La gioia dell'arte astratta colorata alla Mnuchin Gallery
La Galleria Mnuchin di New York sta attualmente presentando La Gioia del Colore, una mostra collettiva celebrativa di arte astratta colorata che va dal 1939 al 2018. La mostra offre uno sguardo unico sulla moltitudine di modi in cui gli artisti utilizzano il colore sia come contenuto sia come concetto. Presenta opere di molti degli artisti storicamente importanti rappresentati dalla galleria, come Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis e Sam Gilliam, accanto a quelle di artisti pionieri del XX secolo come Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland e Jack Bush. Sono incluse anche pitture di artisti contemporanei vitali come Laura Owens e Sean Scully e di nuovi arrivati come Sarah Crowner e Nathlie Provosty. Per alcuni newyorkesi, questa mostra potrebbe rappresentare l’occasione perfetta per tornare nello spazio Mnuchin. Nel 2016, il critico d’arte del New York magazine Jerry Saltz pubblicò un sfogo intitolato “Perché non vado più alla Galleria Mnuchin”. Citava Steven Mnuchin—figlio del proprietario della galleria Robert Mnuchin—nominato capo della Finanza della Campagna per l’allora candidato presidenziale Donald Trump come motivo. Da quando quell’articolo è apparso, Steven Mnuchin è stato nominato Segretario del Tesoro degli Stati Uniti. Per ragioni che non hanno nulla a che fare con l’arte, ma tutto con l’ideologia, Saltz ha incoraggiato i suoi lettori a punire il padre venditore d’arte per i presunti peccati politici del figlio. Tale dramma inventato è ridicolo, ma comunque chiunque abbia ceduto alla pressione sociale dovrebbe considerare La Gioia del Colore la scusa perfetta per dare alla galleria una nuova possibilità. La mostra somiglia più a una passeggiata nella sezione moderna e contemporanea di un piccolo ma importante museo che a una visita in una galleria commerciale. Le opere dimostrano esattamente come l’arte astratta al suo meglio abbia la capacità di trascendere le piccole politiche e aprire nuove porte di percezione a ciò che è bello e significativo in questo mondo.
Il colore come strategia
La Gioia del Colore si apre con un umile mobile di Calder appeso al soffitto vicino a una scala. Forme astratte rosse, gialle, bianche e grigie volteggiano dolcemente nelle brezze create dai nostri corpi e dal respiro. Calder usava il colore per far riflettere le persone sull’“idea di corpi distaccati che fluttuano nello spazio.” Queste forme colorate e giocose offrono qualcosa da godere mentre si contemplano questioni universali come la fisica e la meccanica. Oltre al mobile, due piccoli dipinti fiancheggiano i lati di un arco. A sinistra c’è “Lode” (2018) di Nathlie Provosty. A destra un campo di colore senza titolo di Mark Rothko, ca. 1959. Entrambe le composizioni sono strutturate, piatte e rettangolari. Entrambe usano sottili variazioni di colore per invitare lo spettatore a un’esperienza contemplativa. Qui il colore non è tanto contenuto quanto un punto d’ingresso in incontri percettivi con il nostro essere interiore. Il dipinto di Provosty in particolare, con le sue sottili variazioni di giallo, mette in luce differenze sfumate tra cose apparentemente simili—solo generalizzando possiamo chiamarlo monocromo. Ogni giallo non è uguale.
Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olio su lino su pannello di alluminio. 48,3 x 38,1 cm (19 x 15 pollici). © Nathlie Provosty. Cortesia Mnuchin Gallery
Altri dipinti nella mostra che usano il colore come strategia per coinvolgere altri tipi di contenuto includono “Aleph Series V” (1960) di Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) di Sean Scully, un dipinto senza titolo di Laura Owens del 2006, e una tela senza titolo di Joan Mitchell del 1958. Il dipinto di Louis attira i nostri occhi con relazioni vibranti di colore lungo il bordo, ma man mano che i colori si fondono nell’oscurità al centro diventiamo più consapevoli della superficie: la tela non preparata diventa una con la pittura proprio come i colori e le forme diventano una con l’altra—tutto si fonde in uno. Il dipinto di Scully usa il colore per coinvolgerci in una considerazione delle pennellate e delle texture, un invito ad apprezzare le qualità materiali della pittura. Il dipinto di Owens impiega il colore come stimolo emotivo. La sua tavolozza gioiosa rispecchia gli aspetti figurativi dell’opera, che prendono piacere nella femminilità, nell’apertura e nella natura. Infine, le tumultuose pennellate sulla tela di Mitchell ci mostrano come il colore possa diventare sinonimo di umore, esprimendo l’angoscia più profonda dello spirito umano.
Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olio su alluminio. 215,9 x 190,5 cm (85 x 75 pollici). © Sean Scully. Cortesia Mnuchin Gallery
Il colore come spazio
Molti dipinti in La Gioia del Colore impiegano il colore in senso più formale, mostrando il colore come efficace creatore e delimitatore dello spazio visivo. “Nature’s Red Impressions” (1968) di Alma Thomas offre un’epica spiegazione di questo concetto. Da lontano, i colori dichiarano una struttura lineare, dividendo l’architettura visiva in barre verticali. A uno sguardo più ravvicinato le colonne si frantumano in una moltitudine di forme organiche. Lo spazio bianco tra le forme e le colonne si afferma come un mondo oltre la superficie. Una magia simile è in azione in “Strawberry” (1970) di Jack Bush. Una massiccia forma a “U” rosata riecheggia con la sua tonalità il titolo del dipinto, mentre uno sfondo rosa più chiaro punteggiato da macchie scure stabilisce la dimensionalità. Una barra di colore complementare lungo il fondo della tela appiattisce lo spazio e inganna l’occhio facendogli percepire una linea d’orizzonte combinata a una parata cinetica di forme geometriche.
Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. Acrilico su tela. 129,5 x 125,7 cm (51 x 49 1/2 pollici). © Alma Thomas. Cortesia Mnuchin Gallery
Tra le composizioni spaziali più accattivanti della mostra ci sono “Elberta” (1975) di Helen Frankenthaler, “Mysteries: Aglow” (2002) di Kenneth Noland, e “The Wave (Urszula)” (2014) di Sarah Crowner. Frankenthaler crea una vasta apertura nel suo dipinto macchiato a immersione, aprendo l’occhio a un universo visivo ampio e luminoso; Noland ottiene l’effetto opposto, semplificando e centralizzando lo spazio con la sua familiare composizione a bersaglio; Crowner organizza lo spazio in una dissonanza armoniosa con forme ondulate biomorfiche rosse e arancioni vibranti. Tuttavia la creazione di spazio più profonda è offerta da “Atmosphere” (1972) di Sam Gilliam. La sua tecnica distintiva di smussare i bordi della superficie permette ai colori di creare spazio oltre i confini fisici dell’opera. Il dipinto ci invita a riflettere su ciò che si trova oltre i limiti di ciò che possiamo vedere—una questione vitale per noi in questa epoca, e una che forse anche il signor Saltz vorrebbe considerare facendo un salto in galleria. La Gioia del Colore è in mostra fino all’8 dicembre 2018.
Immagine in evidenza: La Gioia del Colore - mostra collettiva alla Galleria Mnuchin, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Cortesia Mnuchin Gallery
Di Phillip Barcio
