抽象芸術におけるテクスチャーの重要性
一般的に、アートにおけるテクスチャーには、人生と同様に大きく分けて2つのカテゴリーがあります：粗いものと滑らかなものです。どちらも硬いものや柔らかいもの、湿ったものや乾いたもの、有機的なものや合成的なものなど、さまざまなバリエーションが可能です。そして、粗さと滑らかさの無限のグラデーションが存在します。しかし、テクスチャーが人生で果たす機能とアートで果たす機能を分ける重要な違いがあります。人生において、テクスチャーは生存に関わる問題であることがあります。何かが滑りやすい、ぬるぬるしている、うろこ状である、またはふわふわしているかどうかの認識は、生死を分けることがあるのです。アートにおけるテクスチャーはそれほど深刻ではありません。ほとんどのアート作品は触れることさえ意図されていません。そして、アート作品に触れることができる場合でも、そのテクスチャーは私たちの生存よりも美的体験に関連しています。それでも、テクスチャーはアートとの相互作用において重要な部分です。それは、ライン、色、形、フォルム、価値、空間とともに、7つの正式な芸術要素の1つです。テクスチャーは気分に影響を与え、心理的な連想を呼び起こし、メディウムに注意を引き、作品に使用される材料に焦点を移すことができます。巧みに使われれば、テクスチャーは私たちの現実に対する認識に挑戦することさえできます。
ドラマと光
抽象画家がテクスチャーを実験する最も初期の方法の一つは、インパストと呼ばれるプロセスを通じて行われました。絵画がインパストであると言うとき、画家が表面に厚い層で絵具を塗ったことを意味します。インパストの作品は、画家によって作られた物理的な痕跡を強調するため、絵画的であると見なされます。ヴァン・ゴッホのようなポスト印象派の画家は、インパストを使用してドラマを創造し、光が彼らの画像の表面とどのように相互作用するかに影響を与えました。なぜなら、インパストの層は影とハイライトを生み出すからです。ジャクソン・ポロックのような抽象表現主義の画家は、厚く層を重ねた絵具を使用して、絵画行為に注意を引き、アーティストの個性と独自の技法を明らかにします。
インパストテクスチャの反対は平面性です。ヘレン・フランケンタラーやケネス・ノーランドのようなアーティストは、キャンバスに染みを付け、薄めた絵具を未プライムのキャンバスに直接注ぎ込むことで、表面と絵具を融合させました。彼らの平面的なテクスチャは、アーティストの物理的なジェスチャーから注意をそらし、色、表面、空間などの他の要素の考察を促しました。カジミール・マレーヴィチのような初期の抽象アーティストも、平面的で非絵画的なイメージを描きました。興味深いことに、マレーヴィチが描いたアイコニックな平面絵画の多く、例えば黒い四角は、年を経るにつれて、アーティストが意図したものとは異なるテクスチャを獲得しています。このような作品において、観客が知覚する意味がテクスチャの変化によって変わったのかどうかを考察するのは魅力的です。
Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow
物理的テクスチャと視覚的テクスチャ
アートにおけるテクスチャーは、少なくとも二つの方法で認識されることができます：触覚（物理的テクスチャー）を通じて、そして視覚（視覚的テクスチャー）を通じて。物理的テクスチャーは、アートワークに物体性の感覚を与えます。それは、具体的な物理的世界と関連付けられます。イタリアのアーティストアルベルト・ブルリは、彼の作品において、観客に原始的な感情的反応を呼び起こすことができる物理的テクスチャーを作り出すために、見つけた素材を使用しました。韓国のダンセクファアーティストや、日本のアバンギャルド具台グループに関連するアーティストも、物質性に重点を置いており、具台マニフェストに記されているように、「人間の特性と物質の特性を融合させることによって、私たちは抽象的な空間を具体的に理解することができる」と信じています。
他のアーティストは視覚的なテクスチャの可能性により興味を持っています。イギリスのオプアート画家ブリジット・ライリーの絵画は完全に平坦ですが、目を欺いてテクスチャのある波や立体的な層を知覚させます。抽象写真家も視覚的なテクスチャで遊びます。カナダ生まれの抽象写真家ジェシカ・イートンは三次元のオブジェクトを作り、それを複数のフィルターで撮影します。彼女の平坦なプリントはテクスチャがないように見えますが、よく見ると彼女が作ったオブジェクトの物理的なテクスチャが現れ、目を混乱させてそれが現実のテクスチャなのか想像上のものなのかを知覚させます。
Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)
抽象彫刻におけるテクスチャー
抽象芸術家は三次元空間で活動することで、作品が触れられることを意図しているため、テクスチャーの要素に対処する追加の機会を享受しています。ヘスス・ラファエル・ソトは、観客が通り抜けることができる大規模な三次元彫刻ペネトラブルを制作しており、触手の滑らかで合成的なテクスチャーが彼らを包み込み、審美的な体験の一部となります。また、ヘンリー・ムーアのように、多くの公共の屋外彫刻を制作したアーティストは、時間、人間の手、そして自然の要素が作品の本質的な性格をどのように変化させるかを示す機会を持っています。
Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto
テクスチャーは、抽象芸術を理解する上で極めて重要です。ドナルド・ジャッドによって作られた特定のオブジェクトは、その滑らかで高光沢の工業的なテクスチャーがなければ、私たちにとってどのような意味を持つのでしょうか。それは、ミニマルで現代的な作品としての地位に不可欠でした。また、ドイツ生まれのスイスのアーティスト、メレット・オッペンハイムによる毛皮で覆われたコーヒーセットオブジェクトは、その不気味なテクスチャーなしにシュルレアリスムのアイコンとなることができたでしょうか。見るため、触れるため、またはその両方のために意図されているかどうかにかかわらず、抽象芸術のテクスチャーを考察することで、私たちは新たなレベルでそれに関連し、理解を深め、感謝の気持ちを高め、作品における意味を変えることができます。
Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd
特集画像: アルベルト・ブルリ - クレット（詳細）、1975年。アクロビニル、セルロテックス。© 2019 アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク / SIAE、ローマ
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フィリップ Barcio による
