サム・フランシスの作品における晩期抽象表現主義
真の芸術家にとって、芸術を創ることは選択ではなく衝動だと言う人もいます。彼らは報酬があろうとなかろうと、無視されようと作品を作り続けます。言い換えれば、芸術家は芸術を作らずにはいられないのです。その言葉がどれほど真剣に聞こえても、Sam Francisは芸術家と芸術制作の関係をさらに強烈なものと考えていました。彼は芸術制作を芸術家が行う行為ではなく、芸術家が存在する限り自然にあるものと見なしていました。彼はこう言いました。「芸術家はその作品であり、もはや人間ではない。」フランシスにとって、芸術と芸術家を切り離すことは、雨と雲を切り離すことと同じくらい不可能でした。雨は雲そのものであり、芸術は芸術家そのものなのです。分離はありません。彼らは一体なのです。
闇はただの色にすぎない
抽象 表現主義の歴史を振り返ると、この運動の初期に関わった芸術家たちが当時の不安に深く影響されていたことがすぐに明らかになります。彼らは苦難と犠牲によって定義された世代であり、戦争の恐怖や原子爆弾への恐れに取り憑かれていました。彼らは作品を通じて真剣に潜在意識とつながり、内面の状態を表現しようと試みました。当時の闇は、色彩の選択やジェスチャー、形態、質感、構成の苦悩の中にしばしば明らかに見て取れます。しかし同時に、それらの作品は啓示的であり、鑑賞者に超越的で瞑想的な意識状態を体験させます。では、彼らが本当に表現しているのは闇なのでしょうか？
Sam Francisは抽象表現主義の第二世代に属します。彼は1956年にMoMAの「12人のアメリカ人芸術家」展に参加して注目を集めました。同じ年、初期の運動の中心人物であるジャクソン・ポロックが亡くなりました。フランシスは第二次世界大戦中に戦闘機パイロットとして負った脊椎の怪我の回復中に病院で絵を描き始めました。戦後、彼は故郷カリフォルニアに戻り、1950年にUCバークレーで修士号を取得しました。そこで彼は、当時サンフランシスコのカリフォルニア美術学校で教えていたマーク・ロスコを含む第一世代の抽象表現主義の画家たちと出会いました。フランシスは、これらの創造者たちが存在と生成に注目し、本物の自己を探求する姿勢に触発されました。
Sam Francis - 無題、1959年、グアッシュ、紙、11.5 x 36 cm。© The Sam Francis Foundation
闇と光の結婚
Sam Francisにとって、闇と光は対立する力ではありませんでした。むしろ補い合う力、あるいは同じ性質の変動する現れであるかもしれません。彼はかつてこう言いました。「光が増すと闇も増す。」彼は光と闇が一体であると言っていたのでしょうか？それとも光が影を作るように、光が強くなるほど影が濃くなるという意味でしょうか？あるいは啓発、つまり学べば学ぶほど自分の無知を知るという形而上学的な影響を指していたのでしょうか？
彼はこれらのどれでもなかったかもしれません。また彼はこうも言いました。「色は光と闇の相互浸透から生まれる。」つまり、単に対比について語っていた可能性もあります。キャンバスの白い空間が絵の具の闇を表現しているということです。いずれにせよ、彼の言葉は抽象表現主義運動全体の見かけ上の闇を解釈するための微妙な視点を提供しています。そして彼自身の絵画において闇、光、色彩にどう向き合ったかを理解する出発点を与えてくれます。
Sam Francis - SF 70 42、1970年。© The Sam Francis Foundation
12人のアメリカ人画家
フランシスはMoMAでのブレイクスルーとなったグループ展で7点の絵画を展示しました。いずれも大作で、最小でも高さが6フィートを超え、最大は12フィート×10フィート以上ありました。これらの絵画はすべて色の名前が付けられていました：ブルーブラック、イエロー、ビッグレッド、ブラック・イン・レッド、レッド・イン・レッド、グレー、そしてディープオレンジ・オン・ブラック。これらの作品は共通の美学を持ち、フランシスを明確な視覚スタイルを持つ画家として確立しました。層状の生物的形態が自由奔放な滴りによって強調されていました。
これらのキャンバスは鑑賞者を構成の中に包み込みます。作品の声は「構成」という言葉の意味を再定義し、美的要素の配置よりも「落ち着いていること」の意味に焦点を当てています。作品は制御、確信、調和の感覚を放ち、絵画を理解するために必要なすべてがキャンバスの空間に含まれているという感覚を与えます。それでいて、その官能的で個人的な性質は、さらに深く隠されたものを探求するよう私たちを誘います。
Sam Francis - ディープオレンジ・オン・ブラック、1955年、油彩、キャンバス。© The Sam Francis Foundation
包摂
Sam Francisは独自の美学で知られるようになるとすぐに、それを超えました。彼は鮮やかで純粋な色彩の幅広いパレットを取り入れ、構成の多様な手法を探求しました。例えば、腎臓病との闘いに触発された青い球体を特徴とする一連の作品ブルーボールズでは生物的表現を用いています。1960年代半ばには、絵画の縁に鮮やかな筆致を配し、ほぼ空白の白い空間を囲む独特の美学様式に到達しました。
これらの作品はフランシスが語った光と闇の概念に直接かつ優雅に応えています。増えた白い空間、すなわち明るさは、色彩を通じて表現される闇の表現を強めます。色は最小限に抑えられながらもイメージを定義しています。これらの絵は多くの抽象表現主義作品の全体的な性質に逆らっています。無の状態と微妙な差異の力を語り、表現されていないものに注意を向けさせます。
Sam Francis - 無題、1965年、グアッシュ、紙（左）およびSam Francis - 無題（SF-106A）、1969年、リトグラフ（右）。© The Sam Francis Foundation
束縛なく
キャリアの大部分を通じて、フランシスはニューヨークの芸術界を避け、パリ、東京、カリフォルニアで生活し制作することを好みました。彼は流行に縛られませんでした。滴り、注ぎ、飛ばしといったアクション・ペインティングの技法を用い、また染み込み技法や伝統的な筆も使いました。版画、リトグラフ、モノタイプも制作し、さまざまな媒体や表面で制作しました。そして絶えず構成スタイルを進化させました。1970年代と80年代には幾何学的形態を絵画に取り入れ、時には硬質な幾何学作品も描きました。
彼は最もよく知られているのは1980年代に制作した鮮やかな色彩の飛沫絵画です。これらは多くの同世代の画家が放棄した技法を堅持し、自信を持って際立っていました。その原始的な性質はバスキアのようなネオ表現主義の画家たちの作品と対話していました。色彩のパレットはポップアートやシカゴ・イマジストのそれを反映し、イメージはミロ、カルダー、ゴーキーのような抽象芸術の歴史を想起させました。
Sam Francis - 無題、1983年、モノタイプ（左）およびSam Francis - 無題（SF-330）、1988年、リトグラフ、和紙（右）。© The Sam Francis Foundation
第二世代を超えて
Sam Francisは個人的な芸術的進化を決して止めませんでした。死の直前に右手の機能を失っても、左手で絵を描くことを学び、亡くなるまで大規模な新作群の制作に取り組み続けました。美学スタイルを変えたにもかかわらず、抽象表現主義の本質的な教義を放棄することはありませんでした。彼はそれを変えたのではなく、その不可欠な要素を維持しました。直感的に描き続け、自身の内面の状態とつながり、キャンバスを出来事が起こる場として扱うことをやめませんでした。しかし同時に定義を拡張しました。彼が加えたものは、彼自身の絵画の説明にうまくまとめられています：「絵画とは空間の美しさと包摂の力についてである。」
すべては「美しさ」「空間」「力」「包摂」という四つの言葉に込められています。フランシスは美しさを恥じることなく追求しました。定められた空間の制限と可能性の両方を受け入れました。人間の力への根源的な欲求という現実を認め、個人的に責任を負いました。そして最後に、何かが包摂されたという感覚に内在する自信と安心感を表現しました。これをジャクソン・ポロックの言葉と比べてみましょう：「絵画はそれ自身の生命を持っている。私はそれを通そうとするだけだ。」彼らの作品が意味するすべてに加え、ポロックと第一世代の抽象表現主義者たちは実験において束縛されていませんでした。彼らは野生の虎の尾を掴んでいるようなもので、次に何が起こるかを発見することに興奮し、可能性に完全に開かれ、何よりもできるだけ長くその野生を保つことに専念していました。Sam Francisはその虎を飼いならす手助けをしました。そしてそれによって、次の世代の芸術家たちに抽象表現主義が彼らにとって何を意味するかを定義する許可を与えたのです。
特集画像：Sam Francis - 無題、1962年、アクリルとグアッシュ、紙。© The Sam Francis Foundation
すべての画像は説明のために使用されています
フィリップ・Barcio 作
