20世紀を彩った光学的錯覚アート
現実は常に固定されているわけではなく、少なくとも人間の心にはそのように見えることがあります。私たちが信じることは、ある程度は私たちが知覚することに基づいていますが、私たちが知覚することもまた、時には私たちが信じることによって決定されます。オプティカル イリュージョン アート、略して オプ アート は、人間の知覚の奇妙さを意図的に利用する美的スタイルであり、人間の目が人間の脳を欺く能力を与えます。パターン、形、色、素材、形状を操作することによって、オプアーティスト は目を欺く現象を創造し、観客を混乱させて実際に存在する以上のものを見させようとします。そして、信念は事実と同じくらい影響力を持つ可能性があるため、オプアートはどちらが重要かという問いを投げかけます：知覚か真実か。
光学的錯覚アートの簡単な歴史
オプ・アートは、トロンプ・ルイユと呼ばれる技法にそのルーツを持ち、これはフランス語で目を欺くという意味です。このような芸術における傾向の最も古い言及は古代にさかのぼり、古代ギリシャの芸術家たちは、人々がその画像が本物であると文字通り信じ込むほどリアルな絵画を作ろうとしました。この技法は、その後何世紀にもわたって流行したり廃れたりし、19世紀にはトロンプ・ルイユの絵画、1874年にペレ・ボレル・デル・カソによって描かれた批判からの脱出のような作品でその真髄を発揮しました。この作品は、子供が絵画のフレームから登り出る超リアルなイメージを示しています。
Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso
しかし、目を欺くことを意図しているとはいえ、オプアートはハイパーリアリスティックアートとは異なります。実際、今日私たちが知っているオプアートは、より抽象的であり、幾何学的な構成に依存して、非現実的な形や空間の平面が存在するように目を納得させます。目を欺くために設計された最初の抽象技法は、点描と呼ばれました。点描画家は、事前に色を混ぜるのではなく、キャンバス上に混ざっていない色を隣り合わせに置くことで、色の固体の領域の錯覚を作り出しました。これらの絵画は遠くから見ると、色が混ざっているように見えます。ジョルジュ・スーラは点描を発明し、オンクルールの灯台のような絵画でその効果をマスターしました。
Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon
抽象的な幻想
点描法の根底にある概念は、アーティストたちが心を欺いて絵を完成させる方法を探求する中で、最終的に多くの他の技法を生み出しました。それは、イタリアの未来派の分割主義や、キュビズムの四次元平面にインスピレーションを与えました。しかし、その最も成功した応用は、幾何学的抽象の美学と組み合わされたときに現れました。例えば、1913年にヨーゼフ・アルバースによって描かれた抽象的な幾何学的エッチング構造的星座のように。
彼自身の声明によれば、アルバースはこの作品で光学的錯覚を作ろうとしていたわけではありません。彼は二次元の表面上での線や形の知覚に関する単純な構成実験に取り組んでいました。それにもかかわらず、彼は表面上の線、形、色の配置が、実際に心が現実を知覚する方法を変えることができることを発見しました。そして、彼は自分の作品で観客を意図的に欺こうとはしませんでしたが、それでも彼はこれらの効果を調査するために一生を費やしました。
Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation
ゼブラとチェスボード
ヴィクトル・ヴァザレリは、アルバースの同時代人であり、彼のアートで観客を欺く方法を見つけるために意識的な努力をしました。ヴァザレリは画家であると同時に科学者でもあり、これら二つの追求がどのように結びついて知覚に影響を与えるかに特に興味を持っていました。1920年代の初めには、アーティストは線の操作だけで二次元の表面を完全に歪め、心を欺いてそれを三次元空間として知覚させることができることを学びました。
ヴァザレリが彼の作品で繰り返し取り上げたテーマの一つはシマウマでした。この動物の縞模様は、実際には自然の捕食者を欺く役割を果たしており、黒と白の縞模様が周囲と相互作用するため、捕食者は動物がどの方向に走っているのかを見分けることができません。この現象の秘密を解き明かすにつれて、彼はそれをより複雑な幾何学的構成に応用し、1960年代には今日のモダニスト・オプ・アート運動と見なされる独自のスタイルを創り出しました。
Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely
黒と白
20世紀で最も有名なオプティカル・イリュージョン・アーティストの一人は、イギリスのアーティストブリジット・ライリーであり、彼女はヴィクトール・ヴァザルリの作品に直接インスパイアされました。ライリーは1950年代初頭にロイヤル・カレッジ・オブ・アートで学びました。彼女の初期の作品は具象的でしたが、広告会社でイラストレーターとして働くようになってから、視覚的な錯覚を作り出すことにより興味を持つようになりました。彼女は点描法を調査し、その後分割主義を探求し、最終的には主に白黒の幾何学的抽象に基づいた自身のオプ・アートの独自のスタイルを発展させました。
ライリーは、自身の作品において光学的錯覚を作り出すことに非常に成功したため、観客は時々彼女の絵を見ているときに、乗り物酔いや海の病を感じると報告しました。この現象はライリーを魅了し、彼女は知覚と現実の境界が実際には非常に脆いものであり、錯覚によって引き起こされた信念が物理的な世界において実際の結果をもたらす可能性があると確信するようになりました。ライリーは言いました、「意味が集中し、現実が固定できた時代があった。そのような信念が消えたとき、物事は不確かになり、解釈の余地が生まれた。」
Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley
反応する目
モダニスト・オプ・アート運動の頂点は、1965年にアメリカを巡回した「レスポンシブ・アイ」と呼ばれる展覧会で迎えました。この展覧会では、さまざまな美的立場を代表する数十人のアーティストによる120点以上のアート作品が展示されました。展示には、ヴィクトル・ヴァザレリやブリジット・ライリーの非常に錯覚的な作品、フランク・ステラやアレクサンダー・リーバーマンのより控えめな幾何学的抽象作品、ウェン・イング・ツァイやカルロス・クルス＝ディエスの動的彫刻が含まれていました。
「レスポンシブ・アイ」グループには、彫刻家ヘスス・ラファエル・ソトも含まれており、彼はおそらく、ペネトラブルと呼ばれる作品群を通じて、オプ・アートを三次元的知覚の領域に最も進めたと言えるでしょう。これらのインタラクティブな創作物は、観客が通り抜けることができる部分的に塗装されたぶら下がるプラスチックチューブの数百本で構成されています。静止しているとき、これらは空間に浮かぶコンクリートの形の印象を与える驚くべき錯覚を呈します。しかし、観客が彫刻に物理的に触れると、その錯覚は解消され、コンクリートの現実が実際に人間の手によって歪められ、変化することができるという知覚を与えます。
Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto
オプアートの遺産
オプアートの祝福と呪いは、その人気にあります。このムーブメントが1960年代に最高潮に達したとき、多くの批評家はそのイメージがTシャツ、コーヒーマグ、ポスターなどのキッチアイテムの製作者によって貪欲に取り入れられたため、嫌悪感を抱きました。しかし、ヴィクトル・ヴァザレリやヘスス・ラファエル・ソトのようなアーティストにとって、それこそが正にポイントだったのです。
これらのクリエイティブは、芸術作品の価値は、観客がその完成にどの程度参加できるかによって決まると信じていました。彼らは、各新しい観客に適応する美的現象を作り出し、無限の解釈の可能性を生み出しました。彼らのアートが大衆レベルで消費されることは、彼らの概念と完全に一致しており、人々とアートの間に障壁があってはならず、存在するように見える障壁は私たちの認識の中にのみ存在するということです。
特集画像: ヴィクトル・ヴァザレリ - ヴェガ＝ノール, 1969年。アクリル画。200 x 200 cm。© ヴィクトル・ヴァザレリ
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による
