가고시안 파리, 화이트 온 화이트 아트를 창조하는 아티스트들을 모으다

Gagosian 파리에서 열린 Blanc sur Blanc (화이트 온 화이트) 전시는 다시 한 번 순백색 예술의 유효성에 대한 영원한 논쟁에 불을 지폈습니다. 이 대화는 적어도 1918년으로 거슬러 올라가며, 러시아 예술가 카지미르 말레비치가 초현실주의의 창시자로서 그의 그림 “화이트 온 화이트”를 처음 선보였을 때 시작되었습니다. 이 그림은 흰색 배경 위에 기울어진 흰색 정사각형의 이미지입니다. 말레비치는 3년 전 마지막 미래주의 전시 0,10에서 공개한 “블랙 스퀘어” 그림으로 이미 악명 높았습니다. 그러나 “화이트 스퀘어”는 예술에서 주제의 가치뿐만 아니라 색조의 가치에 도전함으로써 분노를 한 단계 끌어올렸습니다. 말레비치 이후 수많은 다른 예술가들이 순백색 작품을 만들어냈습니다: 로버트 라우센버그의 미니멀리스트 작품 “화이트 페인팅 (쓰리 패널)” (1951)에서 “캔버스는 결코 비어 있지 않다”고 말한 것; 사이 트웜블리의 거칠고 준형상적인 순백색 조각들; 메리 코스의 흰색 빛 조각 “언타이틀드 (일렉트릭 라이트)” (2019)의 희박한 포스트 아토믹 광채까지. 예술 수집가들은 순백색 예술의 문화적 및 재정적 가치를 확고히 믿고 있으며, 이는 최근 두 건의 경매 결과로 입증됩니다: 로버트 라이먼의 순백색 그림 “브릿지” (1980)는 2015년 크리스티에서 2천만 달러(미국) 이상에 판매되었고, 알렉산더 칼더의 순백색 모빌 “21 페이유 블랑쉬” (1953)는 2018년에 1,790만 달러(미국)에 팔렸습니다(고가 추정치의 두 배 이상). 그러나 예술 분야 외부의 사람들에게는 화이트 온 화이트 예술이 짜증을 유발할 수 있습니다. 현재의 가고시안 전시의 천재성은 단순히 대중에게 단일한 순백색 작품을 보여주지 않거나, 단일 예술가의 순백색 작품을 선별하여 보여주지 않는다는 점입니다. 대신, 27명의 예술가의 작품을 모아 다양한 시간대, 운동, 매체, 의도 및 개인적 배경을 아우릅니다. 한 곳에서 한 번에 이렇게 많은 순백색 작품을 보는 것은 많은 반대자들이 인정하지 못하는 미묘한 진실을 드러냅니다: 실제로 단순한 흰색이라는 것은 존재하지 않습니다.

백색 선언문

Blanc sur Blanc 전시에서 볼 수 있는 작품 중 하나는 이탈리아 아티스트 루치오 폰타나의 전면이 흰색으로 잘린 캔버스입니다. 전시의 보도 자료에서 가고시안은 1946년에 폰타나가 발표한 에세이인 '마니페스토 블랑코'(백색 선언문)를 언급합니다. 다소 격렬한 이 에세이는 단색화의 가치를 의심하는 관람객들에게 약간의 지침을 제공할 수 있습니다. 그러나 제목이 암시하는 것과는 달리, 백색 선언문은 실제로 흰색이라는 색을 언급하지 않습니다. 오히려, "모든 미적 장치에서 자유로운" 새로운 예술의 필요성에 대해 이야기합니다. 폰타나에게 흰색의 순수함은 이 새로운 출발점을 상징했습니다. 백색 선언문은 예술가들에게 "색, 공간의 요소; 소리, 시간의 요소; 그리고 시간과 공간에서 발전하는 움직임"에 집중할 것을 촉구하며, 폰타나는 이러한 전략이 "예술 역사상 그 어느 때보다 자연에 더 가까운 작품"을 만들어낼 것이라고 주장합니다.

설치 전경. 작품, 왼쪽에서 오른쪽으로: © 파운데이션 루치오 폰타나, 밀라노 / SIAE / ADAGP, 파리, 2020; © 사이 트웜블리 재단; © 이미 크노벨 / ADAGP, 파리, 2020. 사진: 토마스 란네스

화이트 매니페스토에서 표현된 개념들은 폰타나가 다음 해에 창립한 스페이셜리즘의 기초를 형성했습니다. 20년에 걸쳐 폰타나는 두 가지 혁신적인 작품 시리즈를 통해 스페이셜리즘의 핵심 요소를 설명했습니다. 첫 번째는 그의 "환경" 시리즈로, 현재 설치 미술의 첫 번째 사례로 여겨지는 15개의 빛 조각들입니다. 각 "환경"은 기본적으로 단일 색상의 빛으로 조명된 맞춤형 방이었습니다. 흰색, 검은색, 빨간색, 파란색, 초록색 등 어떤 색이든, 폰타나는 단일 색상과 그렇지 않은 비어 있는 공간의 융합이 그의 아이디어의 본질을 구현한다고 느꼈습니다. 폰타나가 스페이셜리즘의 개념을 설명하기 위해 만든 두 번째 작품 시리즈는 그의 지금은 상징적인 슬래시 캔버스 시리즈로, 칼로 베인 단색 표면들입니다. 그러나 그 슬래시는 단순히 드라마의 표현이 아니었습니다. 그것들은 움직임, 색상 및 공간의 세계로 들어가는 실제 입구를 만들었습니다. 각 슬래시는 관객을 능동적인 역할로 끌어들이며, 그림 뒤의 공간을 엿볼 수 있게 하여 우리를 안쪽으로 끌어당깁니다. 그 그림의 이전에 사용되지 않았던 부분을 주제의 핵심 요소로 만듦으로써, 폰타나는 운동적이고 신비로운 무언가를 만들어냈습니다. 그의 "환경"을 되돌아보면, 이러한 슬래시 캔버스가 같은 아이디어를 표현했음을 다른 규모에서 명확히 볼 수 있습니다.

장 아르프 - 작은 손가락의 친구, 1963. 석고, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 인치 (10 x 24 x 13 cm). © ADAGP, 파리, 2020

관점의 확장

폰타나의 찢어진 캔버스처럼, "Blanc sur Blanc"에 소개된 모든 작품은 처음에는 보이는 것보다 더 복잡하다. Sheila Hicks의 세 개의 실 조각은 순수 색상의 개념이 얼마나 취약한지를 보여주며, 질감과 질량이 빛과 혼란을 일으킨다. 한편, Rachel Whiteread의 조각은 처음에는 벽에 기대어 놓인 흰색 건축 자재의 무작위 조합처럼 보이지만, 이를 시각적이고 감정적인 명료함의 장면으로 변모시킨다. 이러한 공간에서의 물질 축적은 일상적인 도시 환경의 보편적인 부분이 되었지만, 이 경우 Whiteread는 자신의 재료가 지닌 고유한 미적 존재감을 보여줄 뿐만 아니라 색상의 정의에 대한 우리의 이해를 확장한다.

설치 전경. 작품, 왼쪽에서 오른쪽으로: © Enrico Castellani / ADAGP, 파리, 2020; © Atelier Sheila Hicks. 사진: Thomas Lannes

결국, 아마도 그것이 흰색 위의 흰색 예술이 항상 추구해온 것일지도 모른다—관점의 확장. 우리는 그렇게 단순하고, 미니멀하며, 직접적인 것을 보면서 예술가가 우리에게 너무 쉽다고 부르짖는 것처럼 기분이 상하지 않고 바라볼 수 있을까? 우리는 흰색 위의 흰색 예술의 마법을 종소리의 단순한 소리, 촛불의 미묘한 깜박임, 또는 깃털의 부드러운 간지러움과 같은 방식으로 인정할 수 있을까? 이렇게 미세한 것이 강력한 감정을 담을 수 있을까? 이 질문은 여러 번 제기되었으며, 현재의 전시로 끝나지 않을 것이다. 왜냐하면 흰색 위의 흰색에는 결코 평범한 것이 없다는 것을 아는 예술가들이 항상 존재할 것이며, 그들은 항상 예술의 제로 포인트로 돌아가고 싶어할 것이기 때문이다.

특집 이미지: 설치 전경. 작품, 왼쪽에서 오른쪽으로: Archives Simon Hantai / ADAGP, 파리; © Rachel Whiteread. 사진: Thomas Lannes
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio