アキッレ・ペリッリの幾何学的非合理的アート
ロシア・サンクトペテルブルクの国立エルミタージュ美術館で、アキッレ・ペリーリの絵画35点を紹介する展覧会が先日開幕した。91歳のペリーリは、第二次世界大戦後のイタリアで生まれた最も影響力のある芸術集団の一つ、フォルマ1の最後の存命メンバーである。彼の作品を初めて見る人や、その作品が発展してきた歴史を知らない人は、この展覧会を巡りながら、ペリーリが生み出した目を引く色彩と複雑な幾何学だけに注目するかもしれない。そこに込められた、芸術家を動かした批判的な政治哲学に気づかず、したがって、この特定の歴史的時期に、この特定の美術館でこれらの絵画が展示されることの複雑な意味も理解できない可能性がある。フォルマ1のメンバー全員と同様、ペリーリはマルクス主義者だった。1927年生まれの彼は、イタリアがファシズムの灰燼から文化を再建しようともがいていた時代に、芸術家として成長した。当時の他の多くのヨーロッパ諸国と同様、共産党員たちの間では、社会主義リアリズムが好ましい芸術様式として勢力を増していた。党の公式見解では、芸術の唯一の目的は、ブルジョワジーに対する労働者階級の闘争を写実的に描くことだった。だが、政治的には党に属していたペリーリは、まったく異なる考えを唱えた。彼は、芸術におけるリアリズムそのものが究極のブルジョワ様式だと考えた。かつてリアリズムは、芸術家が世界を理解しようと努めるための単なる技法にすぎなかったのかもしれない。しかしルネサンス以降、それは階層的な支配者、いわゆる真の芸術の基準となり、他のあらゆる芸術を従属的な立場へ追いやってしまった、と彼は理論づけた。ペリーリは、これを不幸な過ちだと感じていた。写実的な遠近法は人類の想像力を制限し、文化を停滞させると彼は信じた。彼が芸術における唯一の普遍的、自律的、そして真に平等主義的な要素とみなしたのは、抽象化され、その源泉から完全に切り離された純粋な形態だった。
フォルマ1宣言
「グルッポ・フォルマ1」は、フォルマ誌の創刊号にして唯一の号が発行された1947年に誕生した。ペリーリのほか、同誌にはカルラ・アッカルディ、ウーゴ・アッタルディ、ピエロ・ドラツィオ、ミーノ・グエッリーニ、ピエトロ・コンザーグラ、ジュリオ・トゥルカート、アントニオ・サンフィリッポが他のメンバーとして挙げられていた。また、集団の価値観を要約した短い宣言文も掲載された。宣言文にはこうある。「私たちの作品では、客観的な抽象形態に到達する手段として、客観的現実の形態を用いる。私たちが関心を持つのはレモンそのものではなく、レモンの形態である」。さらに、「芸術の自由な創造に人間的な細部を持ち込もうとするあらゆる傾向」を退け、「恣意的なもの、見かけ上のもの、近似的なもの、感受性、偽りの感情性、心理主義を、自由な創造を損なう不純な要素」として拒絶した。
アキッレ・ペリーリ - Espansione quadrata, 2003。キャンバスにミクストメディア。19 7/10 × 19 7/10インチ、50 × 50 cm。© Achille Perilli
自由な表現をこれほど大切にしていた彼らのもとで、フォルマ1の各芸術家がそれぞれ独自の視覚様式を発展させたのは当然だろう。ペリーリは、彼が「不合理な幾何学」と呼んだ表現で知られるようになった。この名称は、特にピカソをはじめとするキュビストたちの空間構成を高く評価したことから生まれた。しかしペリーリが関心を持ったのは、キュビズムの絵画や彫刻が指し示す現実ではなかった。彼が関心を持ったのは、平面や色彩そのもの、つまり形態だった。そうした形式的要素を抽出し、彼はキュビズム作品の美的性質を想起させながらも、存在するための合理的な根拠を持たない幾何学的構成を組み立てた。彼の構成は、具象的に理解することができない。それらは鑑賞者の目と精神によって受け止められなければならず、意味はそのとき初めて個人的なレベルで推し量ることができる。ペリーリはまた、自身の構成を意識的に不合理なものにしようと努めた。彼は、カンディンスキーやマレーヴィチのような初期ヨーロッパの抽象芸術家たちが、世界を線と形の言語へと還元することで進歩を遂げたことを認めつつ、過去の調和的な構成構造を維持した点を批判した。ペリーリは、絵画を単に見るべき絵としてではなく、知性によって解き明かされるべき命題として受け止められるように配置した。
アキッレ・ペリーリ - Phantom, 1977。キャンバスにアクリル。31 1/2 × 27 3/5インチ、80 × 70 cm。© Achille Perilli
美的言説を解放する
現在エルミタージュで展示されているペリーリの絵画は、フォルマ1の目標を完璧に体現し、彼が芸術家として抱き続けた崇高な理想を優雅に表現している。しかし、その重要性はイタリア美術史における役割だけにとどまらない。それらは、国際的な美術史の美的言説を解放することにも寄与している。傾いた構成、色彩の衝突、幾何学的形態の無秩序な増殖の一つひとつが、人間文化における永遠の葛藤――フロイトの言葉を借りれば、「文明とその不満」の間の葛藤――を思い起こさせる。抽象を受け入れることで、ペリーリは個人が社会に従属する存在ではなく、社会が創造的な方向性とインスピレーションを求める力であることの重要性を主張している。
アキッレ・ペリーリ - The tiger engagements, 1979。キャンバスにミクストメディア。19 7/10 × 19 7/10インチ、50 × 50 cm。© Achille Perilli
同時期にアメリカで活動していた抽象表現主義者たちと同じように、ペリーリと他のフォルマ1の芸術家たちは、戦後の人類の心理的な深部を探究した。美的立場は異なっていたものの、彼らは個人の精神と、そこから生まれる抽象表現を称揚した。このため、今この展覧会がイタリア、あるいはパリ、ロンドン、ミュンヘン、ニューヨークで開催されても不思議ではない。そこでは人々が現在、権威主義的な政治勢力を食い止めようと苦闘しているからだ。サンクトペテルブルクで開催されていることには、少し驚かされる。これらの絵画の表面下に潜む破壊的なメッセージは、個人が抽象的に自己表現する完全な創造の自由が、現代ロシアの礎となった理念と相容れないものではないと、明確に語っている。この作品が戦後のイタリアで初めて発表されたとき、それは文化的・知的革命の到来を後押しした。現代のサンクトペテルブルクにペリーリが登場することにも、同じような効果があるのだろうか。
「イタリアの抽象芸術：アキッレ・ペリーリ」は、ロシア・サンクトペテルブルクのエルミタージュ美術館で2019年2月3日まで開催されている。
注目作品：アキッレ・ペリーリ - Kolossal, 1973。キャンバスに油彩。34 4/5 × 45 7/10インチ、88.5 × 116 cm。© Achille Perilli
すべての画像は説明目的でのみ使用
フィリップ・バルチオ著
