アル・ヘルドの光輝く構造物

私が初めて見たアル・ヘルドの絵画は、フレミッシュVIIという作品でした。黒いキャンバスに白で縁取られた幾何学的な形が重なり合うジャングルのような絵柄です。これを見たとき、真っ先に思い浮かんだのはビデオゲームの「アステロイド」でした。フレミッシュVIIは1973年に描かれましたが、「アステロイド」は1979年に登場しました。私はしばしば、このゲームのデザイナーたちがヘルドに触発されたのではないかと考えます。もしそうなら納得がいきます。ヘルドは仮想空間の領域で先駆者でした。1950年代に抽象表現主義を探求し、1960年代には平面的で硬質なエッジの抽象画を追求した後、彼は同世代の流行から離れ、絵画に遠近法を再導入しました。当時、古典的な遠近法、すなわち古典巨匠たちが愛された錯視的な空間感覚は、モダニズムによってほぼ消されていました。ヘルドはそれを抽象的な形で、しかしオプ・アートのような方法ではなく、遠近法を独自の形式的かつ概念的要素として復活させたかったのです。フレミッシュVIIはその試みの初期の作品であり、簡素でほとんど習作のような絵画です。時が経つにつれ、ヘルドはその基本的な前提を拡大し、色彩豊かで輝く幾何学的な物体が空間に浮かぶ、より複雑で錯視的な世界を構築していきました。デトロイトのデイビッド・クライン・ギャラリーで開催される展覧会「アル・ヘルド、輝く構造物：1990年代の絵画と水彩画」は、この作品群の進化における重要な短い瞬間を紹介します。イタリア滞在から戻った直後に制作された五点の大作と八点の水彩画を展示し、ヘルドが幾何学的抽象とルネサンス美術の建築的構造および錯視的遠近法をどのように融合させたかを示しています。

芸術家は選択をする

アル・ヘルドの最も有名な言葉は「選択」についてのものです。彼はこう言いました。「芸術家の深遠な力の一つは、彼が望み、選ぶものに自らを変えることができるということだ。それは彼の魂や遺伝子から来るのではなく、彼の選択から来るのだ。」ヘルドは生涯にわたり何度も自分自身を再発明することを選びました。16歳で学校を退学になった後、彼はアメリカ海軍に入ることを選びました。第二次世界大戦後、彼は芸術を学ぶことを選びました。最初の授業はニューヨークのアート・スチューデンツ・リーグで受けました。政治的な志向を持っていた彼は、その後ニューヨークを離れ、GIビルの給付を使ってメキシコに渡り、劇的で具象的、政治的な壁画で知られる偉大なメキシコの壁画家ダビド・アルファロ・シケイロスに師事することを選びました。しかし給付金がその学校には適用されないと知り、代わりにパリで学ぶことを選びました。パリでは、ヘルドは写実的な絵画を完全に捨て、抽象に転向しました。

アル・ヘルド - コールドブルック3、1991年、© アル・ヘルド、デイビッド・クライン・ギャラリー提供

1950年代初頭にニューヨークに戻ったヘルドは、その時代に盛んだった抽象表現主義の熱気を受け入れることを選びました。当時の彼の絵画はジェスチャー的な筆跡と厚塗りの油彩層が特徴ですが、それでも明確に構造化されています。やがてヘルドはその構造に注目し、個々の筆跡や形状を詳細に検証するかのような絵画を制作し始めました。やがてそれらの形の輪郭を滑らかにし、平坦で硬質なエッジの構成を作り出しました。この変遷は彼の最も著名な初期の作品群、文字シリーズへとつながります。これはアルファベットの文字を参照した大規模で平坦な硬質エッジの絵画群です。各作品はまるで文字を拡大して切り取ったかのようで、キャンバスに収まりきらないイメージのように見えます。これらの絵は目に見える以上のものがあることを示唆しています。これらはヘルドが錯視的空間を再び取り入れ始めた最初の作品であり、画家フランク・ステラの「そこに見えるものだけが存在する」という見解に対する直接的な挑戦とも見なされました。

アル・ヘルド - オリオン5、1991年、© アル・ヘルド、デイビッド・クライン・ギャラリー提供

他に何があるのか

多くの批評家は、これらの文字絵画がヘルドの最高傑作であり、それを超えた作品を制作したことを批判しました。しかしヘルドは、すべての絵画には目に見える以上のものがあると信じていたように、自身の経歴にも既に成し遂げたこと以上のものがあると信じていました。彼の専門的な仲間の多くが絵画をより平坦にしようとしていたのに対し、ヘルドはキャンバスの平面を超えようとしました。最初に黒と白の絵画、例えばフレミッシュVIIのような作品で奥行きを追求しました。次に形に色を加え、体積感を確立しました。さらにキュビスムに触発された断片的な空間とデ・ステイルに触発された格子を作品に組み込み、遠近法がいつ失墜したのかを探るかのようでした。次に陰影を加え、遠近法を完全に取り入れました。最後に加えた要素は、1990年代初頭の水彩画に見られる地平線線で、しばしば市松模様の地面によって強調されています。これにより、彼の構成は断片的で不思議な風景が遠くへと消えていくような存在感を持ちました。

アル・ヘルド - スカンドIII、1990年、© アル・ヘルド、デイビッド・クライン・ギャラリー提供

これらの作品は見る者をわくわくさせます。批評家や歴史家が当時それらを評価したかどうかにかかわらず、想像力の成果です。確かなことは、一般の人々がその壮麗さを評価したということです。1970年から2005年の死去までの間にヘルドが制作を依頼された多数の公共作品がその証拠です。彼の錯視的で体積感のある幾何学的世界は、テキサス州ダラス、オハイオ州アクロン、フロリダ州ジャクソンビルなど多くの場所の大規模な公共壁画の主題となっています。ワシントンD.C.のロナルド・レーガン国際空港やニューヨーク市のレキシントン・アベニュー53丁目地下鉄駅にも彼の作品が飾られています。これらのしばしば巨大な作品は、彼の晩年の業績の重要性を物語っています。彼の作品の発展の重要な瞬間を間近で見たい方は、2018年3月17日から4月28日まで、ミシガン州デトロイトのデイビッド・クライン・ギャラリー（1520 ワシントン・ブールバード）で開催される「アル・ヘルド、輝く構造物：1990年代の絵画と水彩画」をご覧ください。

アル・ヘルド - ビクトリア9、1991年、© アル・ヘルド、デイビッド・クライン・ギャラリー提供

表紙画像：アル・ヘルド - ジオセントリックIV、1990年、© アル・ヘルド、デイビッド・クライン・ギャラリー提供

フィリップ・Barcio 著