抽象から具象へ - リチャード・ディーベンコーンの道

1993年にリチャード・ディーベンコーンが亡くなったとき、彼は絵画の重要性を擁護する作品群を残しました。彼の世代の最も影響力のあるアーティストたちと交流しながらも、彼は頑固に個人主義を貫き、今日でもユニークで瞬時に認識できる作品を創り出しました。1940年代に抽象画家としてキャリアを始めた彼は、偶然にも価値のある現代の画家は具象作品に取り組むべきではないと信じていましたが、ディーベンコーンは突然、肖像画、静物画、風景画に焦点を移しました。この予期しない動きは、彼の信念やほとんどすべての著名な画家の信念に反していたため、彼をアヴァンギャルドとしてブランド化する奇妙な効果をもたらしました。しかし、10年後には再び抽象に戻ることになりました。彼が革命的だと言われている最中、彼は「私は本当に伝統的な画家です、全くアヴァンギャルドではありません」と言い、彼が本当にやりたかったのは「伝統に従い、それを拡張することです」だと付け加えました。彼の考え方では、彼が取った一見異なる方向性は、単一の道の一部であり、イデオロギーの混乱からの徐々の進化であり、良い絵を描くことに関わる古代から永遠の問題を理解することに向かっているのです。

伝統的な反逆者

リチャード・ディーベンコーンは、今日、典型的なカリフォルニアの画家として知られています。彼の緩やかでありながらバランスの取れた構図と、洗い流された色調は、自由、爽やかさ、そして驚くべき光の文化の美学を定義するのに役立ちました。しかし、ディーベンコーンはオレゴン州ポートランドで生まれました。彼は2歳の時にカリフォルニアに移住しました。プロの画家になる前、彼は第二次世界大戦中にアメリカ海兵隊で2年間勤務しました。戦後、彼はGIビルの特権を利用して美術学校に通いました。彼の世代のほとんどのアーティストと同様に、ディーベンコーンは当時の支配的なアートトレンドである抽象表現主義に全力で取り組みました。彼は、明らかに探求しているアーティストの苦悩とエネルギーを伝えるジェスチャー構図を作成しました。そして、彼は良い仲間と共に、マーク・ロスコやクリフォード・スティルのような他の新興カリフォルニアの画家たちと共に学び、教えました。

しかし、ディーベンコーンはすぐに動き始め、ニューメキシコ州アルバカーキやイリノイ州アーバナで学び、教えた後、再びカリフォルニアに戻りました。彼の旅の中で、彼はさまざまな考え方を持つ画家たちの間で行われているより大きな会話に気づきました。それは、彼が見始めた抽象と具象の間の偽の分離とはあまり関係がなく、絵画が達成できることのより深い関連性に関係していました。彼は「すべての絵画は、気分から、物や人との関係から、完全な視覚的印象から始まる。この表現を抽象的と呼ぶことは、しばしば問題を混乱させるように思える。」という結論に達しました。

Richard Diebenkorn - Berkeley 3, 1953. Oil on canvas. 54 1/10 × 68 in. 137.5 × 172.7 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

色と平面の世界

ディーベンコーンが抽象に対して採用した変化する態度は、モダニストとして奇妙な立場に彼を置きました。1900年代後半以来、ほとんどの抽象芸術家は、もともとリアルな具象芸術家として訓練を受け、その後、よりシンプルな視覚言語への還元のプロセスを通じて抽象に移行しました。ディーベンコーンは抽象から始まり、その後具象に移行しました。しかし、抽象と具象の間の哲学的な違いの幻想から解放された今、彼は自分が見たもの—人間の姿、顔、そして都市や自然の風景—を描くことができることに気づきましたが、同時にこれらの画像の中で彼が最も興味深いと感じる抽象の特質や要素を探求し続けました。

Richard Diebenkorn - Still Life with Orange Peel, 1955. Oil on canvas. 29 3/10 × 24 1/2 in. 74.3 × 62.2 cm (left) / Richard Diebenkorn - Chabot Valley, 1955. Oil on canvas. 49,5 x 47,6 cm (right). © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

実生活をハイパーリアリスティックな絵画で模倣するのではなく、ディーベンコーンは可視の世界を色のフィールド、線、準幾何学的形状の配置に翻訳しました。彼は木炭と油絵具を使い、最終的な構成に複数の層が透けて見えるようにしました。シティスケープ I は彼の最も有名な初期の具象画の一つです。その中で、幾何学的形状、線状の平面、抽象的な色のフィールド、下層、そして構成の完璧主義の苦悩の跡が組み合わさり、同時に表現主義的であり、やや抽象的な具象的ビジョンを生み出しています。彼のアルバカーキシリーズの以前の抽象作品と並べて比較すると、アーティストの手が同じであることが容易にわかります。

Richard Diebenkorn - Cityscape I, 1963. Oil on canvas. 60 1/4 in. x 50 1/2 in. 153.04 cm x 128.27 cm. San Francisco Museum of Modern Art Collection (left) / Richard Diebenkorn - Albuquerque 4, 1951. Oil on canvas. 50 7/10 × 45 7/10 in. 128.9 × 116.2 cm (right). © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

ペイントの美しさ

1966年頃、約10年の具象画の後、ディーベンコーンは新しいシリーズを始めました。これは美術史家たちにとって、アーティストが純粋な抽象に戻ることを告げるものでした。彼はこのシリーズを、ロサンゼルスの北に位置するサンタモニカのビーチフロント地区にある彼の絵画スタジオにちなんでオーシャンパークと名付けました。実際、オーシャンパークの絵画は、具象的な要素への明らかな参照が欠けているように見えます。それらは幾何学的で抽象的に見えます。しかし、これらの絵画を単に幾何学的抽象と呼び、彼の以前の作品からの別れとしてラベル付けするのは、単純な読み方です。

1988年にCBS Sunday MorningにDiebenkornが行ったインタビューの中で、彼は自分の環境が常に彼の作品に与えた影響について言及しています。彼は、場所の感覚が他の何よりも彼の成熟した絵画に影響を与えたと詳述しています。オーシャンパークの絵画は、以前の10年間の具象画が何かからの出発であったのと同じように、何かへの回帰ではありません。両方の時期において、Diebenkornは構成、調和、色彩、バランスの問題を探求しました。オーシャンパークシリーズも同様で、Diebenkornが現実の世界、ここではサンタモニカのビーチフロントの世界で出会った光、形、空間の美的配置を使用して、同じ問題へのさらなる探求を促しています。

Richard Diebenkorn - Ocean Park 43, 1971. Oil and charcoal on canvas. 93 × 81 in. 236.2 × 205.7 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

絵を始める方法

彼のキャリアの後半、いつかは不明だが、ディーベンコーンはこれまでの画家としての経験から得た教訓をまとめたリストを書き留めた。そのリストには10のオリジナルの格言が含まれていた。彼はそれを「絵画を始めるための自分へのメモ」と呼んだ。完全なリストは彼が頻繁に共有したため、他の場所でオンラインで入手可能なので、ここに含める必要はない。しかし、リストのいくつかの項目を覗いてみると、彼のスタイルや、抽象、具象、実験に対するディーベンコーンが発展させた成熟した態度について多くのことが明らかになる。

リストの最初の項目には次のように記されています： “確実でないことに挑戦せよ。確実性は後で訪れるかもしれないし、訪れないかもしれない。それは貴重な幻想であるかもしれない。” 別の項目には単に “混沌を受け入れよ。” と記されています。これらのメモは、探求にコミットしたアーティストを明らかにしています。彼は、いわゆる現実世界の客観性を内面的な創造プロセスの出発点に過ぎないと見ていました。肖像画、人物画、または幾何学的抽象構成を描く際、彼は確実性から離れ、普遍的な調和の感覚に向かって作業していました。リストの別の項目には “間違いは消せないが、現在の位置から動かしてくれる。” と記されています。この感情は、彼のすべての絵画の豊かな層とテクスチャーに現れ、しばしば困難で時間のかかる努力がその存在を主張しています。

Richard Diebenkorn - Ocean Park 135, 1985. Oil, crayon, and ink on canvas. 16 3/4 x 17 1/2 in. 42.5 x 44.5 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

謙虚な巨人

リチャード・ディーベンコーンは、キャリアの過程で多くの高みを達成しました。彼は1950年代にベイエリア・フィギュラティブ・スクールの創設メンバーであり、これは現代アメリカ美術においてフィギュラティブ・ペインティングを再導入したことで評価されています。1980年代半ばまでに、彼はアメリカ合衆国で最も高給の生存アーティストの一人となりました。そして1990年代には、彼は国立芸術メダルを受賞し、これはアメリカ政府がアーティストに授与する最高の栄誉の一つです。

しかし、彼の影響にもかかわらず、あるいはそれから自分を守ろうとする試みとして、彼は謙虚で勤勉なアーティストであり続けました。彼は最終的に都市を離れ、ナパの西にあるロシアンリバー・バレーに北へ戻りました。そこで、病気にかかるまで絵を描き続けました。彼が働ける限り、晩年のシガーボックスリッドシリーズのように抽象画を描くことや、彼の自然の家の風景を描くことにおいて、彼は生涯の情熱である色、空間、調和の探求、そして絵画の古代の課題と伝統への献身に忠実であり続けました。

リチャード・ディーベンコーン - シガーボックスの蓋 8, 1979年。木製シガーボックスの蓋に油彩とグラファイト。6 1/2 x 5 3/4 インチ。16.5 x 14.6 cm。© リチャード・ディーベンコーン財団、バークレー

特集画像: リチャード・ディーベンコーン - オーシャンパーク 89.5 (詳細), 1975年。キャンバスに油彩と木炭。© リチャード・ディーベンコーン財団、バークレー
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による