Whitney celebra i dipinti a colori degli anni '60 in una nuova esposizione

Bob Thompson è morto per overdose di eroina all'età di 28 anni, ma ha completato quasi 1000 dipinti e disegni nella sua breve carriera. Il Whitney Museum of American Art ha celebrato il suo lavoro in una retrospettiva nel 1996, e questa primavera i suoi dipinti e le sue parole ancoreranno una grande esposizione del Whitney sul colore. Spilling Over: Painting Color in the 1960s prende il nome da una citazione di Thompson: “Ho qualcosa dentro di me che sta esplodendo, contorcendosi, attaccandosi, traboccando per uscire. Fuori nelle anime e nelle bocche e negli occhi che non hanno mai visto prima.” La poesia e la passione in quelle parole emergono brillantemente nei suoi dipinti, molti dei quali si appropriano delle composizioni dei Maestri Antichi, astrattando le figure e i paesaggi per creare mondi espressionistici, ispirati al jazz, definiti da palette di colori vividi e illusori. Thompson rappresenta perfettamente questa esposizione, poiché la curatela ignora le designazioni tradizionali relative a movimenti e stili. Thompson non è mai stato legato a un solo movimento o metodo: ha attinto dal Pop Art, Fauvismo, Espressionismo, Figurazione, Astrazione e qualsiasi altra cosa che servisse alla sua visione. Allo stesso modo, Spilling Over: Painting Color in the 1960s metterà in luce innumerevoli posizioni estetiche, tra cui Op Art, Hard Edge Abstraction, Color Field Painting, Post Painterly Abstraction, Abstract Expressionism, Minimalism, Feminist Art, il Pattern and Decoration Movement e l'Astrazione Geometrica Modernista precoce. E includerà opere di un assortimento altrettanto ampio e diversificato di artisti, alcuni famosi, come Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland e Frank Stella, e alcuni meno noti, come Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving e Miriam Schapiro. Interamente tratto dalla collezione esistente del Whitney, offrirà uno sguardo completo sulla vera diversità dell'espressione artistica che esisteva durante una delle epoche più fertili nella storia dell'arte del XX secolo. In preparazione, ecco brevi profili di sei degli artisti meno conosciuti presenti nell'esposizione.

Emma Amos

Quando Emma Amos arrivò per la prima volta a New York City all'inizio degli anni '60, incontrò resistenza da parte dei college, che le dissero che era troppo giovane per insegnare, e da parte dei galleristi, che non avrebbero mostrato il suo lavoro né perché era nera né perché era donna. Il suo rifugio lo trovò in compagnia di altri artisti, che ampliarono la sua già lunga formazione artistica condividendo con Amos le lezioni del loro mestiere. Apprese dei tessuti da Dorothy Liebes; della stampa da Letterio Calapai; e delle sfumature nel trattare questioni sociali e politiche nel suo lavoro dai membri del Spiral Group, di cui Amos era l'unica membro femminile. Amos si è a lungo distinta per la sua immaginazione radicale e il coraggio che ha dimostrato nell'abbracciare stili, tecniche e riferimenti storici diversi. È una delle grandi pioniere viventi del Post Modernismo.

Emma Amos - Baby, 1966. Olio su tela. 46 1/2 × 51 in (118,1 × 129,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; acquistato congiuntamente dal Whitney Museum of American Art, con fondi del Painting and Sculpture Committee; e The Studio Museum in Harlem, acquisto del museo con fondi forniti da Ann Tenenbaum e Thomas H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos; cortesia dell'artista e RYAN LEE Gallery, New York.

Richard Anuszkiewicz

Insieme a Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz è uno degli ultimi pionieri viventi del Movimento Op Art. Da giovane artista, Anuszkiewicz notò che il colore era l'unica cosa che gli sfuggiva, così andò a Yale per studiare la teoria del colore dal grande Josef Albers. La voce visiva unica che Anuszkiewicz sviluppò rese il suo lavoro innovativo per il suo tempo. Molte persone ne elogiarono la brillantezza, ma solo un dipinto venne venduto dalla sua prima esposizione personale. Felice per Anuszkiewicz, quell'unico acquirente era Alfred F. Barr, Jr., Direttore del Museum of Modern Art. Quel singolo, potente fan portò Anuszkiewicz all'attenzione dei curatori di Whitney, che lo inclusero prontamente in una grande esposizione di gruppo sull'Astrazione Geometrica, e garantirono la sua inclusione in The Responsive Eye, l'esposizione che mise l'Op Art sulla mappa.

Richard Anuszkiewicz - Il Quarto dei Tre, 1963. Acrilico su tavola composita. 48 1/16 × 48 1/16 in (122,1 × 122,1 cm). Museo Whitney d'Arte Americana, New York; acquisto con fondi dei Friends of the Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/Concesso in licenza da VAGA presso Artists Rights Society (ARS), New York.

Bowling franco

All'età di 85 anni, Frank Bowling sta finalmente ricevendo la notorietà globale che merita da decenni. Le sue tele luminose irradiano colore e atmosfera. Incorporando senza soluzione di continuità una moltitudine di metodi, collegano diverse posizioni estetiche come il Pop Art, Color Field Painting, l'Espressionismo Astratto, l'Arte Povera e l'Astrazione Post-Pittorica. Più tardi quest'anno, Bowling sarà al centro di una monumentale esposizione retrospettiva alla Tate Britain, che coprirà 60 anni della sua carriera.

Frank Bowling - La sorpresa di Dan Johnson, 1969. Acrilico su tela. 115 15/16 × 104 1/8 in (294,5 × 264,5 cm). Museo Whitney d'Arte Americana, New York; acquisto con fondi dei Friends of the Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling/Licensing by Artists Rights Society (ARS), New York.

Bastone da passeggio Kay

Tra le acquisizioni più recenti incluse in questa esposizione ci saranno opere di Kay Walkingstick, un'artista nativa americana il cui lavoro crea ponti trascendenti tra le tradizioni estetiche indigene delle sue radici Cherokee e le estetiche del Post Modernismo globale. Walkingstick è una precorritrice e un'influenza per i giovani artisti indigeni come Jeffrey Gibson, che si sforzano di esplorare le ramificazioni delle universalità condivise dalle tradizioni artistiche antiche e moderne. La ricerca dell'universalismo è sempre stata cruciale per Walkingstick, che ha detto: "Voglio che tutte le persone si aggrappino alle loro culture—ma voglio anche incoraggiare un riconoscimento reciproco di un essere condiviso."

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Olio, acrilico, cera e rame su tela. 36,25 x 72,25 x 2 in. Cortesia del Montclair Art Museum, acquistato con fondi forniti da Alberta Stout.

Alvin Amorevole

Alvin Loving ha creato un corpo di opere visivamente straordinarie che, tra le altre cose, hanno definito il colore come il principale fattore unificante tra l'Espressionismo Astratto e l'Astrazione Geometrica a Bordo Netto. I suoi dipinti energetici e gestuali e i collage multimediali focalizzati sui materiali sono emotivi e lirici. Le sue opere geometriche astratte, nel frattempo, sono calcolate e audaci, e facilmente tra le opere più accattivanti e intellettualmente stimolanti della sua generazione. Contemporaneo di artisti come Sol Le Witt e Victor Vassarely, Loving ha portato le loro idee e il loro studio a un altro livello, infondendo il suo lavoro con un'energia visiva che lo fa sembrare fresco e vivo anche oggi, quasi una generazione dopo la sua morte.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Acrilico su tela sagomata. 88 5/8 × 102 1/2 in (225.1 × 260.4 cm). Museo Whitney d'Arte Americana, New York; dono di William Zierler, Inc. in onore di John I. H. Baur 74.65. Cortesia dell'Eredità di Al Loving e Garth Greenan Gallery, New York.

Miriam Schapiro

L'icona dell'arte femminista Miriam Schapiro ha partecipato all'installazione innovativa Womanhouse, diventando una delle voci più influenti all'interno del Movimento Pattern and Decoration. Schapiro ha affrontato i pregiudizi di genere nel mondo dell'arte utilizzando materiali e tecniche associate alla domesticità e all'artigianato. La padronanza, la bellezza e l'integrità intellettuale del suo lavoro hanno messo in luce i ridicoli pregiudizi patriarcali che hanno sempre dominato il mondo dell'arte. Il colore era un elemento fondamentale della sua opera, caricando i suoi lavori di un senso elettrico, quasi vibrante di azione, e richiamando l'attenzione sulla capacità degli elementi estetici formali di attivarsi come strumenti per il cambiamento sociale e politico.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Collage in acrilico e tessuto su carta. 30 x 44 in. Dono di Mary Ross Taylor in onore di sua madre, Betty S. Abbott. Museo Nazionale delle Donne nelle Arti.

Immagine in evidenza: Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna su tela. 103 1/8 × 152 1/2 in. (261,9 × 387,4 cm). Whitney Museum of American Art, New York; acquisto con fondi della Glen Alden Foundation e della McCrory Foundation, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), New York.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio