タスマニアの博物館がゼロアート運動の創始者たちを集める

オーストラリアのアートコレクターでギャンブル大富豪のデビッド・ウォルシュは、タスマニア州ホバートにある彼のオールド＆ニューアート美術館（MONA）で、ゼロアート運動の画期的な展覧会を最近開催しました。展覧会のタイトルはZEROで、7か国からの16人のアーティストの作品が展示されており、その中のいくつかは、半世紀以上前のデビュー以来、初めて設置されたものです。この記念碑的な展覧会が行われる環境は、訪問者にさらなるドラマを提供し、この遠隔地への旅行のインセンティブを高めています。MONAは主に地下にあります。この建物は、オーストラリアのモダニスト建築家ロイ・グラウンズによる2つのランドマークビルの数階下に建設されています。ほとんどの他の美術館が自然光を歓迎し、訪問者に開放的で歓迎される空間にいると感じさせようとするのに対し、MONAは明らかに不自然で、時には少し不親切ささえ感じさせます。入ると、訪問者は建築の力が支えるべきアートと競い合うような、やや異質な環境に降りていきます。それでも、この空間は観客が互いに、そして作品から快適さを求めるように促します。ある意味で、この設定はゼロアーティストの作品を展示するのに理想的であり、アートが可能性と未知についてであり、人々、材料、空間の間の実際の体験を含むべきであるという彼らの2つの本質的なアイデアを体現しています。

ゼロによって救われた

ゼロ運動は、1957年にハインツ・マックとオットー・ピエーネによって、新たに始めるという願望から設立されました。彼らの同時代の多くの人々と同様に、マックとピエーネは過去から逃れ、彼らの時代の芸術の多くを支配していた自己中心的な感情から離れようと努力していました。彼らが住み、働いていたデュッセルドルフには、ほとんどアートギャラリーがありませんでした。そして他の場所では、市場の嗜好は、個人的な感情を表現する美的立場、例えばタキズム、アート・インフォルメル、および抽象表現主義のような「個性のカルト」を表現する作品に傾いていました。マックとピエーネは、個人主義よりも協力を重要視していました。彼らは、芸術の価値は、制作者、観客、材料、環境の間に引き起こすことができる経験にあると信じていました。彼らは、伝統的な単一のアーティストによって作られたオブジェクトは死んでいると感じており、未来が根付くことを許すための新しい出発点を生み出したいと考えていました。

オットー・ピーネ - ピルエット（Pirouettes）、1960年代；2012年に再制作。コレクション・モア・スカイ © オットー・ピーネ。VG ビルド・クンスト/著作権エージェンシー、2018年。画像提供：オールド＆ニューアート美術館（モナ）

マックとピエーネは、1957年4月11日に彼らのスタジオで、彼らが未来のアートと考えるものの初めての展覧会を開催しました。それは一夜限りのイベントで、儚さを受け入れることを意図していました。この展示は大きな関心を呼び起こし、すぐにいくつかの体験型の一夜限りの展覧会が続きました。しかし、1957年9月の彼らの4回目の展覧会の後まで、彼らは共同作業を表現する言葉「ゼロ」を思いつきませんでした。この言葉は、過去が公式に終わったことを伝えることを意図しており、未来への出発点でした。ピエーネはそれを次のように説明しました。「私たちはその用語を...新しい始まりのための静寂と純粋な可能性の領域を示す言葉として見ていました。ロケットが打ち上げるときのカウントダウンのように—ゼロは古い状態が新しい状態に変わる非可測の領域です。」

アドルフ・ルーター - フラスケンツァーシュラグングスラウム（ボトルス smashing ルーム）、1961年; 2018年に再現。コレクション アドルフ・ルーター財団、クレーフェルト。著作権：アドルフ・ルーター財団。画像提供：オールド＆ニューアート美術館（モナ）

ゼロではなくゼロ

運動のオープンさにもかかわらず、マックとピエーネには一つの奇妙な考えがありました。彼らは、自分たちについて書く際には創設者を「ゼロ」と呼ぶべきであり、他の関連アーティストは「ZERO」と呼ぶべきだと規定しました。これが、MONAでの展示がすべて大文字で表記されている理由です—なぜなら、それは主にその哲学に関連する国際的なアーティストの大きなネットワークによる作品を特集しているからです。それでも、MONAでのZEROが明らかにするように、運動には外部者はいませんでした。すべての人が歓迎されました。ゼロのマニフェストはなく、公式なメンバーシップもありませんでした。この態度は、ZEROアーティストによって創造された広範な作品の範囲をもたらし、この展示ではアドルフ・ルーターによる「ボトルスマッシングルーム」（1961年）やクリスチャン・メゲルトによる「ミラーエンバイロメント」（1963年）などの重要なZERO作品の再現によって具現化されています。運動の歓迎する態度は、この展示においても、ゼロがインスパイアした他の多くの国際的な運動からのアーティストの参加によって示されています。例えば、日本の具台グループ、パリのヌーヴォー・レアリスム、アメリカのライト・アンド・スペース、国際的な運動であるフルクサスなどです。これらのつながりを示すのは、マルセル・デュシャン、ロイ・リキテンスタイン、草間彌生などの珍しい作品であり、彼らの実践の側面を強調しています。これらは、彼らが主に知られている作品とは大きく異なります。

ロイ・リヒテンシュタイン - 海景 II, 1965年。コレクション ケルン, グロースマイシェイド。著作権: ロイ・リヒテンシュタイン遺族/著作権エージェンシー, 2018年。画像提供: アーティストおよびオールド＆ニューアート美術館 (モナ)

この展覧会の最も重要な側面の一つは、現代アートを更新する必要性に対する現代の関心を再び焦点を当てることです。ゼロの創設者たちは1966年に正式に解散しましたが、彼らが始めた運動は決して本当に終わったわけではありません。そして、この展覧会はさらに重要な何かをほのめかしています。それは、ゼロアート運動は実際には決して始まらなかったのではないかという考えです。それは、ある場所である時に発明された運動ではなく、むしろ人間が自分自身を超えて純粋で新しい何かに到達しようと視覚的現象を使いたいと望んだ最初の瞬間まで無限にさかのぼる、はるかに大きな連続体の一部であったのかもしれません。MONAのZERoにある作品は、今でも非常に新鮮で、非常に活力に満ちており、私にZEROが今日でも続くかもしれないと信じさせるほどです。アーティストのグループが集まって、期待を超えたり、既に知られているものを超えたりする美的創造物に協力する時、実際にこの瞬間において、この展覧会とそのメッセージは不可欠です。それは、ゼロアートの重要な信条を思い出させてくれます。それは、アートは経験や人々、彼らの環境、そしてより良い未来を想像するための共同の努力との関係についてであるということです。MONAのZEROは2019年4月22日まで展示されています。

特集画像: ジャンニ・コロンボ - スパツィオ・エラスティコ（Elastic Space）、1967–68。コレクション ジャンニ・コロンボ・アーカイブ、ミラノ © ジャンニ・コロンボ・アーカイブ。画像提供：オールド＆ニューアート美術館（モナ）

フィリップ Barcio による