サム・フランシスの作品における晩期抽象表現主義
ある人々は、真のアーティストにとって、アートを作ることは選択ではなく、強迫観念であると言います。彼らは報酬を得るかどうかに関係なく、無視されてもアート作品を作ります。言い換えれば、アーティストはアートを作らざるを得ないから作るのです。それがどれほど真剣に聞こえても、サム フランシスは、アーティストとアート制作の関係はさらに強烈であると考えていました。彼はアート制作を、アーティストが行うものではなく、アーティストが存在するからこそ存在するものだと見なしました。彼は言いました。「アーティストは彼の作品であり、もはや人間ではない。」フランシスにとって、アートをアーティストから切り離すことは、雨を雲から切り離すことと同じくらい不可能でした。雨は雲です。アートはアーティストです。分離はありません。彼らは一体です。
闇はただの色である
抽象 表現主義の歴史を振り返ると、運動の初期に関わったアーティストたちがその時代の不安に深く影響されていたことがすぐに明らかになります。彼らは苦しみと犠牲によって定義された世代であり、戦争の恐怖や原子爆弾への恐れに悩まされていました。彼らの作品を通じて、彼らは真剣に自分の無意識とつながろうとし、内面的な状態を表現しようとしました。彼らの時代の暗さは、色彩のパレットやジェスチャー、形、テクスチャー、構成の苦悩の中にしばしば明らかに見えます。しかし、同じ作品はまた啓示的であり、観客に超越的で瞑想的な意識の状態を体験させます。それでは、彼らが表現しているのは本当に暗さなのでしょうか？
サム・フランシスは、抽象表現主義の第二世代に関連付けられています。彼は、1956年にMoMAで開催された12人のアメリカ人アーティスト展に参加したことで名声を得ました。同じ年に、初期の運動の主要な人物であるジャクソン・ポロックが亡くなりました。フランシスは、第二次世界大戦中に戦闘機パイロットとして従軍中に受けた脊髄の怪我から回復する際に、病院で絵を描き始めました。戦後、彼は故郷のカリフォルニアに戻り、1950年にUCバークレーで修士号を取得しました。そこで、彼は初期の抽象表現主義の画家たち、特に当時サンフランシスコのカリフォルニア美術学校で教えていたマーク・ロスコと出会いました。フランシスは、これらのクリエイティブたちが「存在すること」と「成長すること」に焦点を当て、真の自己を探求することに対する彼らのコミットメントにインスピレーションを得ました。
Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation
闇と光の結婚
サム・フランシスにとって、暗闇と光は対立する力ではなかった。それらは補完的な力、あるいは同じ特性の変動する現れであった。彼はかつて「光の増加は暗闇の増加をもたらす」と言った。彼は光と暗闇が一つであると言っていたのか？それとも、光が影を作る方法について話していたのか、つまり光が明るくなるほど、より暗い影を作るということか？それとも、啓蒙について、私たちが学べば学ぶほど、私たちがどれだけ知らないかを認識することの形而上的な影響について言及していたのか？
彼はそれらのことを何も意味していなかったかもしれません。彼はまた、次のように言ったことがあります。「色は光と闇の相互浸透から生まれる。」したがって、彼が単に対比について話していた可能性もあり、キャンバスの白いスペースが絵の具の暗さを表現しているのです。いずれにせよ、彼のコメントは、抽象表現主義運動の明らかな暗さを解釈するための微妙な視点を提供しています。そして、彼が自分の絵画において闇、光、そして色にどのように向き合ったかを理解するための出発点を与えてくれます。
Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation
12人のアメリカの画家
フランシスは、MoMAでのブレイクアウトグループ展で7点の絵画を展示しました。それらは規模が巨大でした。最小のものは6フィート以上の高さがあり、最大のものは12フィート×10フィート以上でした。絵画はすべて色にちなんで名付けられました：ブルーブラック、イエロー、ビッグレッド、レッドインレッド、グレー、そしてディープオレンジオンブラック。これらの絵画は共通の美学を持ち、フランシスを明確な視覚スタイルを持つ画家として確立しました。それらは、自由な滴りによって強化された層状のバイオモルフィックな形状で構成されていました。
これらのキャンバスは、観る者を作品の構成に包み込みます。作品の声は「構成」という言葉を再定義し、美的要素の配置に焦点を当てるのではなく、構成されていることを感じることの意味により焦点を当てます。それらは、コントロール、信頼、そして調和の感覚を放ちます。絵画について理解するために必要なすべてがキャンバスの空間に含まれているという感覚を与えます。それでも、その官能的で個人的な性質は、私たちをより深い探求へと招き入れ、内部に隠れている他の何かを探ることを促します。
Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation
封じ込め
サム・フランシスが彼の独自の美学で知られるようになるや否や、彼はそれを超えていきました。彼は鮮やかで純粋な色の幅広いパレットを拡張しました。そして、彼は彼の腎疾患との闘いに触発された目立つ青い球体を特徴とする一連の作品ブルーボールズにおける生物形態的表現を含む、構図への多様なアプローチを探求しました。1960年代中頃、彼はほぼ空の白いスペースを囲むカラフルなブラシストロークが特徴の別の独特な美学のイディオムに到達しました。
これらの作品は、フランシスが表現した軽さと暗さの概念に直接的かつ優雅に語りかけています。増加したホワイトスペース、つまり軽さは、色を通して伝えられる暗さの表現を強めます。色は最小限に抑えられていますが、それでも画像を定義しています。これらの写真は、多くの抽象表現主義作品の全体的な性質に逆らっています。彼らは無の存在とニュアンスの力について語り、表現されていないものに注意を向けさせます。
Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation
制限なく
彼のキャリアのほとんどの間、フランシスはニューヨークのアートシーンを避け、パリ、東京、カリフォルニアで生活し、働くことを好みました。彼はトレンドに束縛されることはありませんでした。彼は、滴下、注ぎ、飛ばしなどのアクションペインティングに関連する技法を使用し、染色を行い、伝統的なブラシでも作業しました。彼は版画、リトグラフ、モノタイプを制作し、さまざまな媒体や表面で作業しました。そして、彼は絶え間なく自らの構成スタイルを進化させました。1970年代と80年代には、彼の絵画にはしばしば幾何学的な形が含まれ、時にはハードエッジの幾何学的作品を描くことさえありました。
彼は1980年代に制作した鮮やかな色彩のスプラッター・ペインティングで最もよく知られています。彼の世代の多くの他の画家たちが長い間放棄していた技法に固執しているため、彼の作品は自信を持って際立っています。その原始的な特質は、バスキアのような画家たちのネオ・エクスプレッショニズム作品と対話を交わしています。彼らのカラーパレットはポップアートやシカゴ・イマジストたちのそれを反映しています。そして彼らのイメージは抽象芸術の歴史を呼び起こし、ミロ、カルダー、そしてゴーキーのような画家たちを思い起こさせます。
Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation
第二世代を超えて
サム・フランシスは、個人的な芸術的進化を決して止めることはありませんでした。彼が死の直前に右手の機能を失った後も、左手で絵を描くことを学び、亡くなるまで続けた新しい大規模な作品群の創作に取り組みました。美的スタイルを変えたにもかかわらず、彼は抽象表現主義の本質的な原則を決して放棄しませんでした。その献身の中で、彼は抽象表現主義が何であるかを根本的に変革しました。彼がそれを変えたわけではありません。彼はその不可欠な要素を維持しました。彼は直感的に絵を描くことをやめず、自身の内面的な状態とつながり、キャンバスを出来事が起こるアリーナとして相互作用しました。しかし、彼は定義に追加もしました。彼が追加したことは、彼自身の絵画についての説明にうまく要約されています： “絵画は空間の美しさと包含の力についてです。”
すべては4つの言葉、つまり美、空間、力、そして包含にあります。サム・フランシスは美を恥じることなく追求しました。彼は定義された空間の限界と可能性の両方を受け入れました。彼は人間の力への探求という原初的な現実に対して個人的な責任を認めました。そして最後に、何かが包含されているという感覚に内在する自信と安心感を表現しました。それをジャクソン・ポロックが絵画について言ったことと比較してみてください："絵画は自らの命を持っている。私はそれが出てくるのを許そうとする。" 彼らの作品が何であったかに加えて、ポロックと最初の世代の抽象表現主義者たちは、実験において抑制されることはありませんでした。彼らは野生の虎の尾を掴んでおり、それが次に何をするのかを発見することに興奮し、可能性に完全にオープンであり、何よりもそれをできるだけ長く野生のままに保つことにコミットしていました。サム・フランシスはその虎を飼いならす手助けをしました。そうすることで、彼は次の世代のアーティストたちに抽象表現主義が彼らにとって何を意味するのかを定義する許可を与えました。
注目の画像：サム・フランシス - 無題、1962年、アクリルとガッシュの紙上。© サム・フランシス財団
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による
