पष्ट होता है।
स्पष्ट सौंदर्य विभाजन के अलावा, ब्रांकोसी और रोडिन के काम को अलग करने वाले अन्य गहरे अंतर थे। सबसे महत्वपूर्ण यह था कि प्रत्येक कलाकार ने विषय के असली चरित्र को व्यक्त करने का प्रयास कैसे किया। रोडिन अपने विषयों की मांसपेशियों को अधिक उजागर करने की प्रवृत्ति रखते थे ताकि उनके आंतरिक चरित्र की शक्ति और आत्मा को संप्रेषित किया जा सके। ब्रांकोसी ने अपने विषयों की आत्मा की खोज को एक अलग दिशा में ले जाते हुए, वास्तविक रूप को पूरी तरह से अस्वीकार कर दिया, एक अमूर्त रूप की खोज में जो वह “आंतरिक छिपी हुई वास्तविकता” कहकर संप्रेषित कर सके।
रोडिन और ब्रांकुसी के काम के बीच एक और मौलिक अंतर उनके निर्माण के तरीके में था। रोडिन ने अपने विशाल धातु के कामों को बनाने के लिए औद्योगिक पैमाने पर उत्पादन की एक विधि का आविष्कार किया था। उसने एक काम की शुरुआत मिट्टी में मूर्तिकला करके की, फिर अंतिम रूप को धातु में ढालने या संगमरमर से तराशने में मदद करने के लिए सहायक टीम को नियुक्त किया। उस प्रथा के सीधे विपरीत, ब्रांकुसी ने अपने स्कल्पचर को हाथ से बनाने का विकल्प चुना, उन्हें लकड़ी या पत्थर से खुद तराशा, या धातु से खुद ढाला। इस विधि की भौतिकता और ब्रांकुसी की मूर्तियों की अमूर्त उपस्थिति ने प्रारंभिक आधुनिकतावादी ध्यान को कलाकार के हाथ के महत्व और व्यक्तिगत कलात्मक दृष्टि की अभिव्यक्ति पर स्थापित करने में मदद की।
Rodin - The Kiss, circa 1882. Marble. 181.5 cm × 112.5 cm × 117 cm (71.5 in × 44.3 in × 46 in), © Musee Rodin (Left) and Brancusi - The Kiss, 1907, © Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris
सतह और चमक
अपने शिल्पों को हाथ से तराशने की अपनी प्रतिबद्धता के साथ, ब्रांकुसी ने उनकी सतहों की देखभाल करने में भी अत्यधिक ध्यान दिया, उन्हें हाथ से चिकना और चमकदार बनाते हुए जब तक कि वे पूरी तरह से चिकने और उच्च स्तर की चमक नहीं प्राप्त कर लेते। उनकी मूर्ति 'पोर्ट्रेट ऑफ मैडमॉसेल पोगनी' की आलोचकों द्वारा मजाक उड़ाया गया क्योंकि इसकी चिकनी, चमकदार बाहरी सतह को अंडे के समान बताया गया। प्रिंसेस एक्स, ब्रांकुसी के सबसे विवादास्पद कला कार्यों में से एक, उनके काम की सतह की गुणवत्ता के प्रति उनकी प्रतिबद्धता का एक उत्तम उदाहरण है। लगभग 1915 में बनाई गई, यह भविष्यवादी दिखने वाली कांस्य मूर्ति ने पेरिस में सैलोन डेस इंडिपेंडेंट्स में पूरी हलचल मचा दी।
प्रिंसेस एक्स के चारों ओर विवाद यह था कि न्यायाधीशों और दर्शकों का मानना था कि यह एक लिंग का प्रतिनिधित्व करने के लिए Intended था। ब्रांकुसी ने इस पढ़ाई को गलत बताया। बल्कि, उन्होंने जोर देकर कहा कि यह अत्यधिक पॉलिश की गई, दर्पण जैसी मूर्ति महिला रूप का एक अमूर्त संस्करण है, जो एक महिला के सिर, गर्दन और वक्ष का सुझाव देती है, उसका सिर नीचे झुका हुआ है ताकि वह अपने आप को दर्पण में देख सके। विवाद के बावजूद, इस कृति ने ब्रांकुसी की प्रतिष्ठित, अत्यधिक पॉलिश की गई सौंदर्यशास्त्र और "चीजों के सार" की उनकी अमूर्त खोज को परिभाषित करने में मदद की।
Constantin Brancusi - Princess X, 1915,Polished bronze; limestone block, 22 5/8 × 16 1/42 × 9 in, Philadelphia Museum of Art, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris
पशु प्रकृति
ब्रांकुसी का ध्यान अमूर्त विषय वस्तु और औपचारिक सामग्री गुणों पर 1920 के दशक में बनाए गए कई जानवरों की मूर्तियों में उच्चतम अभिव्यक्ति पाता है। उनके जानवरों के रूपों में सबसे प्रसिद्ध बर्ड इन स्पेस कहलाता था। यह एक रूप था जिसे उन्होंने कई वर्षों तक बार-बार दोहराया, यह वास्तव में एक वास्तविक पक्षी का प्रतिनिधित्व करने के लिए नहीं था, बल्कि यह एक पक्षी के पंख की याद दिलाने वाला था, और उड़ान के सार का सुझाव देने के लिए बनाया गया था।
ब्रांकुसी की एक और पशु मूर्ति, जिसका नाम मछली है, पहले दृष्ट glance में आकृतिमय प्रतीत होती है, क्योंकि शीर्ष तत्व मछली के आकार की नकल करता है। लेकिन यह रूप एक पतली स्लिवर में संकुचित है। और पतली धातु का रूप पूरे टुकड़े का केवल एक तत्व है। ब्रांकुसी ने इस मूर्ति को इस तरह बनाया कि यह टुकड़ा अपने स्वयं के आधार के रूप में कार्य करे। प्लेटफॉर्म पर बैठने के बजाय, मछली स्वयं को सहारा देती है। इसलिए, इसके पूरे रूप के संदर्भ में देखा जाए, तो मछली अधिक प्रतीकात्मक बन जाती है। मछली के आकार का धातु तत्व एक दर्पणयुक्त प्लेट पर बैठता है, जो एक नक्काशीदार लकड़ी के रूप पर rests है जो एक प्याले के समान है। प्याले के दिल में एक उद्घाटन है जो अंडे की याद दिलाता है। एक संपूर्ण के रूप में, प्लेट पर एक प्याले के शीर्ष पर wafer पतला रूप एक साम्य सेवा को उजागर करता है, जो ईसाई पौराणिक कथाओं के लिए लगभग स्पष्ट संदर्भ है।
Constantin Brancusi - Bird in Space, Marble, 56 3/4 x 6 1/2 in (Left) and Fish, Bronze, metal and wood, 934 x 502 x 502 mm (Right), © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris
आधार तत्व
इसके पायनियरिंग आधुनिकतावादी मिथकीय संदर्भों को अपनाने के अलावा, ब्रांकोसी की मछली, और उसी vein में बनाई गई कई अन्य मूर्तियाँ, इस विचार का नेतृत्व करती हैं कि एक मूर्ति और इसका समर्थन करने का तरीका एक एकीकृत संपूर्ण हो सकता है। एक आत्म-निहित मूर्तिकला संपूर्णता का विचार प्रदर्शनी की संभावनाओं की एक नई दुनिया खोलता है, जो मूर्तिकला के कार्यों को एक पूरी तरह से नए तरीके से स्थानों में निवास करने की अनुमति देता है, न कि एक वस्तु के रूप में जो एक स्थान के भीतर प्रदर्शित होती है, बल्कि एक वस्तु के रूप में जो स्थान में भाग ले रही है, इसे संदर्भित और यहां तक कि दर्शकों के लिए परिभाषित कर रही है। ब्रांकोसी की मूर्ति जादूगरनी, जो 1920 में बनाई गई थी, न केवल आत्म-समर्थित है, बल्कि इसका आधार एक अतिरिक्त कथा तत्व प्रस्तुत करता है, जो एक वेदी का आह्वान करता है जो एक जादूगरनी के स्पष्ट रूप को समर्थन देता है।
Constantin Brancusi - The Sorceress, 1920,© Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris
ब्रांकुसी का समकालीन प्रभाव
अपने विचारों को उनके निष्कर्षों तक पहुँचाते हुए, ब्रांकुसी ने सतह और भौतिकता की एक सौंदर्यशास्त्र बनाई जो मिनिमलिज्म जैसी दूर की आंदोलनों को प्रभावित किया। उनकी प्राकृतिक रूप से उकेरी गई कलाकृतियाँ जैविक शैली के कुछ सबसे प्रारंभिक उदाहरण थे जिसे बारबरा हेपवर्थ जैसे कलाकारों ने अपनाया। आधुनिकता, मिथक और प्राचीनता का उनका मिश्रण नियो-प्रिमिटिव आंदोलनों का पूर्ववर्ती था जैसे लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन और एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म।
लेकिन अमूर्तता के क्षेत्र में एक सौंदर्यशास्त्र के अग्रदूत होने के अलावा, ब्रांकुसी मानसिकता में एक नेता थे। उन्होंने अपने विचारों में विश्वास किया। ब्रांकुसी के सबसे प्रसिद्ध छात्र, इसामु नोगुची पर विचार करें। ब्रांकुसी से मिलने से पहले, नोगुची को उनके पूर्व शिक्षक, आकृतिवादी मूर्तिकार गुटज़ोन बोरग्लम द्वारा मजाक बनाया गया था, जो माउंट रशमोर के निर्माता के रूप में प्रसिद्ध हैं। बोरग्लम ने कहा कि नोगुची में कोई प्रतिभा नहीं है। वर्षों बाद, पेरिस में यात्रा करते समय, नोगुची ने ब्रांकुसी के सहायक के रूप में एक पद ग्रहण किया। वहाँ, उन्हें वह प्रोत्साहन मिला जिसने उन्हें एक आधुनिकतावादी मास्टर के रूप में अपनी यात्रा के लिए प्रेरित किया। यह ब्रांकुसी का आधुनिकतावादी मूर्तिकला के इतिहास पर सबसे महत्वपूर्ण प्रभाव था: एक कलाकार की व्यक्तिगत दृष्टि की शक्ति और संभावनाओं के प्रति उनकी तीव्र प्रतिबद्धता।
विशेष छवि: कॉनस्टेंटिन ब्रांकोसी - मडेमोसेल पोगनी का चित्र, 1912, © आर्ट रिसोर्स, NY / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), NY / ADAGP, पेरिस
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
