가고시안 파리, 화이트 온 화이트 아트를 창조하는 아티스트들을 모으다

가고시안 파리에서 열린 Blanc sur Blanc (하얀 위에 하얀) 전시는 다시 한 번 온전한 흰색 미술의 타당성에 관한 영원한 논쟁에 불을 지폈습니다. 이 논의는 적어도 1918년으로 거슬러 올라가는데, 러시아 예술가 카지미르 말레비치가 절대주의의 창시자로서 그의 작품 “하얀 위에 하얀”을 처음 선보였을 때입니다—기울어진 흰색 사각형이 흰색 배경 위에 그려진 그림입니다. 말레비치는 이미 3년 전 ‘마지막 미래주의 전시 0,10’에서 공개한 “검은 사각형” 그림으로 악명이 높았습니다. 그러나 “하얀 사각형”은 예술에서 주제의 가치뿐만 아니라 색조의 가치까지 도전함으로써 분노를 한층 더 끌어올렸습니다. 말레비치 이후 수많은 예술가들이 온전한 흰색 작품을 제작해왔습니다: 미니멀리스트 로버트 라우센버그의 “흰색 그림 (세 패널)”(1951) (그는 “캔버스는 결코 비어 있지 않다”고 말했습니다); 거칠고 준구상적인 사이 트웜블리의 온전한 흰색 조각들; 그리고 메리 코르스의 “무제 (전기 빛)”(2019)라는 희박한 원자 후 빛 조각품까지. 미술 수집가들은 온전한 흰색 미술의 문화적, 재정적 가치를 굳게 믿고 있으며, 최근 두 차례의 경매 결과가 이를 입증합니다: 로버트 라이먼의 온전한 흰색 그림 “브리지”(1980)는 2015년 크리스티 경매에서 2천만 달러(미국 달러) 이상에 팔렸고, 알렉산더 칼더의 온전한 흰색 모빌 “21 페이유 블랑슈”(1953)는 2018년 1,790만 달러(미국 달러)에 낙찰되어 최고 예상가의 두 배 이상을 기록했습니다. 그러나 미술계 밖 사람들에게는 흰색 위에 흰색 미술이 분통 터질 수 있습니다. 아마도 현재 가고시안 전시회의 천재성은 단일 온전한 흰색 작품이나 한 예술가의 온전한 흰색 작품 모음만을 대중에게 보여주지 않는 데 있을 것입니다. 대신, 이 전시는 27명의 예술가들의 작품을 한데 모아 다양한 시대, 운동, 매체, 의도, 개인적 배경을 아우릅니다. 한 장소에서 한 번에 이렇게 많은 흰색 작품을 보는 것은 많은 비판자들이 인정하지 않는 미묘한 진실을 드러냅니다: 정말로 평범한 흰색이라는 것은 존재하지 않는다는 사실입니다.

선언문으로서의 흰색

Blanc sur Blanc 전시에서 볼 수 있는 작품 중에는 이탈리아 예술가 루치오 폰타나의 온전한 흰색으로 칼로 베인 캔버스가 있습니다. 전시 보도 자료에서 가고시안은 폰타나가 1946년에 발표한 에세이 ‘Manifesto Blanco’(흰색 선언문)를 언급합니다. 다소 감정적인 이 에세이는 단색화의 가치를 의심하는 관람객들에게 어느 정도 지침을 제공할 수 있습니다. 그러나 제목이 암시하는 것과 달리, 흰색 선언문은 실제로 흰색이라는 색을 언급하지 않습니다. 오히려 “모든 미적 인공물을 벗어난” 새로운 예술의 필요성에 대해 말합니다. 폰타나에게 흰색의 순수함은 이 새로운 출발점의 상징이었습니다. 흰색 선언문은 예술가들에게 “공간의 요소인 색, 시간의 요소인 소리, 그리고 시간과 공간에서 전개되는 움직임”에 집중할 것을 촉구하며, 폰타나는 이것이 “예술 역사상 그 어느 때보다 자연에 더 가까운” 작품을 만들어낼 것이라고 주장합니다.

설치 전경. 작품, 왼쪽부터 오른쪽: © 루치오 폰타나 재단, 밀라노 / SIAE / ADAGP, 파리, 2020; © 사이 트웜블리 재단; © 이미 크노벨 / ADAGP, 파리, 2020. 사진: 토마스 란네스

흰색 선언문에서 표현된 개념들은 폰타나가 다음 해 창시한 공간주의 운동의 기초가 되었습니다. 20년에 걸쳐 폰타나는 두 가지 획기적인 작품 시리즈를 통해 공간주의의 핵심 요소를 설명했습니다. 첫 번째는 그의 “환경” 시리즈로, 현재 설치 미술의 최초 사례로 여겨지는 15개의 빛 조각품입니다. 각 “환경”은 기본적으로 단일 색상의 빛으로 밝혀진 맞춤형 방이었습니다. 흰색, 검은색, 빨간색, 파란색, 초록색 등 어떤 색이든, 폰타나는 단일 색상과 비어 있는 공간의 결합이 자신의 사상의 본질을 담고 있다고 느꼈습니다. 두 번째 시리즈는 공간주의 개념을 설명하기 위해 만든 지금은 상징적인 칼로 베인 캔버스 시리즈입니다—단색 표면에 칼집을 낸 작품들입니다. 이 칼집들은 단순한 극적 표현이 아니었습니다. 그것들은 움직임, 색, 공간의 세계로 들어가는 실제 통로를 만들었습니다. 각 칼집은 관람객을 적극적인 역할로 끌어들여 그림 뒤 공간을 엿볼 수 있게 하며 우리를 안으로 끌어당깁니다. 이전에 사용되지 않았던 그림의 그 부분을 작품 주제의 핵심으로 삼음으로써 폰타나는 역동적이고 신비로운 무언가를 창조했습니다. 그의 “환경” 시리즈를 되돌아보면, 이 칼로 베인 캔버스들이 같은 생각을 다른 규모로 표현했음을 분명히 알 수 있습니다.

장 아르프 - 작은 손가락의 친구, 1963년. 석고, 10 x 24 x 13 센티미터. © ADAGP, 파리, 2020

시야의 확장

폰타나의 칼로 베인 캔버스처럼, Blanc sur Blanc에 소개된 모든 작품은 처음 보기에 비해 훨씬 더 복잡합니다. 셰일라 힉스의 세 개의 실 조각품은 순수한 색의 개념이 얼마나 연약한지를 보여주는데, 질감과 부피가 빛과 충돌하기 때문입니다. 한편, 레이첼 화이트리드의 조각품은 처음에는 벽에 기대어 놓인 무작위 흰색 건축 자재처럼 보이지만, 시각적이고 감정적인 명료함의 장면으로 변모시킵니다. 이러한 공간 속 재료의 축적은 일상적인 도시 환경에서 너무나 흔한 현상이 되었지만, 이 경우 화이트리드는 재료 자체의 고유한 미적 존재감을 보여줄 뿐 아니라 색의 정의에 대한 우리의 이해를 확장합니다.

설치 전경. 작품, 왼쪽부터 오른쪽: © 엔리코 카스텔라니 / ADAGP, 파리, 2020; © 셰일라 힉스 작업실. 사진: 토마스 란네스

결국, 아마도 흰색 위에 흰색 미술이 항상 추구해온 것은 시야의 확장일 것입니다. 우리는 너무 단순하고, 너무 미니멀하며, 너무 직접적인 무언가를 예술가가 단지 너무 쉽다고 비난하도록 도전하는 것처럼 느끼지 않고 바라볼 수 있을까요? 우리는 징의 단순한 울림, 촛불의 미묘한 깜박임, 깃털의 부드러운 간지럼과 같은 방식으로 흰색 위에 흰색 미술의 마법을 인정할 수 있을까요? 그렇게 미세한 것이 강력한 감정을 담을 수 있을까요? 이 질문은 여러 차례 제기되었고, 이번 전시로 끝나지 않을 것입니다. 왜냐하면 흰색 위에 흰색에는 평범한 것이 없다는 것을 아는 예술가들이 항상 있을 것이며, 그들은 항상 예술의 출발점으로서 이곳으로 돌아올 것이기 때문입니다.

대표 이미지: 설치 전경. 작품, 왼쪽부터 오른쪽: Archives Simon Hantai / ADAGP, 파리; © 레이첼 화이트리드. 사진: 토마스 란네스
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성