これらのアーティストは3Dプリントアートを再定義し続けています

私は一度、3Dプリントアートを特集したアートオープニングでジョークを聞きました。それはこんな感じでした：「3Dプリントアートを見ているとどうやってわかるの？」答え：「みんながそう言うから。」最初に笑ったのは、それが真実だからです。人々はこのメディアにとても興奮していて、どうしてもそれについて話さずにはいられないのです。そして、私が見たほとんどすべての3Dプリントアートのケースにおいて、3Dプリンターを使って作られたという事実は私にとって無関係に思えました。これらの作品のどれもが、その技術を必要としているようには見えませんでした。すべて他の手段で行うことができたはずです。これが疑問を呼び起こします：みんなは何について騒いでいるのでしょうか？3Dプリンターは単なる道具であり、プロジェクターなどと本質的に変わりません。ギャラリーで誰かが私に近づいて、絵を指さして「これはプロジェクターを使って作られました」と言ったことはありません。しかし、アーティストが休暇中にアシスタントによって完全に作られたと言った人もいません。要するに、それは重要ではありません。アートワークのアイデアが形成され、それを実現するためのステップが踏まれた時、実際の作品がこの機械によって行われるのか、あの機械によって行われるのか、あるいはこの手によって行われるのか、あの手によって行われるのかは関係ありません。3Dプリンターがアートを作るために使用されたという事実は、その作品を正当化するものではありません。それは体験の一側面に過ぎず、通常は最も重要でない側面です。少なくとも、これは私の意見です。だから、3Dプリントアートを再定義しているアーティストについて書くように頼まれたとき、私は作品がどのように作られているかに関係なく、興味深いアイデアを持ち、私が話したいと思う作品を作っているアーティストを特集すべきだという視点を採用しました。というわけで、その注意点を踏まえて、3Dプリンティング技術を使って作品を作り、そのアイデアの力によってこの新しい道具の現代美学における位置を再定義している7人のアーティストを紹介します。

リクリット・ティラヴァニ

関係的美学や関係的アートという言葉を聞いたことがあるなら、タイのアーティスト、リルクリット・ティラヴァニッタの名前を聞いたことがあるかもしれません。彼の作品は1990年代にこの種のアート体験の人気の高まりに欠かせないものでした。彼の最も有名な関係的アートの展覧会はパッタイと呼ばれました。この展覧会は1990年にニューヨークのポーラ・アレン・ギャラリーで開催され、アーティストは作品を作ったり展示したりするのではなく、スペースでパッタイを調理し、ギャラリーの訪問者に提供しました。この展覧会は、アーティストが単なる創造者ではなく、体験のファシリテーターであるという考えを探求するものとして、関係的美学を定義するのに役立ちました。これらの体験から生まれる人間関係こそが最も重要なものです。

最近、ティラヴァニジャは、2017年のアート・バーゼル香港での没入型インスタレーションに注目を集めています。この作品は、人間の経験におけるアートとアート史の役割を問いかけるものでした。この作品は、伝統的に結ばれた竹で構築された巨大な迷路でした。訪問者は迷路に入り、その中で道を見つけるうちに、3Dプリントされた5つの盆栽に徐々に出会います。それぞれの盆栽は、アーティストコンスタンティン・ブランクーシがかつて作成した彫刻的な台座にインスパイアされた木製の台座の上に置かれています。盆栽が3Dプリントされていることは最も重要なことではありません。重要なのは、それらが人工的であるという事実です。盆栽のポイントは、それが自然のものでありながら、人間の手によって干渉され、その干渉が認識できない形で行われることです。この場合、木々の人工性は迷路からインスパイアされた喚起的な概念と組み合わさり、アート史的な参照と混ざり合って、観客に抽象的でオープンエンドな体験を提供し、その潜在的な意味のレベルを理解するために社会的な相互作用を要求します。

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

エイジズ・サマーズ

言葉vanitasはラテン語に由来し、空虚を意味します。これは16世紀と17世紀のオランダで、静物画の一種の名前として使われました。バニタス画は基本的に、無意味な物質的な物のコレクションを示す静物画であり、通常は人間の頭蓋骨と共に、地上的な物の追求の無意味さを示しています。オランダのアーティストでデザイナーのウィキ・ソマーズは、2010年にデザインコンテストに応じて制作した一連の3Dプリントアートワークに、バニタス画に共通する視覚言語を使用しました。このシリーズはConsume or Conserveというタイトルで、3つの静物彫刻のタブローを特徴としています。各タブローは、スケール、掃除機、トースターなどの平凡な日常製品で構成されており、完全に人間の遺骨の灰から3Dプリントされています。

彼女の作品の説明の中で、サマーズは人間の技術が進歩し、私たちがすぐに永遠の命の可能性に直面するかもしれないと指摘しました。「しかし、」彼女は尋ねました。「私たちがそれを使って、結果に関係なく、ますます多くの製品を求める単なる消費者であり続けるだけなら、永遠の命は何の役に立つのでしょうか？批判されることのない革新の道を進み続けると、いつの日か私たちは自分たちが組み立てる製品そのものに変わってしまうかもしれません。」彼女はその概念を論理的な結論に導き、かつて貴重だった人間の命の残骸から文字通り製品を創り出しました。

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

ステファニー・レンパート

ニューヨークを拠点とするアーティスト、ステファニー・レンパートは、コミュニケーションについての作品を制作しています。彼女は、私たちの物語、歴史、記憶を伝えるために言語を使用する方法に注意を向けさせたいと考えています。多次元のアーティストであるレンパートは、さまざまなメディアを使用しています。彼女の最も簡潔な作品群の一つは、再構築された聖遺物というシリーズで、言語から文字通り構築された彫刻的な遺物を制作しました。これらのオブジェクトは、複数のレベルで自らを語ります。レンパートは、3Dプリントソフトウェアを使用してそれらを作成しました。しかし、彼女は業界標準でありながら、あまり注目されない用語であるラピッドプロトタイプ彫刻を使用することを好みます。

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

テオ・ヤンセン

オランダのアーティスト、テオ・ヤンセンは1990年代に彼のストランドビーストを作り始めたことで知られるようになりました。ストランドビーストは、巨大な動的な生き物で、自ら歩いているように見えます。彼が呼ぶところの「自己推進型ビーチ動物」です。世界中のビーチを詩的に這う彼らの映像を見たことがあるかもしれません。デザイナー、エンジニア、アーティストの要素を併せ持つヤンセンはかつて、「アートとエンジニアリングの間の壁は私たちの心の中にしか存在しない」と言いました。通常、彼の大きな作品はPVCチューブで作られています。しかし最近、彼はミニチュアの3Dプリントされたストランドビーストsをわずか€160.00で販売することで、ほぼ誰でも彼の作品を手に入れられるようにしました。最も素晴らしいことに、計画を手に入れた人は誰でもそれを印刷することができます。彼のウェブサイトには、「テオ・ヤンセンのストランドビーストは、デジタルDNAを3Dプリントシステムに直接注入することで増殖する方法を見つけました」と記載されています。

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

ニック・アーヴィンク

ベルギーのアーティスト、ニック・エルヴィンクの作品は、鮮やかな色彩と刺激的な形状で叫び、空間を占有する物体がどのようにして空間を創造できるかという概念を具現化しています。彼の彫刻は、ミニチュアから記念碑的な公共作品まで、あらゆるサイズで展開されています。彼は独自の3Dプリンティングツールと技術を設計することで、このツールの限界を押し広げており、それを単なる目的としてではなく、彼の個人的なビジョンを実現するための特異な方法として活用しています。

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

シェーン・ホープ

ブルックリンを拠点とするアーティスト、シェーン・ホープは、彼の抽象画の一要素として3Dプリントされた細胞構造を使用しています。遠くから見ると、それらはインパストの筆致で高く積み上げられた絵画作品のように見えますが、近くで見ると組み立てられたナノ構造のスタックが現れます。この要素が3Dプリントされたものであることは明らかではなく、作品の鑑賞にとって必須ではありませんが、技術の含意を考慮することで、作品の潜在的な意味に層を加えます。

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

モニカ・ホルチコヴァ

チェコのアーティスト、モニカ・ホルチコヴァの作品は、幽玄で美しい。彼女は人間の骨や骨格構造のテーマに戻り、私たち自身の目的や可能性についての考えに挑戦する構成を作り出している。彼女はこのメディアに限定しているわけではないが、しばしば3Dプリント技術を使用して、彼女の石膏複合彫刻を制作している。

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

特集画像: リルクリット・ティラヴァニッタ - 無題 2013 (指標的影 no.1), 2013-2017。ステンレススチール製ベース (3 x パネル)、3Dプリントプラスチック (盆栽)、ステンレススチール製キューブ (台座)。35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 インチ、90 × 90 × 90 cm。© リルクリット・ティラヴァニッタとピラール・コリアス・ギャラリー、ロンドン
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による