ミッチェル・イネス＆ナッシュがジュリアン・スタンチャクのアートに敬意を表します
画家ジュリアン・スタンチャクは、今年の初めにオハイオ州クリーブランドの故郷で88歳で亡くなりました。彼の死の前に、ニューヨークのミッチェル・イネス＆ナッシュは、彼の作品の2回目の個展を計画していました。その展覧会は、スタンチャクが亡くなってから2ヶ月も経たない5月18日にオープンし、単なる展示以上のものとなりました。それは、真に愛され、影響力のあるアーティストの作品と人生を祝うものです。展覧会のサブタイトルは表面の人生、1970-1975年の絵画です。示されているように、70年代の5年間に制作された作品のみが展示されています。しかし、より重要なのは、スタンチャクが彼の作品に、そして一般的なアート界に持ち込んだ生命への言及です。最終的にオプ・アートとして知られるようになったものの先駆者の一人として、スタンチャクは色と線という単純な要素だけを使って達成できる驚くべきことを発見した先駆者でした。
偶然にオプアートを発明する
今日、オプアートという用語は、ほとんどのアート愛好家、キュレーター、教育者、コレクターによって、実際には存在しない動き、空間、光を知覚させるトリッピーな幾何学的アートの一種を指すものとして理解されています。このムーブメントは、通常、初期の頃に最も注目を集めた提唱者であるブリジット・ライリーやヴィクトール・ヴァザレリーのような数人の著名なアーティストに結びついています。そして、現代の観客は、関与するアーティストが理解されたアジェンダを持っていた、または少なくとも一貫した美的方向に向かっていたと認識する、統一されたムーブメントとしてそれを捉える傾向があります。
しかし、オプアートに関する真実はそれほど華やかではありません。この用語は、他ならぬジュリアン・スタンチザクの作品展のタイトルから生まれました。この展示は彼のニューヨークでの初めてのもので、1964年にマルタ・ジャクソン・ギャラリーで開催されました。マルタ・ジャクソン自身がこの展示をジュリアン・スタンチザク：オプティカル・ペインティングスと名付けました。彼はクリーブランドの自宅からニューヨークに旅行し、展示を見に行った際、ギャラリーの窓に書かれたタイトルを初めて目にしました。2011年のインタビューで、スタンチザクはこう振り返りました。「私は言った、‘なんてこった、どこでそれを手に入れたの？マルタ、どうしてオプティカルと言えるの？’」ジャクソンは彼を落ち着かせようと、「ねえ、ジュリアン、これはアート批評家たちが考えるためのものだよ。」と返しました。そして、彼らは考えました。実際、当時Arts誌で批評を書いていた若い彫刻家ドナルド・ジャッドがこの展示をレビューし、そのタイトルに言及してオプアートというフレーズを造りました。
ジュリアン・スタンチャク - スタティック・ブルー, 1973年, アクリル・キャンバス, 48x120インチ
色と線
振り返ってみると、特定のタイプの絵画を取り上げて「オプティカル」と呼ぶのは滑稽に思えます。「オプティカル」という言葉は、可視光スペクトル内に存在する現象に関連しています。しかし、マルタ・ジャクソン・ギャラリーでの最初のジュリアン・スタンチャクの展示に含まれていた絵画の文脈では、この用語は単に目に見えるものを指すだけでなく、むしろ光学的錯覚に関係するものとして解釈されました。スタンチャクは、色と線の組み合わせを用いて、深さと動きの印象を与え、作品の表面から光が放射されていることを示唆しました。しかし、作品には誰かを欺こうとする試みは何もありませんでした。それは単に、色と線が単独で何を達成できるかの可能性を探るものでした。
彼の色と線の要素への最初の魅力は、ニューヨークでの最初の展示会の数十年前、第二次世界大戦中にウガンダの難民キャンプにいた若者の頃に始まりました。彼は労働キャンプで働いている間に支配的な右腕の機能を失い、その後、無能な軍の医者によってさらに怪我をしました。その怪我は彼の音楽家になる夢を終わらせたため、アフリカに到着し、その美しさと色に気づくと、左手で描き、絵を描く機会を得ました。その時期の彼の作品は素晴らしく、非支配的な手であっても現実から描く異常な能力を持っていることを示しています。しかし、彼は自分が見て経験したものを描くことに興味はありませんでした。代わりに、彼は過去を忘れ、普遍的な何かを描くのに役立つ抽象的な主題を求めました。
ジュリアン・スタンチャック - サーフェスの生命、1970年 – 1975年の絵画、ミッチェル・イネス＆ナッシュNYでのインスタレーションビュー、2017年
オハイオに来る
彼はできるだけ早くアメリカに来て、オハイオに住んでいる家族のメンバーに加わりました。彼はクリーブランドの街が自分の芸術的な野望に適していることを発見し、そこには活気ある交響楽団と美術館がありました。彼はシンシナティ美術アカデミーの美術クラスに入学し、そこで色の要素に特に焦点を当て始めました。しかし、彼はすぐに自分が知りたいことを教えてくれる人が学校にはいないことに気づきました。スタンチャクは言いました。「私は色を楽しんでいました。そして、もっと知りたいと思っていました。しかし、誰も私の質問に答えてくれませんでした。だから、アルバーズは専門家だと聞きました。彼はどこで教えているのですか？イェール大学です。だから、私はイェールに行きます。"
アルバーズによって、スタンチャクはジョセフ・アルバーズを指していました。彼は色彩に関する最も著名なモダニストの専門家の一人です。ジョセフ・アルバーズと彼の妻アニは、第二次世界大戦前にバウハウスで影響力のある教師でした。ナチスがバウハウスを閉鎖させたとき、彼らは招待を受けてノースカロライナに旅行し、ブラックマウンテンカレッジで教えました。その後、彼らはイェール大学に移りました。アルバーズが世界で最も色彩に関する専門家であると聞いたスタンチャクは、大学院の研究のためにイェールに応募しました。そして、アルバーズの下で学ぶうちに、彼は自分が表現したいと切望していたすべてが、色彩と単純な線の追加によって表現できると確信するようになりました。
ジュリアン・スタンチャック - サーフェスの生命、1970年 – 1975年の絵画、ミッチェル・イネス＆ナッシュNYでのインスタレーションビュー、2017年
反応する目
彼の最初の展示会がマルサ・ジャクソン・ギャラリーで行われてから2年後、オプ・アートという用語が生まれた展示会の後、ニューヨークの近代美術館はレスポンシブ・アイと呼ばれる幾何学的抽象芸術の野心的な展示会を開催しました。ジュリアン・スタンチャクはこの展示に含まれ、彼のイェール大学の教師であるジョセフ・アルバース、前述のブリジット・ライリー、ヴィクトル・ヴァザレリ、そして15カ国からの他の95人のアーティストも参加しました。この展示会は、オプ・アートを広く一般に紹介したことで有名になりました。しかし当時、MoMAは展示作品を指してオプ・アートという用語を使用することはありませんでした。代わりに、美術館は知覚のような用語を使用して、アーティストたちが幾何学、色、表面、線、光を使って人々の視覚をどのように探求しているかを強調しました。
ウィリアム・C・サイツが「レスポンシブ・アイ」展のプレスリリースで述べたように、「これらの作品は、観察者の目と心における知覚的反応の生成器として存在するものであり、検査されるべき対象として存在するものではありません。線、バンド、パターン、平坦な色の領域、白、灰色、黒、またはきれいに切り取られた木、ガラス、金属、プラスチックのみを使用して、知覚的アーティストは観察者と作品との新しい関係を確立します。これらの新しい種類の主観的経験は...作品自体には物理的に存在しないにもかかわらず、目には完全にリアルです。」レスポンシブ・アイは、ジュリアン・スタンチャクのキャリアに大きな後押しを与え、展覧会に参加した他の多くのアーティストにも恩恵をもたらしました。しかし、スタンチャクはニューヨークに移住せず、そこで巨大な名声を享受することができたにもかかわらず、クリーブランドに留まり、クリーブランド美術大学で38年間絵画の教授を務めました。
ジュリアン・スタンチャック - サーフェスの生命、1970年 – 1975年の絵画、ミッチェル・イネス＆ナッシュNYでのインスタレーションビュー、2017年
ジュリアン・スタンチャクを思い出して
クリーブランドの自宅から、アートの世界の中心地から離れて、スタンチャクは生涯を通じて彼の絵画における色と光の探求を続けました。彼の非利き手である左手を使って絵の具の層を重ねるという手間のかかるプロセスは、時間がかかり、労力を要しました。しかし、彼のプロセスの中で彼は喜びと解放を見出し、これらは彼の作品から溢れ出ています。数十年の間に、彼の絵画は世界中のほぼ100の美術館に収蔵されましたが、ニューヨークのギャラリーにはほとんど無視されていました。
しかし、2004年にスタンチャクはニューヨークに戻り、ステファン・スタックス・ギャラリーで連続してソロショーを開催しました。そして、次の10年間で彼は市内のいくつかのグループ展に出展し、徐々にアートを購入する人々の心の中で再び目立つようになりました。2014年には、ミッチェル・イネス＆ナッシュで初めての展覧会が開催されました。現在の彼の作品の追悼展は、スタンチャクが確かに生涯をかけて彼の絵画の表面に命を吹き込んできたことを完璧にサブタイトルとして表しています。この展覧会は2017年6月24日までしか開催されないので、ぜひ見に行ってください。しかし、もし見逃しても心配しないでください。世界が失った天才を認識するにつれて、これはこの色と線の巨匠の遺産を祝う最初の展覧会に過ぎないでしょう。
特集画像：ジュリアン・スタンチャク - 表面の生命、1970年 – 1975年の絵画、ミッチェル・イネス＆ナッシュ、NYでのインスタレーションビュー、2017年
すべての画像はミッチェル・イネス＆ナッシュの提供です
フィリップ Barcio による
