아론 시스킨드가 거리에서 추상화를 발견한 방법

아론 시스킨드는 그의 세대에서 가장 영향력 있는 사진작가 중 한 명이었다. 그 영향력은 부분적으로 시스킨드가 미국의 가장 권위 있는 디자인 학교들에서 맡았던 다양한 교수직을 통해 나타났다. 여기에는 블랙 마운틴 칼리지, 시카고 디자인 연구소(일명 뉴 바우하우스), 로드아일랜드 디자인 학교가 포함된다. 그러나 그가 교수직에 전념하기 전에도 시스킨드는 이미 추상 사진 세계의 개척자로 자리 잡았다. 폴 스트랜드, 앨빈 랭돈 코번, 야로슬라프 로슬러와 같은 실험적 사진작가들이 남긴 자리를 이어받아, 시스킨드는 사진 매체가 무엇을 성취할 수 있는지에 대한 개념을 변화시켰다. 그는 단순히 객관적인 세계를 기록하는 것이 아니라, 매체를 사용하여 내면의 자아를 표현하고 그가 "사물의 드라마"라고 부르는 것을 포착했다.

현실의 형식

아론 시스킨드는 우연히 사진을 발견했을 때 작가의 삶을 살 계획을 세우고 있었습니다. 그는 1929년, 25세의 나이에 결혼 선물로 첫 카메라를 받았습니다. 비록 그가 이 매체에 늦게 접했지만, 그는 그것이 감정을 표현할 수 있는 잠재력에 즉시 영감을 받았습니다. 불과 몇 년 만에 그는 자신의 세대에서 가장 저명한 다큐멘터리 사진작가 중 한 명으로 이름을 알리게 되었습니다. 그의 초기 재능은 그가 기여한 사진집 하렘 문서에서 분명히 드러납니다. 시스킨드와 뉴욕 사진 리그의 여러 다른 회원들이 만든 이 책은 1930년대 뉴욕 하렘 지역의 빈곤한 도시 거주자들의 삶의 본질을 전달하기 위해 만들어졌습니다.

아론 시스킨드를 하렘 문서의 동료들과 구별짓는 것은 샷을 구성하는 그의 본능이었다. 그는 다양한 가능한 관점을 고려하는 데 시간을 할애하며, 삶의 외관뿐만 아니라 인간 경험의 근본적인 감정과 중량감을 포착할 수 있는 구성을 찾고자 했다. 사람들과 건물의 사진 속에서 그는 밀고 당기기, 명암, 그리고 기타 형식적 미학 및 디자인 요소의 표현 가능성에 대한 그의 안목을 분명히 볼 수 있다. 완벽한 이미지를 찾기 위해 시간을 할애하는 것의 중요성에 대해 시스킨드는 한때 이렇게 말했다. “당신의 위치를 바꾸면서 그룹화하고 다시 그룹화하세요. 관계는 점차 드러나고 때로는 최종적으로 자신을 주장합니다. 그리고 그것이 당신의 사진입니다.”

Aaron Siskind - Chicago 22, 1949, photo credits Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

추상 표현주의 사진작가

1940년대 초, 아론 시스킨드는 그의 사진 프로젝트의 초점을 점차 변화시켰습니다. 그는 인간 사회를 기록하려 하기보다는 거리에서 발견한 일상적인 물체와 표면의 클로즈업 사진을 찍기 시작했습니다. 그의 구성은 의도적으로 추상적이었습니다. 그는 이를 통해 주제의 물리적 특성뿐만 아니라 감정을 불러일으킬 수 있는 잠재력도 전달하고자 했습니다. 1945년, 그는 물체의 드라마라는 제목의 작품 모음을 발표했습니다. 이 이미지는 다음 해에 추상 표현주의자들이라는 이름을 얻게 될 뉴욕시의 화가 그룹의 작업과 대화하는 듯했습니다. 윌렘 드 쿠닝, 마크 로스코, 로버트 마더웰과 같은 많은 이들은 이 작품을 보고 시스킨드와 친구가 되었습니다.

그의 추상 작품에서 시스킨드는 추상 표현주의 회화에서 찾을 수 있는 것과 같은 형식적 미적 특성을 포함하려고 노력했다. 비록 사진 표면에 평면화되었지만, 그는 그럼에도 불구하고 텍스처, 깊이 및 원근감을 전달했다. 비록 그 자국들이 그의 행동에 의해 만들어지지 않았지만, 그는 그럼에도 불구하고 에너지와 신체적 제스처의 힘을 표현했다. 비록 그는 자신의 이미지에서 선, 형태, 리듬 및 패턴을 만들지 않았지만, 그는 그럼에도 불구하고 완벽한 구성을 조화롭게 도달함으로써 그 관계의 서정성을 표현했다. 그리고 비록 그의 추상 사진이 부인할 수 없는 내용을 가지고 있었지만, 그는 그 이미지가 전달하는 감정에 기반하여 새로운 해석 가능성을 제공함으로써 그 내용을 전복시켰다.

Aaron Siskind - Rome 62, 1967, photo credits Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

새로운 다큐멘터리

1991년 그의 죽음까지 아론 시스킨드는 그의 작품 세계를 확장하며, 사진이 추상적인 차원에서 소통할 수 있는 가능성을 끊임없이 탐구했습니다. 1950년대 후반, 그는 부양의 즐거움과 공포라는 일련의 작품을 만들었습니다. 이 시리즈는 stark white backgrounds에 설정된 운동 자세로 공중에 얼어붙은 그림자 같은 인간 형상의 고속 사진으로 구성되어 있습니다. 1970년대에는 프란츠 클라인에게 바치는 경의라는 새로운 시리즈를 시작했습니다. 시스킨드는 1950년대 초부터 1962년 클라인이 사망할 때까지 추상 표현주의 화가 프란츠 클라인과 친구였으며, 클라인이 유명해진 상징적인 이미지의 힘을 존경했습니다. 프란츠 클라인에게 바치는 경의에서 시스킨드는 그래피티 자국과 같은 실제 세계의 표식을 촬영하여 클라인이 만든 제스처를 반영하는 구성을 만들어내고, 유사한 방울과 튀김을 보여주었습니다.

그러나 Kline에게서 무언가를 빼앗기기보다는, Aaron Siskind가 찍은 그래피티 자국의 사진들은 Kline이 지닌 진정한 재능의 깊이를 드러냅니다. 그래피티는 열정에서 시작되며, 속도와 은밀함을 요구합니다. Kline은 시간이 지남에 따라 신중하고 조심스러운 방식으로 같은 미학을 달성했습니다. 그의 과정은 철저하고 힘든 작업이었으며, 빠르고 더러운 것이 아니었습니다. 그가 스튜디오에서 같은 에너지, 열정, 그리고 투지를 지속적으로 전달할 수 있었던 사실은 놀랍습니다. 마치 Siskind가 움직이는 인간의 몸을 찍은 사진들처럼, Homage to Franz Kline의 이미지들은 일상 세계 안에 숨겨진 추상이 드러나 있다는 느낌을 포착했습니다. 이 사진들은 추상이 아니었습니다. 그것들은 다큐멘터리였습니다. 그것들은 표현적이었습니다. 그러나 그것들은 새로운 종류의 다큐멘터리였습니다. 그것들은 현대의 상형 문자처럼 읽힙니다: 자연과 서사를 결합한 스타일화된 기호; 그들의 외관을 넘어 의미를 지닌 추상의 표현.

Aaron Siskind - Pleasures and Terrors of Levitation 32, 1965 (Left) and Aaron Siskind - Pleasures and Terrors of Levitation 63, 1962 (Right), photo credits Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

특집 이미지: 아론 시스킨드 - 해조류 11 (세부), 1947, 사진 제공 브루스 실버스타인 갤러리, 뉴욕, © 아론 시스킨드 재단
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio