लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन की परिभाषा

लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन एक ऐसा शब्द है जो अपने आप में स्पष्ट प्रतीत होता है, और फिर भी इसके उद्भव और अर्थ पर पीढ़ियों से बहस होती रही है। अमेरिकी कला संग्रहकर्ता लैरी आल्ड्रिच ने 1969 में इस शब्द का उपयोग उन विभिन्न कार्यों की प्रकृति को परिभाषित करने के लिए किया जो उन्होंने हाल ही में संग्रहित किए थे और जिन्हें उन्होंने व्यक्तिगत अभिव्यक्ति और प्रयोग के लिए एक वापसी के रूप में देखा, जो मिनिमलिज़्म के बाद आया। लेकिन फ्रांसीसी कला आलोचक जीन जोसे मार्चेंड ने इस शब्द के एक भिन्न रूप, एब्स्ट्रैक्शन लिरिक, का उपयोग दशकों पहले, 1947 में, अमेरिका में एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म के समान एक उभरते यूरोपीय प्रवृत्ति का संदर्भ देने के लिए किया। इस शब्द के दोनों उपयोगों ने उस कला का उल्लेख किया जो स्वतंत्र, भावनात्मक, व्यक्तिगत रचनाओं द्वारा विशेषता रखती थी जो वस्तुगत वास्तविकता से अप्रासंगिक थीं। लेकिन उन प्रवृत्तियों को 20वीं सदी के पहले दशक तक, कम से कम वासिली कंदिंस्की के काम तक, और भी पीछे ले जाया जा सकता है। लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन की सच्ची जड़ों और अर्थ को उजागर करने के लिए, और कला में इसकी प्रवृत्तियों के साथ बातचीत करने के तरीके को समझने के लिए, हमें अमूर्त कला के पहले दिनों की ओर देखना होगा।

लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन में लिरिकल डालना

1910 के दशक में, कई अलग-अलग कलाकारों के समूह अमूर्तता के साथ छेड़खानी कर रहे थे, प्रत्येक एक अद्वितीय दृष्टिकोण से। क्यूबिस्ट और भविष्यवादी कलाकार वास्तविक दुनिया की छवियों के साथ काम कर रहे थे और उन्हें अमूर्त विचारों को व्यक्त करने के लिए वैचारिक तरीकों से बदल रहे थे। सुप्रीमेटिस्ट और निर्माणवादी कलाकार अपने कला में पहचाने जाने योग्य रूपों के साथ काम कर रहे थे, लेकिन उन्हें अस्पष्ट या प्रतीकात्मक तरीकों से, या एक तरीके से उपयोग कर रहे थे जो सार्वभौमिकताओं को व्यक्त करने का प्रयास करता था। लेकिन एक और कलाकारों का समूह बाकी से पूरी तरह से अलग दृष्टिकोण से अमूर्तता का सामना कर रहा था।

वासिली कंदिंस्की द्वारा प्रतीकात्मक, यह समूह अमूर्तता के दृष्टिकोण से आया कि उन्हें यह नहीं पता था कि उन्होंने जो चित्रित किया उसमें क्या अर्थ हो सकता है। उन्होंने आशा की कि बस स्वतंत्र रूप से चित्रित करके, बिना किसी पूर्वाग्रहित सौंदर्यशास्त्र या वस्तुगत दुनिया के विचारों के, कुछ अज्ञात उनके काम के माध्यम से व्यक्त किया जा सकेगा। कंदिंस्की ने अपनी पेंटिंग्स की तुलना संगीत रचनाओं से की, जो पूरी तरह से अमूर्त तरीके से भावना संप्रेषित करती थीं। उनकी अमूर्त पेंटिंग्स कल्पनाशील, भावनात्मक, अभिव्यक्तिपूर्ण, व्यक्तिगत, उत्साही और पूरी तरह से व्यक्तिपरक थीं; दूसरे शब्दों में, गीतात्मक।

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

युद्ध के बाद की गीतात्मक अमूर्तता

कांडीस्की की लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन 1920 और 30 के दशक की अन्य एब्स्ट्रैक्ट कला प्रवृत्तियों के साथ विपरीत थी। उसकी कला किसी विशेष धर्म से जुड़ी नहीं थी, लेकिन इसमें कुछ स्पष्ट रूप से आध्यात्मिक था। अन्य कलाकार जो डि स्टिज़ल, आर्ट कॉन्क्रेट और स्यूरियलिज़्म जैसे शैलियों से जुड़े थे, वे ऐसी कला बना रहे थे जो धर्मनिरपेक्ष थी और जो वस्तुनिष्ठ, शैक्षणिक व्याख्या के लिए उपयुक्त थी। कांडीस्की कुछ ऐसा खोज रहे थे जिसे कभी पूरी तरह से परिभाषित या समझाया नहीं जा सकता। वह ब्रह्मांड के रहस्यों के साथ अपने व्यक्तिगत संबंध को एक खुले तरीके से व्यक्त कर रहे थे। ऐसा लग रहा था जैसे उन्होंने एक प्रकार के आध्यात्मिक अस्तित्ववाद का आविष्कार किया।

अस्तित्ववाद एक दर्शन था जो द्वितीय विश्व युद्ध के बाद प्रमुखता में आया, जब लोग उस अर्थहीनता को समझने के लिए संघर्ष कर रहे थे जिसे वे जीवन में देख रहे थे। आलोचनात्मक विचारक यह विश्वास नहीं कर सकते थे कि कोई उच्च शक्ति हो सकती है जो उस प्रकार के विनाश की अनुमति देगी जिसे उन्होंने अभी देखा था। लेकिन भगवान की स्पष्ट अनुपस्थिति में निराशावादी बनने के बजाय, अस्तित्ववादियों ने व्यक्तिगत अर्थ की खोज करके जीवन की व्यापक अर्थहीनता के माध्यम से काम करने का प्रयास किया। जैसे कि अस्तित्ववादी लेखक जीन-पॉल सार्त्र ने 1943 में अपनी पुस्तक Being and Nothingness में लिखा, "मनुष्य स्वतंत्र होने के लिए अभिशप्त है; वह जो कुछ भी करता है उसके लिए जिम्मेदार है।" जो कुछ मूल रूप से व्यक्तिगत है उसकी खोज अस्तित्ववाद के लिए महत्वपूर्ण थी, और द्वितीय विश्व युद्ध के बाद लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन के व्यापक पुनरुत्थान के लिए भी।

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

किसी अन्य नाम से

1940 और 50 के दशक में, कई अमूर्त कला आंदोलनों का उदय हुआ जो किसी न किसी रूप में व्यक्तिगत अभिव्यक्ति को कला में अर्थ व्यक्त करने के लिए आधार के रूप में शामिल करते थे। Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract Expressionism, Color Field कला, और यहां तक कि वैचारिक और प्रदर्शन कला सभी, किसी न किसी हद तक, उसी सामान्य अस्तित्वगत खोज की ओर इशारा कर सकते हैं। इस समय के सबसे प्रभावशाली कला आलोचकों में से एक, हैरोल्ड रोसेनबर्ग, ने इसे समझा जब उन्होंने लिखा, "आज, प्रत्येक कलाकार को अपने आप को आविष्कार करने का प्रयास करना चाहिए... हमारे समय में कला का अर्थ इस आत्म-निर्माण के कार्य से बहता है।"

लेकिन जैसे-जैसे संस्कृति अगली पीढ़ी के साथ बदली, कला में कई ऐसे अस्तित्ववादी प्रवृत्तियाँ अप्रचलित हो गईं। और एक बार फिर, एक निस्वार्थ, ठोस, ज्यामितीय दृष्टिकोण ने अमूर्त कला में, जिसे मिनिमलिज़्म ने परिभाषित किया, उनकी जगह ले ली। लेकिन सभी कलाकारों ने गीतात्मक परंपरा को छोड़ नहीं दिया। 1960 के दशक के अंत तक, एक बार फिर से लहर पलट गई। जैसा कि लैरी ऑल्ड्रिच ने 1969 में "गीतात्मक अमूर्तता" शब्द को फिर से गढ़ते हुए बताया, "पिछले सीजन की शुरुआत में, यह स्पष्ट हो गया कि चित्रकला में ज्यामितीय, कठोर किनारे और न्यूनतम से अधिक गीतात्मक, संवेदनशील, रोमांटिक अमूर्तताओं की ओर एक आंदोलन हो रहा था, जिनमें रंग अधिक नरम और जीवंत थे... इस प्रकार की चित्रकला में कलाकार का स्पर्श हमेशा दिखाई देता है, भले ही चित्र स्प्रे गन, स्पंज या अन्य वस्तुओं से बनाए गए हों।"

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

समकालीन गीतात्मक अमूर्तता

यह स्पष्ट है कि, जैसा कि कला में आंदोलनों के साथ अक्सर होता है, लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन को परिभाषित करने वाली प्रवृत्तियाँ इस शब्द के निर्माण से पहले की थीं। 20वीं सदी के पहले दशकों में वासिली कंदिंस्की, अल्बर्टो जियाकोमेत्ती, जीन फॉत्रिए, पॉल क्ले और वोल्स जैसे कलाकारों ने पहले एब्स्ट्रैक्शन में लिरिकल प्रवृत्तियों को व्यक्त किया। और दशकों बाद जॉर्ज मैथ्यू, जीन-पॉल रियोपेल, पियरे सोलाज और जोआन मिशेल जैसे कलाकारों ने उन्हें आगे बढ़ाया। फिर 1960 और 70 के दशक में, हेलेन फ्रैंकेंथलर, जूल्स ओलिट्सकी, मार्क रोथको और दर्जनों अन्य कलाकारों ने इस स्थिति की प्रासंगिकता को पुनर्जीवित और विस्तारित किया।

2015 में, समकालीन लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन की सबसे आकर्षक आवाजों में से एक, स्पेनिश कलाकार लॉरेंट जिमेनेज़-बालागुएर का निधन हो गया। लेकिन इसके सिद्धांत, विचार और तकनीकें आज भी ऐसे कलाकारों के काम में शक्तिशाली तरीकों से प्रकट होती हैं जैसे कि Margaret Neill, जिनकी सहज रचनाएँ लिरिकल, intertwined रेखाओं की हैं जो दर्शक को व्यक्तिगत अर्थ की एक विषयगत भागीदारी में आमंत्रित करती हैं, और Ellen Priest, जिनका काम उनके जीवन भर और चल रहे, व्यक्तिगत सौंदर्यात्मक संवाद को जैज़ संगीत के साथ जीवंत करता है। इन सभी कलाकारों को एक सामान्य बंधन में बांधने वाली बात लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन की मौलिक खोज है: कुछ व्यक्तिगत, विषयगत और भावनात्मक को व्यक्त करना, और इसे एक काव्यात्मक, अमूर्त तरीके से करना।

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

विशेष छवि: मार्गरेट नील - स्विचबैक (विवरण)।
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा