Astrazione e l'uso di diversi tipi di linea nell'arte

La linea è uno degli elementi formali dell'arte. Insieme ad elementi come colore, forma, trama e spazio, è qualcosa di estetico da contemplare a parte i componenti soggettivi e interpretativi di un'opera d'arte. Discutere della linea nell'arte è più o meno equivalente a discutere dell'aroma nel vino o del sapore nel cibo. È una parte di un'esperienza estetica più ampia. Oggettivamente, i pittori usano la linea per delineare le forme e creare prospettiva, tra le altre cose. Ma esiste anche una teoria che suggerisce che diversi stati emotivi possano essere ispirati da diversi tipi di linee nell'arte. Per esempio, una linea orizzontale dovrebbe trasmettere riposo, poiché imita la posizione di un corpo a riposo; una linea verticale dovrebbe trasmettere spiritualità, perché suggerisce altezza; linee orizzontali e verticali miste dovrebbero trasmettere stabilità; linee diagonali dovrebbero trasmettere movimento; e linee curve dovrebbero trasmettere umanità e sensualità. Non si sa se gli spettatori tipici, non guidati, provino effettivamente tali sensazioni guardando un dipinto; soprattutto perché il soggetto può influenzare i messaggi che si suppone vengano comunicati dalle linee. Ma forse osservando come vari pittori astratti hanno usato la linea nel corso degli anni possiamo scoprire se esistono davvero verità profonde che collegano lo stato emotivo degli spettatori e l'estetica della linea nell'arte.

Spiritualità e Linea

Oltre a essere uno dei primi pittori occidentali a perseguire una forma di pittura completamente non rappresentativa, l'artista russo Wassily Kandinsky era profondamente interessato a trasmettere spiritualità attraverso la sua arte. Nel 1912 pubblicò un libro intitolato Concerning the Spiritual in Art. In esso, discusse il suo desiderio di raggiungere attraverso l'arte visiva ciò che la musica aveva già raggiunto attraverso il suono: la comunicazione di universalità attraverso un linguaggio estetico astratto.

Nel 1926, dopo aver ampiamente testato le sue teorie estetiche, Kandinsky pubblicò un altro libro intitolato Point and Line to Plane. Questo trattato affermava definitivamente la sua convinzione nell'impatto emotivo della linea nell'arte. I dipinti che creò in quel periodo possono essere letti come dimostrazioni delle sue teorie. Usano la linea formalmente per delineare forme, creare forme dimensionali e creare prospettiva, e anche per ispirare un effetto emotivo. Un esempio iconico è il dipinto Composizione VIII, ammirato per il suo senso di armonia e equilibrio compositivo. In esso, linee orizzontali e verticali incrociate nella parte inferiore forniscono una base stabile per la composizione. Molte linee diagonali creano movimento verso un punto di fuga in alto a destra. E le linee curve introducono una presenza vivace e biologica in continuo mutamento.

Wassily Kandinsky - Composizione VIII, 1923. Olio su tela. 140,3 x 200,7 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Collezione Fondativa Solomon R. Guggenheim. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Parigi

Forze Opposte

Sebbene la sua filosofia fosse molto diversa da quella di Kandinsky, il pittore olandese Piet Mondrian credeva anch'egli nel potere comunicativo della linea. Credeva di poter ridurre il linguaggio della pittura ai suoi elementi più essenziali. Ridusse gradualmente i suoi strumenti visivi fino ad arrivare a uno stile che utilizzava solo linee orizzontali e verticali e una tavolozza di colori severamente limitata. Attraverso questo stile austero, sentiva di poter comunicare la verità spirituale sottostante dell'universo.

Mondrian rifiutava le linee diagonali perché voleva evitare la prospettiva per ottenere un piano pittorico completamente piatto. E rifiutava le curve perché voleva comunicare qualcosa di puro e universale. Credeva che solo le linee orizzontali e verticali, usate insieme, rappresentassero le forze pure, essenziali e opposte dell'universo, come la mascolinità e la femminilità, la positività e la negatività, e la quiete e il movimento.

Piet Mondrian - Composizione n. III, con rosso, blu, giallo e nero, 1929. Olio su tela. 50 × 50,2 cm. Collezione privata

Il Perfetto Imperfetto

La pittrice canadese Agnes Martin adottò un approccio estetico che condivideva molte somiglianze con quello di Piet Mondrian. Ma Martin era considerata molto più espressiva ed emotiva di Mondrian. Entrambi i pittori si concentravano quasi esclusivamente su una combinazione di linee orizzontali e verticali. Ma Martin dipingeva griglie disegnate a mano che rivelano il suo tocco umano. Anche nella loro apparente precisione, contengono imperfezioni sottili e minute.

Queste imperfezioni assumono la stessa funzione di una linea curva, trasmettendo qualcosa di organico e essenzialmente umano. Sebbene il suo lavoro sia forse più emotivo, come rivelano i suoi titoli, come Friendship, Happiness-Glee, e Beautiful Life, lei, come Mondrian, credeva nel potere delle linee orizzontali e verticali di esprimere qualcosa di armonioso e universale.

Agnes Martin - Friendship, 1963. Foglia d'oro e olio su tela. 190,5 x 190,5 cm. Dono di Celeste e Armand P. Bartos. Collezione MoMA. © 2019 Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Colore e Curve

L'opera del pittore americano Cy Twombly deriva il suo aspetto iconico da un linguaggio visivo basato quasi interamente su colore e linea. I suoi dipinti sono astratti, comunicano sentimenti intensi attraverso la loro tavolozza semplificata e l'energia e l'intensità dei loro scarabocchi. Le loro linee sono per lo più di natura glifica, cioè la loro natura curva e sensuale somiglia a una sorta di scrittura primitiva.

Oltre alle linee glifiche, linee verticali riempiono anche le sue immagini. Ma invece di essere disegnate, le linee verticali sono state create da gocce formate quando il suo pennello premeva contro la superficie. Le verticali danno alle forme curve e glifiche la sensazione di elevarsi. Il suo dipinto Bacchus manifesta perfettamente questo fenomeno, poiché le sue curve sensuali evocano un senso di trascendenza sostenuto dalle gocce verticali.

Cy Twombly - Senza titolo (Bacchus), 2005. Acrilico su tela. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Linea e Illusione

La linea è un componente vitale del lavoro degli Artisti Ottici. E i dipinti di Bridget Riley non solo usano la linea per evocare una risposta emotiva negli spettatori. Usano anche la linea per creare una risposta fisica. Le opere che Riley realizzò negli anni Sessanta erano spesso dette far sentire gli spettatori male, come se avessero vertigini e nausea dalla sensazione di movimento creata dai dipinti.

Nel suo dipinto del 1966 Descending, Riley crea un senso di altezza con forti linee verticali, oltre a un senso di prospettiva e movimento con file ripetute di diagonali. Inoltre, crea un senso di morbidezza sensuale dalla collocazione strategica di curve implicite nelle linee verticali. La mancanza di linee orizzontali contribuisce infatti alla sensazione generale che tutto sia fuori equilibrio.

Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsione su pannello. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Voci Contemporanee della Linea

Molti pittori contemporanei esplorano il potere comunicativo della linea nell'arte. Il pittore brasiliano Christian Rosa usa un linguaggio idiosincratico e scarno di linee che condivide molto con l'opera di Wassily Kandinsky. La pittrice astratta americana Margaret Neill crea composizioni lineari curve, sensuali e intuitive che dialogano armoniosamente con l'opera di Cy Twombly. Il pittore olandese José Heerkens usa linee orizzontali e verticali insieme al colore per l'esplorazione dello spazio. E l'artista franco-americano Peter Soriano usa la linea in modi che fondono sensibilità grafiche con qualcosa di metafisico ed etereo.

Oltre a quelli menzionati, decine di altri artisti astratti nel secolo passato hanno esplorato il potere della linea di trasmettere significato e ispirare una risposta emotiva. Non c'è modo di dimostrare se abbiano raggiunto un successo universale. Ma non c'è dubbio che gli elementi estetici formali dell'arte siano almeno capaci di suscitare risposte emotive. E considerati insieme, le opere di questi artisti astratti che abbiamo menzionato presentano argomentazioni convincenti sul potere comunicativo della linea.

Immagine in evidenza: Christian Rosa - Endless refill (dettaglio), 2013, vernice spray, matita, nastro, pastello a olio e olio su tela, 180 x 200 cm
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio