現代アートにおける青の三人の巨匠

青色を見たとき、あなたはどんな気持ちになりますか？「青」という言葉を聞いたり、ページ上で「青」という文字を読んだときに感じるものと、色としての青を見たときに感じるものは違うでしょうか？色相が伝える情報は、その名前が伝える情報と異なるのでしょうか？どんな感情であれ、その感情は普遍的なものかもしれませんか？それとも青色は人によって意味が違うのでしょうか？動物はどうでしょう？色を感情と結びつけているのか、それとも生存のためだけに色の受容器を使っているのでしょうか？これらの疑問は何世紀にもわたり色の研究者たちを悩ませてきましたが、今日においても百年前と同じくらい答えに近づいていない部分があります。しかし、最近Phaidon Pressから出版された本は、少なくとも芸術に関して色の理解を少し深めてくれます。ロサンゼルス郡立美術館の元キュレーターであり、ニューヨークのメトロポリタン美術館の元プログラムディレクターであるステラ・ポールによる『Chromaphilia: The Story of Color in Art』は240点の個別作品を取り上げています。彼女の色に関する徹底的な探求は、歴史を通じて芸術家たちが使ってきた十の異なる色のカテゴリーの無数の使い方に新たな光を当てるだけでなく、色が科学、感情、美学、そして人間文化の他の領域と交差する様々な側面も探っています。今日はこの本でポールが言及している数人の芸術家の作品を通して、青色の幅広さと力強さをより深く見ていきたいと思います：ヘレン・フランケンサラー、パブロ・ピカソ、そして[Klein]です。

色を見ること

色について奇妙なことの一つは、同じ場所で同じ時間に二人の人が同じ物を見ても、その物の色が違うと主張することがよくあることです。私たちは「どうしてそうなるの？色は客観的ではないの？」と疑問に思います。しかし答えは「いいえ」です。色はしばしば主観的です。その理由は人間が色を見る仕組みの科学に関係しています。人間（そして色を見る多くの動物）は三色型視覚者です。つまり、人間の目の受容体は色に対応する三つの基本的な波長を感知します。プリンターで使われるRGB色モデルをご存知かもしれません。RGBは赤、緑、青の頭文字です。これは人間の視覚に最も近い色モデルです。もちろん、赤、緑、青だけが人間の目が感知できる色ではありません。実際、多くの人は七百万もの異なる色調を識別できます。しかし、それらの色調はすべて、目が最初に赤、緑、青の組み合わせとして感知し、その後脳で解釈されます。

さらに、私たちが物の色として認識するものは、その物自体だけに関係しているわけではありません。確かに、物質の化学組成を分析すれば、その物質がどのような色であるかをある程度理解できます。しかし、物質の化学組成だけが私たちが認識する色を決める要因ではありません。人間が色を認識できるのは光のおかげです。そして光もまた色を持つことがあり、その場合、私たちの目が表面を見るときに見える色を変えることがあります。さらに、ある人の目は別の人の目よりも光に対して敏感であったり、異なる感度を持っていたりするため、二人の脳が色を解釈する方法も異なることがあります。基本的に、色を見ることを可能にするものが、同時に色の認識を変えることもあるのです。したがって、色について話すことは時に主観的に思え、何色かをめぐって議論することはまったく馬鹿げているように見えることもあります。

ヘレン・フランケンサラー - Moveable Blue, 1973年、キャンバスにアクリル、© 2014 ヘレン・フランケンサラー財団、アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

青色について

それでも、ある特定の色を見たときに人によって見え方が大きく異なることは、例えば一人が赤を見て別の人が青を見たというような劇的な違いは通常ありません。普通は、ある人が空色を見て別の人がアクアマリンを見るといった微妙な違いです。しかし、私たちの脳が特定の色を見たときに物理的な性質を超えて認識する他の要素の範囲は大きく異なることがあります。『Chromaphilia: The Story of Color in Art』の青色の章の冒頭文はこう述べています。「青には多くの種類がある―すべて同じ色相でありながら、外観、効果、起源、意味において無限の変化がある。」

外観についてはすでに述べましたが、面白いのは「効果、起源、意味」を考えるときです。効果については、ある人は青を見ると落ち着くかもしれません。別の人は青を見ると悲しくなるかもしれません。色に対する反応の多くは、その色にまつわる過去の経験に関係しています。起源も興味深い考察です。青のすべての変種は基本的に異なる元素の組み合わせから生まれます。青い絵具の顔料の違いは、結合剤や鉱物の組み合わせの違いによるかもしれません。青い光の違いは空気中の粒子の違いによるかもしれません。そして意味については、さらに複雑になります。個人、集団、文化ごとに青色との独特な関係が形成されます。したがって、芸術作品に青色を使うとき、作品が最終的に鑑賞されたときにどのような意味が受け取られるかは予測できません。青色の認識の多様さを探るために、『Chromaphilia: The Story of Color in Art』で言及されている三人の芸術家、[Klein]、ヘレン・フランケンサラー、ピカソの作品を考えてみましょう。

パブロ・ピカソ - 母と子, 1902年、キャンバスに油彩

[Klein]の作品における青色

20世紀の芸術と青色といえば、多くの人の頭に真っ先に浮かぶのは[Klein]です。伝説によると、若い頃、[Klein]は友人の芸術家アルマンとフランスの作曲家クロード・パスカルと一緒に浜辺で過ごしていました。三人は世界を分け合い、アルマンは大地を、パスカルは文字を、そして[Klein]は空を選び、すぐに手を挙げて空中に自分の名前を書きました。その瞬間から色は[Klein]にとって重要なものとなりました。彼の初期の展覧会の一つでは、様々な純色で描かれた単色のキャンバスが展示されました。しかし観客が彼の表現を理解できなかったため、彼は表現を単純化し、一色だけを使うことにしました。こうして彼は自分の署名色を開発する過程に入りました。

ステラ・ポールは『Chromaphilia: The Story of Color in Art』でこう説明しています。「[Klein]はパリの色彩販売業者であり、ローヌ・プーランの化学者と相談していたエドゥアール・アダムと協力し、合成結合剤を作り出した…その結果生まれたのがロドパスM60Aで、エタノールや酢酸エチルで粘度を調整できた。この結合剤は顔料の魔法のような輝きを保つ…[Klein]はこの新しい結合剤を使った自分専用の合成絵具を作り、国際特許を取得したIKB（インターナショナル・クライン・ブルー）と名付けた。1957年以降、ほぼこの顔料だけを使った。」 [Klein]はインターナショナル・クライン・ブルーを使って象徴的な単色の青いキャンバスやいくつかの巨大な公共インスタレーションを制作しました。また、裸体モデルがIKBを全身に塗り、様々な形でキャンバスに体を押し当てるパフォーマンス作品も制作し、これが彼の最も影響力のある作品の一つとなりました。

[Klein] - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960年、© [Klein]アーカイブ

ヘレン・フランケンサラーの作品における青色

抽象画家のヘレン・フランケンサラーも20世紀の青色の名手の一人です。フランケンサラーは「ソーク・ステイン」と呼ばれる絵画技法の発明者です。この技法は、床に広げた下地処理をしていないキャンバスに直接絵具を注ぎ、絵具が繊維に染み込み自然に広がるのを待つものです。フランケンサラーは最初この技法を油絵具で行いましたが、油絵具は生のキャンバスを早く劣化させることを知り、キャンバスを劣化させないアクリル絵具の早期の支持者となりました。アクリル絵具は色調において鮮やかで輝きのある特性を持っています。純色を直接キャンバスに注ぐことで、フランケンサラーは線や形、質感、形態といった概念的な要素に邪魔されずに色の関係性を新たな方法で探求できました。

『Chromaphilia: The Story of Color in Art』でステラ・ポールは、フランケンサラーが1952年に描いた『Mountains and Sea』に特に注目しています。これはフランケンサラーがソーク・ステイン技法を用いて初めて制作したキャンバスとされています。ポールはこの作品についてこう述べています。「ノバスコシアでの中断期間を経てニューヨークのアトリエに戻ったフランケンサラーは、カナダの風景を心だけでなく肩や手首にも内面化していたと後に回想している。その心身の背景をもとに、色を通じて場所の記憶を呼び起こす叙情的で牧歌的な抽象を創り出した。」フランケンサラーは絵具を注ぐ過程を、体内に内面化されたものをキャンバス上に外面化する方法として概念化しました。この絵画はほぼ赤、緑、青の色調を用いており、青の様々な色調が海の抽象的な表現として最も強く際立っています。

ヘレン・フランケンサラー - Blue Current (Harrison 134), 1987年、© 2014 ヘレン・フランケンサラー財団、アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

ピカソの作品における青色

パブロ・ピカソにとって色は非常に重要であり、特に彼の初期の芸術活動において顕著でした。この時期の作品は色によって分類されることが多く、ローズ期や青の時代と呼ばれています。これらの分類は、当時彼が主に使っていた顔料に関係していますが、同時に彼の私生活の状況にも関係しており、それが彼が選んだ主題に影響を与えたとされています。例えばローズ期はおおよそ1904年から1906年までで、恋人フェルナンド・オリヴィエとの関係の始まりとパリのモンマルトル地区への移住と重なります。ローズ期の作品は道化師やサーカスの楽しいイメージが多く、ローズ期の終わりにピカソはキュビスムの前兆とされるピンク色の代表作『アヴィニョンの娘たち』を描きました。

ピカソの青の時代はローズ期の前で、おおよそ1901年から1904年まで続きました。この時期は彼の人生において憂鬱や悲しみを強く意識していた時期です。ピカソはかつて「カサヘマスの死を知ってから青で描き始めた」と述べています。この言葉は親友カルロス・カサヘマスがパリのカフェで自殺したことを指しています。ピカソがパリに戻ると、カサヘマスのアトリエで生活し、ほぼ単色の青い作品を描き始めました。ステラ・ポールは『Chromaphilia: The Story of Color in Art』でこう指摘しています。「『老ギタリスト』の広がる青は、悲しみ、疎外、周縁の物質的表現である。薄暮の気分が不自然な青みがかった肌や衣服、周囲の空間に漂う。角ばった動作や細長い手足、特徴はこの落ち込んだ盲目の音楽家の印象を強めている。」しかし、[Klein]、ヘレン・フランケンサラー、ピカソの三例からわかるように、青は必ずしも悲しみを伝えるわけではなく、空や海を指すわけでもありません。私たちが青と呼ぶ色調の可能性は無限に近く、そこから引き出せる感情や意味、文脈も同様に広大です。

パブロ・ピカソ - 盲目の男の朝食, 1903年、キャンバスに油彩

表紙画像：[Klein] - Untitled Blue Monochrome, 1960年、写真 © [Klein]アーカイブ
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcio 著