これらのアーティストは3Dプリントアートを再定義し続けています
ある美術展のオープニングで3Dプリントアートをテーマにしたジョークを聞いたことがあります。内容はこんな感じでした。「どうやって3Dプリントアートの作品だとわかるの？」答えは「みんながそう教えてくれるからだよ。」まずこれを聞いて笑ったのは、確かにそうで、この技法に人々が興奮してつい話題にしてしまうからです。そしてもう一つ笑ったのは、私が見たほとんどの3Dプリントアート作品において、3Dプリンターで作られたという事実はあまり重要ではないように思えたからです。これらの作品にはその技術が必要不可欠とは感じられませんでした。別の方法で作られても同じことが言えたでしょう。では、みんなが騒ぐのは何のことでしょうか？3Dプリンターは単なる道具であり、例えばプロジェクターと本質的に変わりません。ギャラリーで誰かが近づいてきて「それはプロジェクターで作られた」と言うことはありません。しかし逆に、「その作品は作家が休暇中に助手たちが全て作った」と言われたこともありません。要するに、重要なのはそこではないのです。作品のアイデアが生まれ、それを実現するための手順が踏まれたなら、実際に作業を行うのがこの機械であろうとあの機械であろうと、この手であろうとあの手であろうと、違いはありません。3Dプリンターが使われたという事実は作品の価値を証明するものではなく、体験の一側面に過ぎず、しかもたいていは最も重要でない側面です。これは少なくとも私の意見です。ですから、3Dプリントアートを再定義している作家について書くよう依頼されたとき、私は作品の制作方法に関わらず、興味深いアイデアを持ち、話したくなる作品を作っている作家を紹介しようと考えました。そうした前提のもと、ここに3Dプリント技術を用いて作品を制作し、そのアイデアの力によってこの新しい道具の現代美学における位置を再定義している7人の作家を紹介します。
リルクリット・ティラヴァニヤ
もし関係性の美学や関係性アートという言葉を聞いたことがあるなら、タイの作家リルクリット・ティラヴァニヤの名前を聞いたことがあるでしょう。彼の作品は1990年代にこの種の芸術体験の人気を高める上で不可欠でした。彼の最も有名な関係性アートの展覧会はパッタイと呼ばれました。1990年にニューヨークのポーラ・アレン・ギャラリーで開催されたこの展覧会では、作品を制作・展示する代わりに、作家自身が会場でパッタイを調理し、来場者に振る舞いました。この展覧会は、作家は単なる制作者ではなく、体験の促進者であるという考えを探求する関係性の美学を定義するのに役立ちました。そこから生まれる人間関係こそが最も重要なのです。
最近では、ティラヴァニヤは2017年のアートバーゼル香港での没入型インスタレーションで注目を集めています。この作品は人間の体験における芸術と美術史の役割を問いかけました。作品は伝統的に結わえられた竹で作られた巨大な迷路で、来場者は迷路に入り、進むうちに5本の3Dプリントされた盆栽の木に出会います。それぞれの盆栽は、作家コンスタンティン・ブランクーシがかつて制作した彫刻的な台座に着想を得た木製の台座の上に置かれています。盆栽が3Dプリントであることは最も重要な点ではありません。重要なのはそれらが人工物であるということです。盆栽のポイントは、人の手が加わっているがその介入がわからないほど自然なものに見えることにあります。この場合、人工的な盆栽と迷路が喚起するイメージ、そして美術史的な引用が混ざり合い、鑑賞者に抽象的で開かれた体験を与え、その意味の多層性を理解するために社会的な交流を促します。
リルクリット・ティラヴァニヤ - Untitled 2017 (no water no fire), 2017年。木製台座の上の3Dプリント盆栽。© リルクリット・ティラヴァニヤ、ベルリンのNeugerriemschneiderギャラリー提供
ウィーキ・ソマース
ヴァニタスという言葉はラテン語に由来し、「空虚」を意味します。16世紀から17世紀のオランダで、静物画の一種の名称として使われました。ヴァニタス絵画は、ありふれた物質的な品々と人間の頭蓋骨を並べて描き、地上のものを追い求めることの無意味さを示しています。オランダの作家兼デザイナー、ウィーキ・ソマースは2010年に「進歩の概念について考える」というデザインコンテストに応えて、ヴァニタス絵画に共通する視覚言語を用いた3Dプリント作品のシリーズを制作しました。消費か保存かと題されたこのシリーズは、秤、掃除機、トースターなどの日常的なありふれた製品を、人間の遺灰から完全に3Dプリントした三つの静物彫刻的な構成で構成されています。
作品の説明でソマースは、人間の技術は永遠の命の可能性に直面するほど進歩していると指摘しました。「しかし」と彼女は問いかけます。「もし私たちがただ消費者として、結果を顧みずにより多くの製品を求め続けるだけなら、永遠の命は何の役に立つのでしょうか？批判されない革新の道を進み続ければ、いつか私たちは組み立てる製品そのものに変わってしまうかもしれません。」彼女はこの概念を論理的に突き詰め、かつて貴重だった人間の命の残骸から文字通り製品を作り出しました。
ウィーキ・ソマース - 消費か保存か、2010年。3Dプリントされた人間の遺灰。© ウィーキ・ソマース
ステファニー・レンパート
ニューヨークを拠点とする作家ステファニー・レンパートは、コミュニケーションをテーマに作品を制作しています。彼女は言語と、それを使って私たちの物語や歴史、記憶を伝え、人生に意味を作り出す方法に注目を集めたいと考えています。多面的な作家であるレンパートは様々な媒体を用います。彼女の最も簡潔な作品群の一つは再構築された聖遺物入れというシリーズで、言語から文字通り作られた彫刻的な聖遺物を制作しました。これらの作品は多層的に語りかけます。レンパートは3Dプリント用のソフトウェアを使ってこれらを制作しましたが、より業界標準でありながら話題性の低い用語である迅速試作彫刻を好んで使っています。
ステファニー・レンパート - 再構築された聖遺物入れ、失われた時を求めて、2011年。迅速試作彫刻。© ステファニー・レンパート
テオ・ヤンセン
オランダの作家テオ・ヤンセンは1990年代に、巨大な動く生き物のような「ストランドビースト」を制作し、知られるようになりました。彼が呼ぶところの「自走する浜辺の動物」です。世界中の浜辺を詩的に這う映像を見たことがあるかもしれません。デザイナーであり技術者であり作家でもあるヤンセンはかつて「芸術と工学の壁は私たちの心の中にしか存在しない」と語りました。通常、彼の大きな作品はPVC管で作られますが、最近ではミニチュアの3Dプリントされたストランドビーストを160ユーロで販売し、ほぼ誰でも入手できるようにしています。素晴らしいことに、設計図を手に入れれば誰でもプリントできます。彼のウェブサイトには「テオ・ヤンセンのストランドビーストはデジタルDNAを直接3Dプリントシステムに注入することで増殖する方法を見つけた」と記されています。
テオ・ヤンセン - ミニチュア3Dプリントストランドビースト。© テオ・ヤンセン
ニック・エルヴィンク
ベルギーの作家ニック・エルヴィンクの作品は鮮やかな色彩と刺激的な形態で空間を占める物体が同時に空間を生み出すという概念を体現しています。彼の彫刻はミニチュアから巨大な公共作品まで様々な大きさがあります。自身で3Dプリントの道具や技術を設計し、この道具の限界を押し広げ、単なる目的ではなく独自の方法で個人的なビジョンを実現しています。
ニック・エルヴィンク - EGNOABER、2015年。ポリウレタンとポリエステル。710 x 440 x 490 cm。© ニック・エルヴィンク
シェーン・ホープ
ブルックリンを拠点とする作家シェーン・ホープは、抽象絵画の一要素として3Dプリントされた細胞構造を用いています。遠目には厚塗りの筆致が積み重なった絵画のように見えますが、近くで見ると組み立てられたナノ構造の積み重ねであることがわかります。この要素が3Dプリントであることは作品の鑑賞に必須ではありませんが、その技術の意味を考えることで作品の潜在的な意味に層が加わります。
シェーン・ホープ - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas、2012年。アクリル基板上の3DプリントPLA分子モデル。© シェーン・ホープ、ニューヨークのウィンクルマンギャラリー提供
モニカ・ホルチコヴァ
チェコの作家モニカ・ホルチコヴァの作品は幽玄で美しいものです。彼女は人間の骨や骨格構造のテーマに繰り返し取り組み、自分たちの目的や可能性についての考えを問い直す構成を作り出しています。専らこの技法で制作しているわけではありませんが、石膏複合材の彫刻を制作する際に3Dプリント技術をよく用いています。
モニカ・ホルチコヴァ - K2、2011年。3Dプリント石膏複合材。© モニカ・ホルチコヴァ
表紙画像：リルクリット・ティラヴァニヤ - Untitled 2013 (indexical shadow no.1)、2013-2017年。ステンレス製台座（3枚のパネル）、3Dプリントプラスチック（盆栽）、ステンレス製立方体（台座）。35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5インチ、90 × 90 × 90 cm。© リルクリット・ティラヴァニヤおよびピラール・コリアス・ギャラリー、ロンドン
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcio著
