La gioia dell'arte astratta colorata alla Mnuchin Gallery

La Mnuchin Gallery di New York sta attualmente mostrando The Joy of Color, una mostra collettiva celebrativa di arte astratta colorata che va dal 1939 al 2018. L'esposizione offre uno sguardo unico sulle molteplici modalità con cui gli artisti mobilitano il colore sia come contenuto che come concetto. Presenta opere di molti degli artisti storicamente importanti che la galleria rappresenta, come Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis e Sam Gilliam, insieme a quelle di artisti pionieristici del XX secolo come Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland e Jack Bush. Sono incluse anche opere di artisti contemporanei vitali come Laura Owens e Sean Scully e di nuovi arrivati come Sarah Crowner e Nathlie Provosty. Per alcuni newyorkesi, questa mostra potrebbe rappresentare l'opportunità perfetta per tornare nello spazio Mnuchin. Nel 2016, il critico d'arte della rivista New York Jerry Saltz pubblicò un sfogo intitolato “Perché non andrò più alla Mnuchin Gallery.” Citò Steven Mnuchin—figlio del proprietario della galleria Robert Mnuchin—essere stato nominato Capo della Finanza della Campagna per il candidato presidenziale Donald Trump come sua motivazione. Da quando quel pezzo è apparso, Steven Mnuchin è stato nominato Segretario del Tesoro degli Stati Uniti. Per motivi che non hanno nulla a che fare con l'arte e tutto a che fare con l'ideologia, Saltz ha incoraggiato i suoi lettori a punire il padre venditore d'arte per i presunti peccati politici del figlio. Tale dramma fabbricato è ridicolo, ma tuttavia, chiunque abbia ceduto alla pressione sociale creata dovrebbe considerare The Joy of Color come la scusa perfetta per dare alla galleria una nuova possibilità. L'esposizione è più simile a una passeggiata attraverso la sezione moderna e contemporanea di un piccolo ma importante museo che a una passeggiata attraverso una galleria commerciale. Il lavoro dimostra esattamente come l'arte astratta al suo meglio abbia la capacità di trascendere le piccole politiche e aprire nuove porte di percezione a ciò che è bello e significativo in questo mondo.

Il colore come strategia

La Gioia del Colore si apre con un umile mobile di Calder appeso al soffitto vicino a una scala. Forme astratte rosse, gialle, bianche e grigie ruotano dolcemente nelle brezze generate dai nostri corpi e dal nostro respiro. Calder usava il colore per far riflettere le persone su “l'idea di corpi distaccati che fluttuano nello spazio.” Queste forme colorate e fantasiose offrono qualcosa di piacevole da contemplare mentre si riflette su questioni universali come la fisica e la meccanica. Oltre al mobile, due piccole opere d'arte fiancheggiano ciascun lato di un arco. A sinistra c'è “Lode” (2018) di Nathlie Provosty. A destra c'è un campo di colore senza titolo di Mark Rothko, ca. 1959. Entrambe le composizioni sono strutturate, piatte e rettangolari. Entrambe utilizzano sottili variazioni di colore per invitare lo spettatore a un'esperienza contemplativa. Il colore non è contenuto qui tanto quanto è un punto d'ingresso in incontri percettivi con il nostro essere interiore. Il dipinto di Provosty in particolare, con le sue sottili variazioni di giallo, espone differenze sfumate tra cose apparentemente simili—solo generalizzando possiamo chiamarlo un monocromo. Ogni giallo non è lo stesso.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olio su lino su pannello di alluminio. 19 x 15 pollici (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Cortesia Mnuchin Gallery

Altre opere in mostra che utilizzano il colore come strategia per coinvolgere altri tipi di contenuto includono “Aleph Series V” (1960) di Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) di Sean Scully, un dipinto senza titolo di Laura Owens del 2006, e una tela senza titolo di Joan Mitchell del 1958. Il dipinto di Louis attira i nostri occhi con relazioni di colore vibranti attorno al suo bordo, ma mentre i colori si fondono nell'oscurità al centro, diventiamo più consapevoli della superficie: la tela non preparata diventa una cosa sola con la vernice proprio come i colori e le forme diventano una cosa sola tra di loro—tutto si fonde in uno. Il dipinto di Scully utilizza il colore per coinvolgerci in una considerazione delle pennellate e delle texture, un invito ad apprezzare le qualità materiali della vernice. Il dipinto di Owens impiega il colore come un attivatore emotivo. La sua palette giubilante rispecchia gli aspetti figurativi dell'opera, che trovano piacere nella femminilità, nell'apertura e nella natura. Infine, i segni di pennello tumultuosi sulla tela di Mitchell ci mostrano come il colore possa diventare sinonimo di umore, esprimendo l'angoscia più profonda dello spirito umano.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olio su alluminio. 85 x 75 pollici (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Cortesia Mnuchin Gallery

Il colore come spazio

Molti dipinti in The Joy of Color impiegano il colore in un senso più formale, mostrando il colore come un efficace creatore e delineatore dello spazio visivo. "Nature’s Red Impressions" (1968) di Alma Thomas offre un'epica elucidazione di questo concetto. Da lontano, i colori dichiarano una struttura lineare, dividendo l'architettura visiva in barre verticali. A un esame più attento, le colonne si fratturano in una moltitudine di forme organiche. Lo spazio bianco tra le forme e le colonne si afferma come un mondo oltre la superficie. Una magia simile è in atto in "Strawberry" (1970) di Jack Bush. Una massiccia forma a "U" di colore rosato riecheggia con la sua tonalità il titolo del dipinto, mentre uno sfondo rosa più chiaro punteggiato di macchie scure stabilisce la dimensionalità. Una barra di colore complementare lungo il fondo della tela appiattisce lo spazio e inganna l'occhio facendogli percepire una combinazione di linea dell'orizzonte e una parata cinetica di forme geometriche.

Alma Thomas - Impressioni Rosse della Natura, 1968. Acrilico su tela. 51 x 49 1/2 pollici (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Cortesia della Mnuchin Gallery

Tra le composizioni spaziali più accattivanti della mostra ci sono “Elberta” (1975) di Helen Frankenthaler, “Mysteries: Aglow” (2002) di Kenneth Noland e “The Wave (Urszula)” (2014) di Sarah Crowner. Frankenthaler crea una vasta apertura nella sua pittura a macchie, aprendo l'occhio a un universo visivo espansivo e luminoso; Noland ottiene l'effetto opposto, semplificando e centralizzando lo spazio con la sua composizione a bersaglio familiare; Crowner organizza lo spazio in una dissonanza armoniosa con forme ondulate vibranti e biomorfiche di rosso e arancione. Eppure, la creazione di spazio più profonda è offerta da “Atmosphere” (1972) di Sam Gilliam. La sua tecnica distintiva di smussare i bordi della sua superficie consente ai colori di creare uno spazio oltre i confini fisici dell'opera. Il dipinto ci invita a chiederci cosa ci sia oltre i limiti di ciò che possiamo vedere—una preoccupazione vitale per noi in quest'epoca, e una che forse anche il signor Saltz potrebbe voler considerare visitando la galleria. The Joy of Color è in mostra fino all'8 dicembre 2018.

Immagine in evidenza: La Gioia del Colore - esposizione collettiva alla Mnuchin Gallery, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Cortesia della Mnuchin Gallery
Di Phillip Park