Il Met Esplora il Profondo Eredità dell'Espressionismo Astratto

Il Met Fifth Avenue di New York ha aperto Epic Abstraction: Pollock to Herrera questa settimana. Presentando oltre 50 opere principali di alcuni dei più affascinanti artisti astratti del secolo scorso, l'esposizione guadagna il suo nome perché esplora l'impatto della grande scala. La grandiosità è talvolta espressa attraverso opere d'arte massive — come la scultura di Louise Nevelson che domina la galleria "Mrs. N’s Palace" (1964–77) — talvolta attraverso idee massicce — come quella di impiegare il disegno automatico per creare dipinti che canalizzano i segreti della mente inconscia — e talvolta attraverso metodi tecnici, come nel caso dell'enorme e complesso lavoro di assemblaggio di Thornton Dial. Nel frattempo, il sottotitolo dello spettacolo, Pollock to Herrera, fa riferimento a due idee generali. La prima è la teoria che il lavoro di Jackson Pollock negli anni '40, il decennio in cui inizia la curatela, ha segnato un cambiamento epocale nel mondo dell'arte astratta: un momento in cui il più grande è stato davvero considerato migliore. In secondo luogo, che il lavoro di artisti relativamente poco apprezzati come Carmen Herrera — l'artista minimalista nata a Cuba che, all'età di 101 anni, ha ricevuto la sua prima retrospettiva al Whitney Museum of American Art nel 2016 — è importante quanto quello delle superstar ben note. Infatti, ci sono opere in mostra di molti artisti poco esposti, come l'artista di assemblaggio di oggetti trovati sopra citato Thornton Dial; il famigerato membro del Gutai Group Kazuo Shiraga, che ha creato il groundbreaking (letteralmente) pezzo di performance "Challenging the Mud" (1955); e l'innovativa pittrice astratta ungherese Ilona Keserü. La curatela si estende anche ai giorni nostri con opere di artisti astratti più giovani come Chakaia Booker e Mark Bradford. L'altra assunzione fondamentale che i curatori dichiarano nel loro didattico per lo spettacolo è che l'angoscia esistenziale è stata la forza trainante che ha ispirato gli artisti astratti a iniziare a creare opere epiche 70 anni fa. L'esposizione potrebbe quindi farti chiedere: l'epica astrazione ha fatto qualcosa per alleviare la nostra angoscia? O ci ha semplicemente aiutato ad accettare l'ansia esistenziale come fondamentale per la nostra condizione umana?

Un posto nella storia

Il elenco di artisti famosi inclusi in Epic Abstraction entusiasmerà qualsiasi appassionato di storia dell'arte: oltre ai giganti elencati sopra, ci sono opere di Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold e Morris Louis. E ci sono molti esempi di opere di artisti che saranno nuovi per la maggior parte dei visitatori, come l'astrattista calligrafico giapponese Inoue Yūichi, l'artista astratto filippino Alfonso Ossorio, la scultrice minimalista Anne Truitt e il genio cromatico argentino Alejandro Puente. Eppure, a parte la grandezza di questo attacco storico, la cosa che ho trovato più epica riguardo alla curatela è come due opere in particolare sovvertono effettivamente la stessa narrativa che si nasconde nel sottotitolo della mostra. Elencando Pollock e Herrera e separandoli da tutti gli altri artisti, mi sembra che i curatori stiano suggerendo che l'Espressionismo Astratto e il Minimalismo siano i movimenti più influenti presi in considerazione, e che la pittura sia il focus principale della mostra. Ma il lavoro, i metodi e i successi di Pollock e Herrera, per quanto meravigliosi siano, non sono nemmeno lontanamente i più epici in questa esposizione.

Quel onore, a mio avviso, va a Louise Nevelson e Thornton Dial. La scultura di Nevelson in mostra farà sì che i visitatori che non hanno mai incontrato il suo lavoro si chiedano perché mai qualcuno parli di Pollock quando Nevelson era sua contemporanea. Il suo lavoro è più tecnicamente rigoroso, più concettualmente intrigante e più rilevante per lo spirito di New York, dove sia lei che Pollock hanno lavorato. Pollock, per tutti i fini pratici, ha rotto un po' di terreno nuovo prendendo in prestito e perfezionando le idee e i metodi di altri artisti. Poi, dopo essere diventato famoso per aver fatto il passo logico successivo, perché era amico di un critico influente, Pollock si è autodistrutto. I suoi dipinti sono ipnotizzanti, ma Nevelson ha realizzato molto di più di Pollock, è stata più originale e ha lavorato per molto più tempo, lasciando dietro di sé un'eredità di arte e idee molto più intrigante e stimolante.

Una Voce a Lungo Mancante

Poi c'è Thornton Dial. Le sue “Shadows of the Field” (2008) sono, ai miei occhi e alla mia mente, le opere più inquietanti della mostra. La sua natura epica è racchiusa nei suoi materiali, nella sua costruzione, nei suoi colori e nei mondi nascosti — sia fisici che metafisici — che si celano nella sua forma. Assemblata con materiali di scarto e trovati, l'opera intende evocare l'eredità del mezzadria, il sistema ingiusto e spesso brutale di agricoltura in cui Dial nacque nel 1928. Un'enorme assemblaggio di spago, batuffoli di cotone sintetico, juta, lamiera, stracci di stoffa e metallo, ha la presenza fisica dell'esaurimento. Incorpora la fusione di durezza e vulnerabilità. Creata quando l'artista aveva 80 anni, smentisce anche la sua mano autodidatta. Infatti, mentre Pollock si arricchiva e si beveva a morte, Dial viveva in povertà, lavorando fino allo stremo solo per cercare di sopravvivere in un sistema sociale razzista che teneva la maggior parte degli americani neri fuori dai musei, non solo come artisti ma anche come visitatori paganti.

Forse, mentre questa esposizione avanza nel tempo, potrebbero emergere altre definizioni di ciò che è epico, e altre opere ancora più potenti e intriganti entreranno in gioco — le date dell'esposizione sono del tutto aperte, dopotutto, e le opere in mostra, tratte dalla collezione permanente del Met, verranno periodicamente sostituite. Ma per ora, “Shadows of the Field”, che è una delle dieci opere di Dial recentemente acquisite dal Met, fa la dichiarazione più epica. Dice che un mezzadro nero del sud, non addestrato, ha realizzato alcune delle opere d'arte astratte più potenti e significative degli ultimi 70 anni, superando il lavoro di artisti che hanno goduto di molto più privilegio e opportunità di lui. Segnala anche che, sebbene l'angoscia possa essere davvero una parte inevitabile della nostra condizione umana, l'arte che ne deriva può essere, e spesso è, una grazia salvifica.

Immagine in evidenza: Louise Nevelson - Il Palazzo di Mrs. N, 1964–77. Legno dipinto, specchio, 140 x 239 x 180 in. (355.6 x 607.1 x 457.2 cm). Il Metropolitan Museum of Art, Dono dell'artista, 1985 © 2018 Patrimonio di Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Di Phillip Park