抽象芸術におけるインパスト絵画

アメリカで最も象徴的な建物の一つは、ローワー・マンハッタンにあるワン・ワールド・トレード・センターです。2001年に破壊されたツインタワーに代わる開発の中心として、その存在自体が強力なメッセージを発信しています。その象徴性を際立たせるのは、南入口のロビーに永久に設置された二つの巨大な抽象的 インパスト 絵画です。この建物は「フリーダムタワー」と呼ばれ、西半球で最も高い建物です。高さは1776フィートで、これはアメリカが独立を宣言した年を意図的に参照しています。南ロビーの壁を飾る前述のインパスト絵画は、アメリカのアーティスト、ドナルド・マーティニーによるものです。絵画の一つはレナペと名付けられ、もう一つはウナミと名付けられています。これらのタイトルは、ニューヨークの先コロンブス時代の歴史を参照しています。レナペは、フリーダムタワーが建てられた土地に元々住んでいた先住民族の部族です。ウナミはレナペの方言です。フリーダムタワーの最上部には「ワン・ワールド・オブザーバトリー」と呼ばれる展望台があります。展望台から見渡す限り、周囲の環境はかつてレナペ文化を支えていました。この建物が伝えようとしていることは何でしょうか？それは人類史上最悪のテロ攻撃の一つを追悼するために設計されました。一つの世界、自由、独立、貿易の理念を前面に押し出しています。訪問者に長期的な視点を持つことを促しています。そして、その最も目立つアートワークは、創造に責任を持つ国を築くために従属させられた人々の名前が付けられています。ここでどんな会話が行われているのでしょうか？このすべての象徴の意味は何でしょうか？おそらく、アートワーク自体や、インパスト 絵画が表す抽象的な特質から学ぶべきことがあるのかもしれません。

影と光

インパストという用語は、イタリア語で生地を意味します。絵画においては、作品にテクスチャーの次元を提供するために、表面に厚い層のメディウムを塗布する技法を指します。16世紀のイタリアの画家ティツィアーノは、意図的にインパスト技法を彼の絵画に取り入れた最初のアーティストの一人として知られています。彼は、絵画が滑らかな表面と目に見える筆跡の欠如で評価されていた時代にこの技法を使い始めました。リアリスティックな絵画の達人であるティツィアーノは、表面の特定の領域に絵具を蓄積することで、光がそれに反射する様子に変化を生み出し、絵画の要素に生命感を与えることができることに気づきました。

各インパスト画の筆致は、光が盛り上がった絵具に当たることで生じる影から、色のグラデーションを生み出します。光の位置や観客の視点によって、インパスト画は微妙に変化し、深みのバリエーションや高まったリアリズムの感覚を加えます。ティツィアーノは自身の時代において、筆致を見えるようにし、素材の特性を表現することで伝統に逆らっていました。しかし、彼はその技法を非常に巧みに使いこなしていたため、彼の影響でこの技法はすぐに広まりました。17世紀には、レンブラントが彼の作品にインパスト画を取り入れていることで有名でした。そして19世紀には、この技法は非常に評価され、ゴッホはそれを彼の商標スタイルにしました。

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

抽象表現

20世紀の初め頃、表現主義者と呼ばれる画家たちのグループは、単に外部の現実を捉えるのではなく、内面的な感情状態を絵画で表現する方法を探していました。彼らは、好ましい技法の一つとしてインパスト技法を採用しました。厚く重ねられた絵具は、重さ、深さ、重力など多くの固有の特性を持っています。厚く塗れば塗るほど、より多くの影を生み出します。それはイメージを抽象化し、観客が主題とどのように関わるかを歪めます。表現主義者たちは、真剣さ、強度、ドラマを伝えるのに理想的だと考えました。

表現主義が注目を集めていた頃、抽象も多くのアーティストにとって重要な関心事となっていました。インパスト画法は、主題から作品の形式的な特質に焦点を移すのに役立つため、抽象画家にとって理想的な技法であることが判明しました。したがって、抽象的なインパスト画は、ペイント以外の何かについてである必要はありません。ハンス・ホフマンは、インパスト画法を完全に受け入れた特に影響力のある抽象アーティストの一人でした。ホフマンは、現実を模倣するのではなく、美学の形式的要素に焦点を当てることで、アーティストはより深い真実を表現できると信じていました。彼は、構造、空間、色、形、そして錯覚の抽象的な特質を表現するためにインパスト画法を使用しました。

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

彫刻的次元

ホフマンは画家であるだけでなく、教師でもありました。彼が教えた多くの学生、例えばヘレン・フランケンターラーやLee・クラズナー（ジャクソン・ポロックの妻）などは、抽象表現主義運動の重要な人物となりました。ホフマンは、これらの画家が自分の媒体にどのように関わるかに深い影響を与えました。多くの抽象表現主義の画家の焦点は、無意識の感情を伝え、絵画行為の感情と強度をキャンバスに捉えることにあったため、ホフマンは彼らに、媒体の物質的特性が作品の重要な要素であるべきだと教えました。

彼は彼らに「各表現媒体にはそれぞれの存在の秩序がある」と教えました。ジャクソン・ポロックやジェーン・フランクのような画家たちの手の中で、インパスト画は文字通り全く新しい次元を持つようになりました。ジェーン・フランクは、彼女のインパスト表面に彫刻的な層を構築しました。ジャクソン・ポロックは、インパスト層の重さが彼の作品の支持体を破壊する脅威となるほどの大量の絵具を飛ばし、垂らし、注ぎました。抽象表現主義者たちはさらに、インパスト画の概念を絵具以外のもの、例えば異常な媒体や破片、壊れたガラス、石、タバコの吸い殻などを含むように拡張しました。これらの画家たちは、インパスト層に異常な材料や媒体を加えることで、概念的な深さと物理的な深さの両方を表現しました。

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

ペイントについて

抽象表現主義の感情的な強度に応じて、インパスト画は1960年代と70年代に多くのアーティストの間で人気を失いました。特に、ミニマリズムに関連するアーティストたちです。これらのアーティストは、作品を制作した個々のアーティストの痕跡を排除した滑らかな表面を作り出そうとしました。超滑らかな表面を作るために、彼らは染色やスプレーなどの技術に頼り、機械化された産業プロセスを使用しました。しかし、1980年代にはインパストへの愛が戻ってきました。

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

技法が再び注目を集めた理由の一つは、ミニマリズムの無機質さに対する反発でした。もう一つの理由は、芸術材料の形式的な特性への関心の高まりです。ミニマリスト美学の特に成功した表現の一つが、モノクローム絵画でした。モノクロームは、純粋な色と平面性を表現します。1980年代には、ジェームズ・ヘイワードやアラン・エブノザーのような画家たちが、インパスト絵画を通じてモノクロームを再構想し始めました。彼らのインパストモノクロームは、色の表現を受け入れつつ、物理性と媒体の特異性の次元を加えました。ミニマリストモノクロームの工業的な匿名性を排除し、アーティストの痕跡を再導入することで、感情と個性を再優先し、絵具の本質的な特性に新たな注目を集めました。

ジェームズ・ヘイワード - 抽象 31, 2001年。キャンバスに油彩。30 x 28 インチ。© ジェームズ・ヘイワード (左) と非対称クロマコード 38, 2009年。木製パネルに油彩。© ジェームズ・ヘイワード (右)

生地を超えて

インパスト画の歴史を振り返ると、この技法がさまざまな抽象的な連想を伴っていることは明らかです。その初期の段階では、作品が絵具から作られているという事実を隠さないという前例のない一歩を踏み出しました。その意味で、幻想を打ち砕きました。その後、暗闇と光の間の微妙でしばしば変化する違いを強調する役割を果たしました。モダニズムの時代には、インパスト画は無意識の深い感情や原始的な感覚を表現する方法となりました。そして現代の使用においては、芸術的なジェスチャーそのものの力とシンプルさの表現となっています。それでは、ワン・ワールド・トレード・センターとそのロビーにあるドナルド・マーティニーの抽象的なインパスト画との間で行われている会話について、私たちは何を推測できるでしょうか？ 

これらの絵画は巨大なインパストのブラシストロークのように見えますが、実際には非常に手間のかかるプロセスで慎重に作られています。その過程で、マルティーニは層を重ねるためにメディウムを注ぎ、垂らし、塗りつけ、時には素手を使います。これらは、努力、適応、忍耐、ビジョン、そして時間をかけて層を慎重に積み重ねることに内在する強さを表現しています。それ以上に、すべてのインパスト絵画と同様に、レナペとウナミもまた、幻想の粉砕、闇と光の進化する性質、感情的および肉体的な深さの範囲、そして人間の無意識の原始的な現実を象徴しています。この視点から考えると、彼らは美的な対象以上のものになり、象徴的なジェスチャー以上のものになります。彼らは、自らのメディウム、環境、名の由来、歴史、そして時代の完璧な抽象的代表となります。

特集画像: ドナルド・マーティニー - レナペ, ワン・ワールド・トレード・センター, 2015, © ドナルド・マーティニー
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フィリップ Barcio による