Whitney celebra i dipinti a colori degli anni '60 in una nuova esposizione

Bob Thompson morì per overdose di eroina a 28 anni, ma completò quasi 1000 dipinti e disegni nella sua breve carriera. Il Whitney Museum of American Art celebrò la sua opera con una retrospettiva nel 1996, e questa primavera i suoi dipinti e le sue parole saranno il fulcro di una grande mostra del Whitney sul colore. Spilling Over: Painting Color in the 1960s prende il nome da una citazione di Thompson: “Ho qualcosa dentro di me che sta semplicemente esplodendo, contorcendo, attaccandosi, traboccando per uscire. Uscire nelle anime, nelle bocche e negli occhi che non hanno mai visto prima.” La poesia e la passione in queste parole emergono brillantemente nei suoi dipinti, molti dei quali appropriano le composizioni dei Vecchi Maestri, astraggono le figure e i paesaggi per creare mondi espressionisti ispirati al jazz, definiti da palette di colori vivaci e illusorie. Thompson rappresenta perfettamente questa mostra, poiché la curatela ignora le tradizionali designazioni legate a movimenti e stili. Thompson non fu mai vincolato a un solo movimento o metodo: attingeva dalla Pop Art, dal Fauvismo, dall’Espressionismo, dalla Figurazione, dall’Astrazione e da qualsiasi altra cosa servisse alla sua visione. Allo stesso modo, Spilling Over: Painting Color in the 1960s metterà in luce molteplici posizioni estetiche, tra cui Op Art, Astrazione a Bordo Duro, Pittura a Campi di Colore, Astrazione Post-Pittorica, Espressionismo Astratto, Minimalismo, Arte Femminista, il Movimento Pattern and Decoration e la prima Astrazione Geometrica Modernista. Includerà inoltre opere di un assortimento altrettanto ampio e variegato di artisti, alcuni famosi, come Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland e Frank Stella, e altri meno noti, come Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving e Miriam Schapiro. Tratti interamente dalla collezione esistente del Whitney, offrirà uno sguardo completo sulla vera diversità dell’espressione artistica esistita durante una delle epoche più fertili nella storia dell’arte del XX secolo. In preparazione, ecco brevi profili di sei degli artisti meno conosciuti presenti nella mostra.

Emma Amos

Quando Emma Amos arrivò per la prima volta a New York nei primi anni ’60, incontrò resistenze da parte delle università, che le dissero che era troppo giovane per insegnare, e dai galleristi, che non volevano esporre le sue opere né perché era nera né perché era donna. Il suo rifugio fu la compagnia di altri artisti, che ampliarono la sua già lunga formazione artistica condividendo con Amos le lezioni del loro mestiere. Imparò i tessuti da Dorothy Liebes; la stampa da Letterio Calapai; e le sfumature di come affrontare questioni sociali e politiche nel suo lavoro dai membri del Gruppo Spiral, di cui Amos era l’unica donna. Amos si è distinta a lungo per la sua immaginazione radicale e per il coraggio dimostrato nell’abbracciare molteplici stili, tecniche e riferimenti storici. È una delle grandi pioniere viventi del Postmodernismo.

Emma Amos - Baby, 1966. Olio su tela. 118,1 × 129,5 cm. Whitney Museum of American Art, New York; acquistato congiuntamente dal Whitney Museum of American Art, con fondi del Comitato per Pittura e Scultura; e The Studio Museum in Harlem, acquisto del museo con fondi forniti da Ann Tenenbaum e Thomas H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos; cortesia dell’artista e RYAN LEE Gallery, New York.

Richard Anuszkiewicz

Insieme a Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz è uno degli ultimi pionieri viventi del Movimento Op Art. Da giovane artista, Anuszkiewicz notò che il colore era l’unica cosa che gli sfuggiva, così andò a Yale per studiare la teoria del colore dal grande Josef Albers. La voce visiva unica che Anuszkiewicz sviluppò rese il suo lavoro rivoluzionario per l’epoca. Molti ne lodarono il genio, ma solo un dipinto fu venduto alla sua prima mostra personale. Fortunatamente per Anuszkiewicz, quell’unico acquirente fu Alfred F. Barr, Jr., direttore del Museum of Modern Art. Quel singolo, potente sostenitore portò Anuszkiewicz all’attenzione dei curatori del Whitney, che lo inclusero prontamente in una grande mostra collettiva sull’Astrazione Geometrica e ne garantirono la partecipazione a The Responsive Eye, la mostra che mise l’Op Art sulla mappa.

Richard Anuszkiewicz - The Fourth of the Three, 1963. Acrilico su tavola composita. 122,1 × 122,1 cm. Whitney Museum of American Art, New York; acquisto con fondi degli Amici del Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/Concesso in licenza da VAGA presso Artists Rights Society (ARS), New York.

Frank Bowling

All’età di 85 anni, Frank Bowling sta finalmente ricevendo la notorietà mondiale che merita da decenni. Le sue tele luminose irradiano colore e atmosfera. Integrando senza soluzione di continuità una moltitudine di metodi, collegano diverse posizioni estetiche come la Pop Art, la Pittura a Campi di Colore, l’Espressionismo Astratto, l’Arte Povera e l’Astrazione Post-Pittorica. Più avanti quest’anno, Bowling sarà protagonista di una monumentale retrospettiva alla Tate Britain, che coprirà 60 anni della sua carriera.

Frank Bowling - Dan Johnson's Surprise, 1969. Acrilico su tela. 294,5 × 264,5 cm. Whitney Museum of American Art, New York; acquisto con fondi degli Amici del Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling/Concessione di licenza da Artists Rights Society (ARS), New York.

Kay Walkingstick

Tra le acquisizioni più recenti incluse in questa mostra ci saranno opere di Kay Walkingstick, artista nativa americana il cui lavoro crea ponti trascendenti tra le tradizioni estetiche indigene delle sue radici Cherokee e l’estetica del Postmodernismo globale. Walkingstick è una precorritrice e un’influenza per artisti indigeni più giovani come Jeffrey Gibson, che cercano di esplorare le ramificazioni delle universalità condivise dalle tradizioni artistiche antiche e moderne. La ricerca dell’universalismo è sempre stata cruciale per Walkingstick, che ha detto: “Voglio che tutte le persone mantengano le loro culture—ma voglio anche incoraggiare un riconoscimento reciproco di un essere condiviso.”

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Olio, acrilico, cera e rame su tela. 92,1 x 183,5 x 5 cm. Cortesia del Montclair Art Museum, acquistato con fondi forniti da Alberta Stout.

Alvin Loving

Alvin Loving ha creato un corpus visivamente straordinario che, tra le altre cose, definì il colore come il fattore unificante principale tra Espressionismo Astratto e l’Astrazione Geometrica a Bordo Duro. I suoi dipinti energici e gestuali e i collage multimediali focalizzati sui materiali sono emotivi e lirici. Le sue opere astratte geometriche, invece, sono calcolate e audaci, e facilmente tra le più accattivanti e intellettualmente stimolanti della sua generazione. Contemporaneo di artisti come Sol Le Witt e Victor Vassarely, Loving portò le loro idee e studi a un altro livello, infondendo al suo lavoro un’energia visiva che lo fa sentire fresco e vivo ancora oggi, quasi una generazione dopo la sua morte.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Acrilico su tela sagomata. 225,1 × 260,4 cm. Whitney Museum of American Art, New York; dono di William Zierler, Inc. in onore di John I. H. Baur 74.65. Cortesia della Collezione di Al Loving e Garth Greenan Gallery, New York.

Miriam Schapiro

Icona dell’Arte Femminista Miriam Schapiro partecipò all’installazione rivoluzionaria Womanhouse, e divenne una delle voci più influenti all’interno del Movimento Pattern and Decoration. Schapiro affrontò i pregiudizi di genere nel mondo dell’arte impiegando materiali e tecniche associati alla domesticità e all’artigianato. La maestria indiscutibile, la bellezza e l’integrità intellettuale del suo lavoro misero a nudo gli assurdi pregiudizi patriarcali che avevano sempre dominato il mondo dell’arte. Il colore era un elemento essenziale della sua opera, caricato di un senso elettrico, quasi vibratorio, di azione, e richiamava l’attenzione sulla capacità degli elementi estetici formali di attivarsi come strumenti per il cambiamento sociale e politico.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Acrilico e collage di tessuto su carta. 76 x 112 cm. Dono di Mary Ross Taylor in onore di sua madre, Betty S. Abbott. National Museum of Women in the Arts.

Immagine in evidenza: Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna su tela. 262,1 × 387,4 cm. Whitney Museum of American Art, New York; acquisto con fondi della Glen Alden Foundation e della McCrory Foundation, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), New York.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio