ミッチェル・イネス＆ナッシュがジュリアン・スタンチャクのアートに敬意を表します

画家ジュリアン・スタンチャクは今年初めに故郷オハイオ州クリーブランドで88歳で亡くなりました。彼の死の前、ニューヨークのミッチェル＝インズ＆ナッシュは彼の作品のギャラリーでの2回目の個展を計画していました。その展覧会はスタンチャクの死後2か月も経たない5月18日に開幕し、単なる展示会以上のものとなりました。それは真に愛され影響力のある芸術家の作品と生涯を祝うものです。展覧会の副題は「表面の生命、1970年から1975年の絵画」です。示されている通り、70年代の5年間に制作された作品のみを展示しています。しかしより重要なのは、スタンチャクが自身の作品や芸術界全体に命を吹き込んだことへの言及です。最終的にオプ・アートとして知られるようになった運動の先駆者の一人として、スタンチャクは色と線という単純な要素だけで驚くべき効果を生み出すことを発見した先駆者でした。

偶然に生まれたオプ・アート

今日、「オプ・アート」という言葉は、多くの美術愛好家、学芸員、教育者、収集家にとって、実際には存在しない動きや空間、光を目の錯覚で感じさせるトリッピーで幾何学的な芸術の一種を指すものとして理解されています。この運動は通常、ブリジット・ライリーやヴィクトル・ヴァザルリのような著名な芸術家たちに結び付けられ、彼らは初期の頃、この運動の最も注目された支持者でした。そして現代の観客は、関わった芸術家たちが共通の目的を持ち、少なくとも統一された美的方向に向かっていたまとまりのある運動として捉えがちです。

しかし、オプ・アートの真実はそれほど華やかではありません。オプ・アートという言葉は、ジュリアン・スタンチャクの作品展のタイトルから生まれました。その展覧会は彼のニューヨークでの初個展で、1964年にマーサ・ジャクソン・ギャラリーで開催されました。マーサ・ジャクソン自身が展覧会のタイトルを「ジュリアン・スタンチャク：光学絵画」と名付けました。スタンチャクはクリーブランドの自宅からニューヨークに展覧会を見に行った際、ギャラリーの窓に書かれたタイトルを初めて目にし、「なんてことだ、どこからそんな言葉を？マーサ、どうして光学なんて言えるんだ？」と驚きました。ジャクソンは彼をなだめるために「ジュリアン、これは美術評論家たちが考えを巡らせるためのものよ」と答えました。そして評論家たちはまさにその通りにしました。実際、当時『アーツ』誌に批評を書いていた若い彫刻家のドナルド・ジャッドが展覧会を批評し、そのタイトルにちなんで「オプ・アート」という言葉を生み出しました。

ジュリアン・スタンチャク - スタティック・ブルー、1973年、キャンバスにアクリル、48×120インチ

色と線

振り返ってみると、特定の絵画の種類を選び出して「光学的」と呼ぶのは馬鹿げているように思えます。光学という言葉は可視光の範囲内に存在する現象全般に関わります。しかし、マーサ・ジャクソン・ギャラリーでの最初のジュリアン・スタンチャク展に含まれた絵画の文脈では、この言葉は単に見えるものを指すだけでなく、視覚の錯覚に関係するものとして解釈されました。スタンチャクは色と線の組み合わせを用いて、深さや動きの印象を与え、作品の表面から光が放たれているかのように示唆しました。しかし作品は誰かを騙そうとしたものではありません。単に色と線が単独で何を成し得るかを探求したものでした。

彼が色と線の要素に最初に惹かれたのは、ニューヨークでの最初の展覧会の数十年前、第二次世界大戦中にウガンダの難民キャンプにいた若い頃のことでした。彼は労働キャンプで働いている間に利き腕の右腕を使えなくなり、さらに無能な軍医によって傷が悪化しました。その怪我で音楽家になる夢は断たれ、アフリカに到着してその美しさと色彩に気づいた彼は、左手で絵を描くことを学ぶ機会を得ました。その当時の作品は非利き手でありながら現実から描く非凡な能力を示しています。しかし彼は見たものや経験したことを描きたいとは思いませんでした。代わりに過去を忘れさせ、普遍的なものを描く助けとなる抽象的な主題を求めました。

ジュリアン・スタンチャク - 表面の生命、1970年から1975年の絵画、ミッチェル＝インズ＆ナッシュ（ニューヨーク）での展示風景、2017年

オハイオへ

可能になるとすぐに、スタンチャクはアメリカに渡り、オハイオに住む家族のもとに加わりました。彼はクリーブランドの街が自身の芸術的志向に適していることを知り、活気ある交響楽団や美術館を発見しました。シンシナティ美術学院の美術クラスに入学し、そこで色彩の要素に特に集中し始めました。しかしすぐに、学校の誰も彼の知りたいことすべてを教えられないことに気づきました。スタンチャクは言いました。「色彩を楽しんでいた。もっと知りたかった。でも誰も答えてくれなかった。アルバースが専門家だと聞いた。彼はどこで教えている？イェールだ。だからイェールに行った。」

ここで言うアルバースとは、ヨーゼフ・アルバースのことです。彼は色彩の最も重要な近代主義の専門家の一人でした。ヨーゼフ・アルバースと妻のアニーは第二次世界大戦前にバウハウスで影響力のある教師でした。ナチスによりバウハウスが閉鎖されると、彼らは招待を受けてノースカロライナのブラックマウンテン大学で教え、その後イェールに移りました。アルバースが世界で最も色彩の専門家であると聞き、スタンチャクはイェールの大学院に進学しました。アルバースのもとで学ぶうちに、彼は自分が表現したいすべてが色彩と線の単純な組み合わせで表現できると確信しました。

ジュリアン・スタンチャク - 表面の生命、1970年から1975年の絵画、ミッチェル＝インズ＆ナッシュ（ニューヨーク）での展示風景、2017年

反応する目

マーサ・ジャクソン・ギャラリーでの最初の展覧会から2年後、オプ・アートという言葉が生まれた展覧会の後、ニューヨーク近代美術館は「反応する目」と題した幾何学的抽象芸術の野心的な展覧会を開催しました。ジュリアン・スタンチャクはこの展覧会に参加し、彼のイェールでの教師ヨーゼフ・アルバース、前述のブリジット・ライリーやヴィクトル・ヴァザルリ、そして15か国から95人の他の芸術家も参加しました。この展覧会はオプ・アートを広く一般に紹介したことで有名になりました。しかし当時、MoMAは展覧会の作品をオプ・アートと呼びませんでした。代わりに「知覚」という言葉を使い、芸術家たちが幾何学、色彩、表面、線、光を用いて人々の見方を探求する新しい方法を強調しました。

「反応する目」展の監督を務めたウィリアム・C・サイツは展覧会のプレスリリースでこう述べています。「これらの作品は鑑賞される対象というよりも、鑑賞者の目と心に知覚的反応を生み出すものとして存在します。線、帯、模様、平坦な色面、白、灰色、黒、またはきれいに切り出された木材、ガラス、金属、プラスチックだけを用いて、知覚芸術家たちは鑑賞者と作品の間に新しい関係を築きます。これらの新しい主観的体験は、作品自体には物理的に存在しなくても、目には完全に現実的に映ります。」この展覧会はジュリアン・スタンチャクのキャリアに大きな後押しを与え、他の多くの参加芸術家にも恩恵をもたらしました。しかしスタンチャクはニューヨークに移らず、そこで容易に大きな名声を得ることができたにもかかわらず、クリーブランドに留まり、クリーブランド美術学院で38年間絵画の教授を務めました。

ジュリアン・スタンチャク - 表面の生命、1970年から1975年の絵画、ミッチェル＝インズ＆ナッシュ（ニューヨーク）での展示風景、2017年

ジュリアン・スタンチャクを偲んで

クリーブランドの自宅で、芸術の中心地から離れた場所で、スタンチャクは生涯にわたり色彩と光を探求し続けました。利き手でない左手で何層にも絵の具を重ねる彼の丹念な制作過程は時間がかかり骨の折れるものでした。しかしその過程で彼は喜びと解放を見出し、それらは彼の作品から溢れ出ています。数十年にわたり、彼の絵画は世界中のほぼ100の美術館に収蔵されましたが、ニューヨークのギャラリーからはほとんど無視されていました。

しかし2004年にスタンチャクはスティーファン・スタックス・ギャラリーで連続した個展を開催し、ニューヨークに戻りました。その後の10年間で彼は市内のいくつかのグループ展に参加し、徐々に再び美術購入者の間で注目されるようになりました。そして2014年にはミッチェル＝インズ＆ナッシュで初めての展覧会が開かれました。現在の彼の死後の展覧会は副題が完璧で、スタンチャクは生涯を通じて絵画の表面に命を吹き込んだのです。展覧会は2017年6月24日までの開催なので、見たい方はお急ぎください。もし見逃しても心配はいりません。世界が失った天才を認識するにつれ、この色彩と線の巨匠の遺産を祝う最初の展覧会に過ぎないでしょう。

特集画像：ジュリアン・スタンチャク - 表面の生命、1970年から1975年の絵画、ミッチェル＝インズ＆ナッシュ（ニューヨーク）での展示風景、2017年

すべての画像はミッチェル＝インズ＆ナッシュ提供

フィリップ・Barcio 著