Il Met Esplora il Profondo Eredità dell'Espressionismo Astratto

Il Met Fifth Avenue di New York ha inaugurato questa settimana Epic Abstraction: Pollock to Herrera. Con oltre 50 opere principali di alcuni degli artisti astratti più coinvolgenti del secolo scorso, la mostra prende il nome perché esplora l’impatto della grandezza monumentale. La grandiosità si esprime talvolta attraverso opere d’arte imponenti — come la scultura che domina la galleria di Louise Nevelson “Mrs. N’s Palace” (1964–77) — talvolta attraverso idee imponenti — come quella di impiegare il disegno automatico per creare dipinti che canalizzano i segreti della mente inconscia — e talvolta attraverso il metodo tecnico, come nel caso dell’enorme e complesso assemblaggio di Thornton Dial. Nel frattempo, il sottotitolo della mostra, Pollock to Herrera, fa riferimento a due idee generali. La prima è la teoria secondo cui il lavoro che Jackson Pollock svolse negli anni Quaranta, il decennio in cui inizia la curatela, segnò un cambiamento radicale nel mondo dell’arte astratta: un momento in cui il più grande venne davvero considerato migliore. In secondo luogo, che il lavoro di artisti relativamente poco apprezzati come Carmen Herrera — l’artista minimalista nata a Cuba che, all’età di 101 anni, ricevette la sua prima retrospettiva al Whitney Museum of American Art nel 2016 — è importante quanto quello delle superstar più note. Infatti, sono esposte opere di molti artisti poco conosciuti, come il già citato artista di assemblaggi con oggetti trovati Thornton Dial; il famigerato membro del Gruppo Gutai Kazuo Shiraga, che creò la rivoluzionaria performance “Challenging the Mud” (1955); e la innovativa pittrice astratta ungherese Ilona Keserü. La curatela si estende anche ai giorni nostri con opere di giovani artisti astratti come Chakaia Booker e Mark Bradford. L’altra ipotesi fondamentale che i curatori esprimono nel testo didattico della mostra è che l’angoscia esistenziale fu la forza motrice che spinse gli artisti astratti a iniziare a creare opere epiche 70 anni fa. La mostra potrebbe quindi farvi chiedere: l’astrazione epica ha fatto qualcosa per alleviare la nostra angoscia? O ci ha semplicemente aiutato ad accettare l’ansia esistenziale come parte fondamentale della nostra condizione umana?

Un Posto nella Storia

L’elenco degli artisti famosi inclusi in Epic Abstraction farà entusiasmare qualsiasi appassionato di storia dell’arte: oltre ai giganti già citati, ci sono opere di Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold e Morris Louis. E ci sono molti esempi di opere di artisti che saranno nuove per la maggior parte dei visitatori, come il calligrafo astratto giapponese Inoue Yūichi, l’artista astratto filippino Alfonso Ossorio, la scultrice minimalista Anne Truitt e il genio cromatico argentino Alejandro Puente. Eppure, a parte la vastità di questo assalto storico, ciò che ho trovato più epico nella curatela è come due opere in particolare sovvertono la stessa narrazione che si cela nel sottotitolo della mostra. Elencando Pollock e Herrera e mettendoli a parte da tutti gli altri artisti, mi sembra che i curatori suggeriscano che l’Espressionismo Astratto e il Minimalismo siano i movimenti più influenti presi in considerazione, e che la pittura sia il fulcro principale della mostra. Ma il lavoro, i metodi e i risultati di Pollock e Herrera, per quanto meravigliosi, non sono nemmeno lontanamente i più epici in questa esposizione.

Questo onore, a mio parere, spetta a Louise Nevelson e Thornton Dial. La scultura di Nevelson in mostra farà chiedere a chi non ha mai visto il suo lavoro perché mai si parli di Pollock quando Nevelson era sua contemporanea. Il suo lavoro è più rigoroso dal punto di vista tecnico, più intrigante dal punto di vista concettuale e più rilevante per lo spirito di New York, dove entrambi lavorarono. Pollock, per tutti gli scopi pratici, aprì un piccolo varco innovativo prendendo in prestito e perfezionando le idee e i metodi di altri artisti. Poi, dopo essere diventato famoso per aver fatto il passo successivo, perché era amico di un critico influente, Pollock si autodistrusse. I suoi dipinti sono ipnotici, ma Nevelson realizzò molto più di Pollock, fu più originale e lavorò molto più a lungo, lasciando un’eredità di arte e idee molto più intrigante e stimolante.

Una Voce a Lungo Mancante

Poi c’è Thornton Dial. La sua opera “Shadows of the Field” (2008) è, ai miei occhi e alla mia mente, una delle opere più inquietanti della mostra. La sua natura epica è contenuta nei materiali, nella costruzione, nei colori e nei mondi nascosti — sia fisici che metafisici — che si celano nella sua forma. Assemblata con materiali di scarto trovati e abbandonati, l’opera intende evocare l’eredità del mezzadrismo, il sistema agricolo ingiusto e spesso brutale in cui Dial nacque nel 1928. Un enorme assemblaggio di spago, ovatta sintetica, sacchi di juta, lamiera, stracci di stoffa e metallo, ha la presenza fisica della stanchezza. Incorpora l’unione di durezza e vulnerabilità. Creata quando l’artista aveva 80 anni, tradisce anche la sua mano autodidatta. Infatti, mentre Pollock si arricchiva e beveva fino a morire, Dial viveva nella povertà, lavorando fino allo sfinimento solo per sopravvivere in un sistema sociale razzista che teneva la maggior parte degli afroamericani lontani dai musei, non solo come artisti ma persino come visitatori paganti.

Forse, man mano che questa mostra procede nel tempo, emergeranno altre definizioni di ciò che è epico, e altre opere ancora più potenti e intriganti entreranno in gioco — le date della mostra sono infatti aperte e le opere in esposizione, tratte dalla collezione permanente del The Met, saranno periodicamente sostituite. Ma per ora, “Shadows of the Field”, che è una delle dieci opere di Dial recentemente acquisite dal Met, fa la dichiarazione più epica. Dice che un mezzadro nero del Sud autodidatta ha realizzato alcune delle opere astratte più potenti e significative degli ultimi 70 anni, superando il lavoro di artisti che godevano di molto più privilegio e opportunità di lui. Segnala anche che, sebbene l’angoscia possa essere davvero una parte inevitabile della nostra condizione umana, l’arte che ne scaturisce può essere, e spesso è, una grazia salvifica.

Immagine in evidenza: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Legno dipinto, specchio, 355,6 x 607,1 x 457,2 cm. The Metropolitan Museum of Art, Dono dell’artista, 1985 © 2018 Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Di Phillip Barcio