「アン・アール・オートル - 戦後パリの抽象」レヴィ・ゴルヴィにて

1952年、フランスの美術批評家でキュレーターのミシェル・タピエは「Un Art Autre」というフレーズを作り出しました。これは「別の種類のアート」という意味で、彼が抽象芸術において合理性から自発性へと向かう傾向を認識したことを指しています。この傾向は、タピエが拠点を置いていたフランスだけでなく、1950年代と60年代に世界中の多くのアーティストがこの美的現象の探求を共有するために訪れた国でも現れていました。中には、第二次世界大戦の退役軍人で、戦後にヨーロッパに留まったり、学び働くために戻ったりした人々もいました。他の人々は、再建を試みる都市と文化の興奮に惹かれただけでした。パリの独特な「カフェ文化」を利用して、この国際的なアーティストと思想家の集団は自由にアイデアを共有し、刺激的で原始的なシーンを作り出しました。その魅力的な文化は、現在ロンドンのレヴィ・ゴーヴィで開催されている展覧会のテーマとなっており、タピエが名付けた運動の名前を冠しています。「Un Art Autre」では、ピエール・スーラージュ、ザオ・ウーキー、ジャン・ポール・リオペル、ジョーン・ミッチェル、サム・フランシスの5人の画家による22点の絵画が展示されています。彼らはそれぞれ1950年代と60年代の間にパリを故郷と呼んでいました。フランス、中国、カナダ、アメリカ合衆国を代表するこれらのアーティストは、それぞれ個性的な世界観と個人の歴史を持ち寄りました。彼らはそれぞれ、絵画や人生に対して全く異なる関係を持っていました。しかし、彼らは皆、直感的で自由な何かとつながりたいという願望を共有していました。これらの5人のアーティストは、戦後のヨーロッパで進化した「別の種類のアート」の唯一の声ではありませんでしたが、この展覧会で彼らの作品を一緒に見ることは、彼らが属していた運動への感動的な入り口を提供します。また、現代の観客に対して、この運動とこの時期に他の場所で現れた類似の傾向、例えばアメリカ合衆国の抽象表現主義との違いを考察する機会を与えます。

カラーと白黒

今日、ピエール・スーラージュは、多くの人々によって生きている最も偉大な画家と見なされています。彼は、その優雅で、しばしば感情的に圧倒的な黒い絵画で愛されています。スーラージュが戦後パリで独自の声を発展させていた頃、彼は黒の色が彼の絵画の中でどのように機能するかを深く理解していました。彼はそれを暗闇を示す方法ではなく、「光を創造する」方法として見ていました。光沢とマット仕上げを対比させ、キャンバスの黒と白の領域の間に関係を作ることで、彼は光がテクスチャーや色合いと相互作用する機会を生み出しました。キャンバスの異なる領域間の関係は、彼の絵画を非常に光り輝くものにする要素の一部です。この展覧会では、彼のキャンバスのうち5点を見ることができます。「ペインチュール 195 x 130 cm, 1957年2月3日」（1957年）や「ペインチュール 195 x 155 cm, 1957年2月7日」（1957年）などの絵画における緻密な構成にもかかわらず、彼らの鮮やかな黒と力強い筆致は、その表面に命を吹き込みます。彼らは純粋な黒とは程遠いですが、オーカー、青、白の相互作用が、どこかで黒をさらに輝かせています。

ジョーン・ミッチェル - 無題、1957年。キャンバスに油彩。69 x 58 1/2 インチ (175.2 x 148.5 cm)。プライベートコレクション、サンタバーバラ。© ジョーン・ミッチェル財団。

色の関係は、ジョーン・ミッチェルにとっても極めて重要でした。この展覧会には彼女の作品が4点展示されています。これらの4点は、すべてプライベートコレクションから集められたもので、ほとんどの訪問者にとっては新しいものとなるでしょう。これらの作品は、ミッチェルが色のパレットを通じて感情的なトーンを伝える卓越した能力を示しています。彼女の作品に見られるものは、完全に抽象的であるにもかかわらず、明らかに「自然のもの」です。その自然性は、ミッチェルが頻繁に訪れ、最終的にフランスに移住した際に発展させた、ほとんど恍惚としたジェスチャースタイルによってさらに高められています。この展覧会に展示されている作品は、そのスタイルを美しく表現しています。彼女の構図は、展覧会の中で最も緩やかで自由な感覚を持っており、絵を描く際に自分の内面に消え込み、自然界に関する自身の記憶に基づいた個人的な何かを捉えようとする彼女の欲望の証です。

サム・フランシス - アルクイユ、1956/58年。キャンバスに油彩。80 3/4 x 76 インチ (205.1 x 193 cm)。ミルドレッド・レーン・ケンパー美術館、セントルイスのワシントン大学。リチャード・K・ワイル氏ご夫妻の寄贈、1962年。© サム・フランシス財団、カリフォルニア / DACS 2019.

インパルスの全範囲

ジャン＝ポール・リオペルの展示作品は、1950年代初頭に彼の手法に起こった劇的な変化を示しています。展示の中で最も認識されているのは「抽象（オレンジ）」(1952)です。展示の中で大きな作品の一つであり、その狂乱的なジェスチャーアクションは、ジャクソン・ポロックのような抽象表現主義の画家たちに最もよく関連付けられるスプラッターペインティングと即座に平行を引きます。「水平、黒と白」(1955)のような後の作品では、リオペルがはるかに意図的な技法を構築しているのが見られます。緊密で計測された、不安に満ちたブラシマークを用いながらも、彼の作品を生き生きとさせる衝動的なエネルギーを保持しています。衝動のスケールのほぼ反対側には、ザオ・ウーキーによる三つの崇高な絵画があります。彼らの muted palettes とバランスの取れた構成の調和は、自由な表現と計測された静けさの間で素晴らしく haunting なバランスを保つ画家を示しています。

ジャン・ポール・リオペル - 横長、白黒、1955年。キャンバスに油彩。28 3/4 x 36 1/4 インチ (73 x 92 cm)。写真: Øystein Thorvaldsen。ヘニー・オンスター・クンストセンターコレクション、ホーヴィコッデン、ノルウェー。© SODRAC、モントリオールおよびDACS、ロンドン、2019年。

この展覧会で私が最も馴染みのない画家はサム・フランシスです。彼の作品の五つの例を見た後、私はまだ彼について学ぶべきことがたくさんあると感じています。無題のオレンジ、黄色、青の構成のエーテリアルな軽快さは、私にヘレン・フランケンサーラーのことを思い起こさせました。一方、彼の「ブルー・シリーズ第1番」（1960年）は、すぐにイヴ・クラインを思い起こさせました。もう二つの作品—「構成」（1957-58年頃）と「無題」（1959年）—は、より明確な何かを提供しました：まるで私は文字通り変動と流れの画像を見ているかのような、ほとんど電気的な興奮です。実際、これらの概念は、1950年代と60年代にパリで生まれた「別の種類のアート」について、この展覧会が伝えようとしていることの核心にあります。それを正確に捉えるのは難しく、名前を付けるのも難しいですが、それは変化する能力と手放す意志によって定義されるアートでした。Un Art Autreは、レヴィ・ゴーヴィ・ロンドンで2019年7月5日まで展示されています。

特集画像: ザオ・ウーキー - 1969年9月16日、1969年。キャンバスに油彩。31 7/8 x 51 3/16 インチ (81 x 130 cm)。プライベートコレクション。© DACS 2019.
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フィリップ Barcioによる