켄 켈레허가 추상 미술로 공공 공간을 디지털 재구성하는 방법
Ken Kelleher는 우리 시대에 가장 오해받는 예술가 중 한 명입니다. 그의 작품을 좋아한다고 주장하는 대부분의 사람들은 그가 정확히 무엇을 하는지조차 잘 모르는 것 같습니다. 뉴욕의 알프레드 대학교에서 조각가로 교육받은 Kelleher는 주로 Anthony Caro와 William Tucker 같은 예술가들의 청동 주조 작품을 마무리하는 주조소에서 기술을 익혔습니다. 그러나 그의 진정한 재능은 디지털 디자인 분야에 있으며, 이 분야에서 20년간 일한 후 자신의 조각 작업을 시작했습니다. 그의 현재 작업물 중 상당 부분은 상상 속의 대형 추상 조각을 디지털로 렌더링한 것으로, 이를 실제 공공 공간의 사진에 합성합니다. 이 디지털 렌더링은 너무나도 실감 나서 실제로 조각이 존재한다고 믿어도 무방할 정도입니다. Kelleher에 대해 작성된 대부분의 글은 그를 “디지털 아티스트”라고 부르며 렌더링 작업만을 완성된 예술 작품으로 다루지만, Kelleher는 이런 표현을 달가워하지 않습니다. 그는 “어떤 글들은 내가 하는 렌더링이 예술이라고 말하지만, 사실 내가 하는 디자인은 실제로 만들어지기 위한 것”이라고 말합니다. Kelleher는 자신의 부지에 큰 작업실을 갖추고 나무, 유리섬유, 플라스틱, 강철 등 다양한 재료로 작업합니다. 그는 여러 제작자와 공공 기획자와 협력하여 상상 속 작품을 현실로 만들고자 하지만, 대부분의 형태가 너무 거대하거나 복잡해서 제작에는 엄청난 노력과 무한한 자금이 필요합니다. 렌더링이 멋지게 보이지만, 그의 조각 대부분은 아직 제작되지 않았고 앞으로도 제작되지 않을 수도 있습니다. 바로 이 점이 그의 좌절입니다. Kelleher는 우리가 그의 상상 속 환상적인 작품을 경험하기를 바라지만, 우리가 속한 인간 세계는 아직 그들이 온 포스트휴먼 환상과 융합할 준비가 되어 있지 않습니다.
예술 경험과 사용자 경험
Kelleher의 작업을 이해하지 못하게 하는 한 가지 장벽은 그가 예술가인지 디자이너인지에 관한 문제입니다. 우리는 그의 작업을 두 분야의 언어로 이야기할 수 있습니다. 현대 미술의 언어로는 이렇게 말할 수 있습니다: Kelleher는 포스트모더니티, 학제간 연구, 장소 만들기 개념에 기반한 작업을 합니다. 그의 시각 언어는 생체형태주의, 추상 표현주의, 기하학적 추상, 운동 미술, 팝 아트 등 여러 모더니즘 미학 입장을 혼합해 형성됩니다. 그는 다양한 재료와 방법을 통해 이러한 입장의 형식적 측면을 탐구하고, 자신의 작품을 공공 공간에—디지털로 또는 이상적으로는 실제로—배치하여 사회적 개입으로서 공공 공간을 변화시키고 사람과 건축 환경 간의 유대를 강화합니다.
Ken Kelleher- Asterix - 작업실 크기. © 2019 Ken Kelleher Studios
현대 디자인 분야의 언어로는 그의 작업을 이렇게 설명할 수 있습니다: Kelleher는 사용자 경험(UX) 디자인 전략을 활용해 자신의 공공 미술 제품을 가상 현실(VR)에서 실제 공공, 사적, 기업 공간으로 확장하는 브랜드를 개발했습니다. 그의 대부분 작품은 VR에만 존재하지만, 여러 전문 제작자와 협력하여 일부 작품은 실제로 시장에 선보일 수 있습니다. 한편, Look Mister 같은 증강 현실(AR) 회사와 협력하여, 너무 거대하거나 비용이 많이 들거나 복잡해 실제로 존재하기 어려운 작품들이 AR 기술을 통해 공공 공간에 나타나 AR 기술을 접할 수 있는 사용자의 경험을 향상시키는 가능성을 실험하고 있습니다.
Ken Kelleher- Circle Wing (Tradewinds). © 2019 Ken Kelleher Studios
포스트휴먼과 매우 인간적인
Kelleher를 예술 언어로 설명하는 것과 디자인 언어로 설명하는 것의 차이는 두 언어가 전달하는 인간성의 수준 차이로 보입니다. 디자인 언어는 확실히 포스트휴먼적입니다. 사람을 ‘사용자’로 축소하고 디지털 기술에 접근할 수 있는 사람과 그렇지 않은 사람을 명확히 구분합니다. 그 언어로 Kelleher를 이야기하거나 그의 디지털 디자인만을 논할 때, 우리는 그의 작업을 비인간화하여 기술적 능력을 가진 사람만을 위한 순수한 포스트휴먼 예술가로 만듭니다. 반면 예술 언어는 더 희망적입니다. 다소 학문적으로 들릴 수 있지만, 작업의 인간성을 우선시합니다. Kelleher가 사람, 사물, 그리고 그들이 거주하는 공간 사이에 만들고자 하는 관계를 이야기합니다. 예술 어휘는 Kelleher를 제가 ‘매우 인간적인’ 사람들 공동체에 더 가깝게 둡니다—인간 감성을 동기로 삼아 인간을 자연의 일부로, 기술의 저장소가 아닌 존재로 우선시하는 미래를 만들려는 사람들입니다.
Ken Kelleher- Becoming. © 2019 Ken Kelleher Studios
저는 Kelleher를 알렉산더 칼더처럼 자신의 별채에서 나무, 강철, 유리섬유 같은 재료로 실제로 만들고자 하는 환상적인 작품들의 도면과 모형에 둘러싸여 작업하는 매우 인간적인 예술가로 상상하는 것을 선호합니다. 이 경우 방 안에는 컴퓨터가 있지만, 그것은 최종 작품—쓸모없고 아름답고 신비로운, 실제 시간과 공간을 차지할 그 물체—에 도달하기 위한 도구일 뿐입니다. 그러나 저는 왜 Kelleher가 포스트휴먼들에게 찬사를 받는지도 이해합니다. 그들은 그의 뛰어난 디지털 디자인 기술에 감탄할 만합니다. 문제는 Kelleher 자신이 자신을 어떻게 보는가입니다. 그의 웹사이트에서는 상상한 작품을 현실로 만드는 데 방문객의 도움을 구하지만, 동시에 새로운 디지털 렌더링이나 VR 영상을 만들 때마다 소셜 미디어에 올립니다. 만약 그가 정말로 매우 인간적인 ‘만드는 일’의 취미에 공감한다면, 실제 작품에 더 많은 관심을 기울여야 할 것입니다; 왜냐하면 UX, VR, AR의 토끼굴을 깊이 파고들수록 Kelleher 자신이 가장 오해받는 사람처럼 보이기 때문입니다.
대표 이미지: Ken Kelleher- Aspire. © 2019 Ken Kelleher Studios
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio
