아론 시스킨드가 거리에서 추상화를 발견한 방법

아론 시스킨드는 그의 세대에서 가장 영향력 있는 사진작가 중 한 명이었습니다. 그 영향력은 부분적으로 미국에서 가장 명망 있는 디자인 학교들, 예를 들어 블랙 마운틴 대학, 시카고 디자인 연구소(일명 뉴 바우하우스), 로드아일랜드 디자인 학교에서 시스킨드가 맡았던 여러 교육직을 통해 나타났습니다. 그러나 그가 가르치는 일에 전념하기 전에도, 시스킨드는 이미 추상 사진 세계에서 선구자로 자리매김했습니다. 폴 스트랜드, 앨빈 랭던 코번, 야로슬라프 뢰슬러 같은 실험 사진작가들이 남긴 길을 이어받아, 시스킨드는 사진 매체가 이룰 수 있는 것에 대한 개념을 변화시켰습니다. 단순히 객관적인 세계를 기록하는 데 그치지 않고, 그는 매체를 사용해 내면의 자아를 표현하고, 그가 “사물의 극적 표현”이라 부른 것을 포착했습니다.

현실의 형식성

아론 시스킨드는 작가의 삶을 살 계획이었으나 우연히 사진을 발견했습니다. 그는 1929년, 25세 때 결혼 선물로 첫 카메라를 받았습니다. 비록 사진 매체를 늦게 접했지만, 그는 즉시 감정을 표현할 수 있는 잠재력에 영감을 받았습니다. 몇 년 만에 그는 자신의 세대에서 최고의 기록 사진작가 중 한 명으로 이름을 알렸습니다. 그의 초기 재능은 그가 참여한 사진집 할렘 문서에서 분명히 드러납니다. 이 책은 시스킨드와 뉴욕 사진 연맹의 여러 멤버들이 1930년대 뉴욕 할렘 지역의 빈곤한 도시 주민들의 삶의 본질을 전달하기 위해 만들었습니다.

아론 시스킨드를 할렘 문서의 동료들과 구별 짓는 점은 그의 촬영 구도에 대한 본능이었습니다. 그는 다양한 시각을 고려하며 시간을 들여 삶의 외형뿐 아니라 인간 경험의 근본적인 감정과 중대함을 포착할 구도를 찾았습니다. 사람과 건물 사진 속에서 밀고 당기는 힘, 명암 대비, 그리고 다른 형식적 미적 요소와 디자인 요소의 표현 가능성을 명확히 볼 수 있습니다. 완벽한 이미지를 찾기 위해 시간을 들이는 것의 중요성에 대해 시스킨드는 한때 이렇게 말했습니다. “자리를 옮기며 모이고 다시 모여라. 관계가 점차 드러나고 때로는 최종적으로 자신을 주장한다. 그리고 그것이 당신의 사진이다.”

아론 시스킨드 - 시카고 22, 1949, 사진 출처 브루스 실버스타인 갤러리, 뉴욕, © 아론 시스킨드 재단

추상 표현주의 사진작가

1940년대 초, 아론 시스킨드는 점차 사진 프로젝트의 초점을 바꾸기 시작했습니다. 인간 사회를 기록하는 대신, 그는 거리에서 발견한 일상 사물과 표면을 근접 촬영하기 시작했습니다. 그의 구도는 의도적으로 추상적이었습니다. 이를 통해 그는 피사체의 물리적 특성뿐 아니라 감정을 불러일으킬 수 있는 잠재력도 전달하고자 했습니다. 1945년, 그는 이러한 작품들을 모아 사물의 극적 표현이라는 책을 출간했습니다. 이 이미지들은 다음 해 뉴욕에서 ‘추상 표현주의자’라는 이름을 얻게 될 화가 그룹의 작품과 대화하듯 말했습니다. 그 중 많은 이들, 예를 들어 윌렘 드 쿠닝, 마크 로스코, 로버트 마더웰은 이 작품을 보고 시스킨드와 친분을 쌓았습니다.

시스킨드는 그의 추상 작품에서 추상 표현주의 회화에서 볼 수 있는 동일한 형식적 미적 특성을 포함하려 노력했습니다. 사진 표면 위에 평면적으로 표현되었지만, 그는 질감, 깊이, 원근감을 전달했습니다. 비록 자국들이 그의 직접적인 행위로 만들어진 것은 아니었지만, 그는 에너지와 신체적 동작의 힘을 표현했습니다. 선, 형태, 리듬, 패턴을 직접 만들지 않았음에도, 그는 완벽한 구도에 도달함으로써 그 관계들의 서정성을 표현했습니다. 그리고 그의 추상 사진들이 부인할 수 없는 내용을 지녔음에도, 그는 이미지가 전달하는 감정을 바탕으로 새로운 해석 가능성을 제시하며 그 내용을 전복시켰습니다.

아론 시스킨드 - 로마 62, 1967, 사진 출처 브루스 실버스타인 갤러리, 뉴욕, © 아론 시스킨드 재단

새로운 기록 사진

1991년 사망할 때까지 아론 시스킨드는 작품 세계를 확장하며 사진이 추상적 수준에서 소통할 수 있는 가능성을 끊임없이 탐구했습니다. 1950년대 후반, 그는 부양의 기쁨과 공포라는 시리즈를 만들었습니다. 이 시리즈는 흰 배경을 배경으로 운동 자세로 공중에 멈춰 있는 그림자 같은 인물들의 고속 촬영 사진들로 구성되어 있습니다. 1970년대에는 프란츠 클라인에 대한 경의라는 새로운 시리즈를 시작했습니다. 시스킨드는 1950년대 초부터 1962년 클라인이 사망할 때까지 추상 표현주의 화가 프란츠 클라인과 친구였으며, 클라인이 유명해진 상징적인 이미지들의 힘을 존경했습니다. 프란츠 클라인에 대한 경의에서 시스킨드는 그래피티 같은 실제 세계의 흔적들을 클라인이 만든 동작을 반영하고 비슷한 물방울과 튀김을 보여주는 방식으로 촬영했습니다.

그러나 시스킨드가 찍은 그래피티 사진들은 클라인에게서 무언가를 빼앗는 것이 아니라, 클라인이 지닌 진정한 재능의 깊이를 드러냅니다. 그래피티는 열정에서 비롯되며 속도와 은밀함을 요구합니다. 클라인은 오랜 시간에 걸쳐 신중하고 세심한 방식으로 같은 미학을 이뤄냈습니다. 그의 과정은 빠르고 거칠지 않고 정확하고 고된 작업이었습니다. 그가 작업실에서 분노에 찬 골목 벽의 페인트 뿌리기에서 볼 수 있는 것과 같은 에너지, 열정, 강인함을 꾸준히 전달할 수 있었다는 사실은 놀랍습니다. 시스킨드가 움직이는 인체를 찍은 사진들처럼, 프란츠 클라인에 대한 경의의 이미지들은 추상이 일상 세계 속에 숨겨져 있음을 포착했습니다. 이 사진들은 추상이 아니었습니다. 그것들은 기록이었고, 재현이었지만 새로운 종류의 기록이었습니다. 현대 상형문자처럼 읽힙니다: 자연과 이야기를 결합한 양식화된 상징; 외형을 넘어 의미를 지닌 추상의 표현.

아론 시스킨드 - 부양의 기쁨과 공포 32, 1965 (왼쪽) 그리고 아론 시스킨드 - 부양의 기쁨과 공포 63, 1962 (오른쪽), 사진 출처 브루스 실버스타인 갤러리, 뉴욕, © 아론 시스킨드 재단

대표 이미지: 아론 시스킨드 - 해초 11 (세부), 1947, 사진 출처 브루스 실버스타인 갤러리, 뉴욕, © 아론 시스킨드 재단
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성