추상 미술을 어떻게 그릴까요? 마스터가 되세요.

시작하기 전에, 모든 사람이 올바른 장소에 있는지 확인해 봅시다. 이것은 추상 미술을 그리는 방법에 대한 마스터 가이드입니다. 우리는 브러시 기술, 색채 이론, 캔버스 늘리기, 선이 무엇인지 및 그것을 그리는 방법, 인물화/정물화/풍경화/동물화/장르 장면 그리기와 같은 기본적인 내용은 건너뛰겠습니다. 또한, 나는 누구인가, 왜 여기에 있는가, 왜 예술을 만드는가, 왜 아무것도 하지 않는가 등의 문제도 다루지 않을 것입니다. 또한, 아마도 동굴 벽화부터 현재까지의 예술 역사에 대한 기본적인 이해가 있어야 할 것입니다. 자, 그럼 모두가 편안하게 진행할 준비가 되었다면, 시작해 봅시다!

추상 미술 그리기 – 8단계 가이드

1단계: 재능이 있다

이것은 여러분 중 일부를 실망시킬 수 있습니다. 추상 미술이 그릴 수 없는 예술가들, 학문적 훈련이 없는 사람들, 또는 단순히 경련을 일으키는 사람들에 의해 만들어진다는 것은 일반적인 오류입니다. 사실, 많은 훈련받지 않은 재능 없는 사람들이 표면에 페인트를 적용하여 알아볼 수 없는 이미지를 만들어내는 행동에 참여합니다. 하지만 우리가 그것을 시간 보내기, 취미 활동, 차고의 물건을 소모하기, 또는 스트레스를 푸는 것과 같은 다른 어떤 것으로 부를 수는 있지만, "추상 미술 그리기"라고 부르지는 않습니다.

추상 예술가가 되는 것은 변호사나 총리가 되는 것과 같습니다. 그것은 직업입니다. 훈련이 필요합니다. 전념하고 전일제로 일해야 합니다. 추상은 아마추어를 의미하지 않습니다. 캐나다의 기하학적 추상 예술가인 존 몬티스를 고려해 보세요. 그는 1997년 온타리오 예술 디자인 대학에서 학사 학위를 받았습니다. 그런 다음 거의 10년 동안 작업하고 전시하며 출판한 후, 2008년 뉴욕의 파슨스에서 MFA를 취득하기 위해 다시 학교로 돌아갔습니다. 그 이후로 그는 독일과 스위스에서 레지던시를 마치고 전 세계에서 강의하고 전시하는 시간을 보냈습니다. 추상 화가로 성공하기 위해서는 교육, 집중, 끈기, 그리고 기술의 조합이 필요합니다. 다시 말해, 재능입니다.

John Monteith - Tableau #3, 2014. 47.2 x 35.4 in

2단계: 의도적으로 행동하기

이것도 실망스러울 수 있지만, 네, 심지어 추상화도 아이디어에서 시작됩니다. 추상 화가들을 그들조차 이해하지 못하는 우주적 힘을 채널링하는 신비로운 존재로 상상하는 것이 훨씬 더 재미있고 패셔너블합니다. 그들의 이해할 수 없는 과정이 그들을 좀비처럼 캔버스로 이끌고, 그곳에서 예기치 않은 힘이 그들을 통해 흐르며, 결과적으로 만들어진 그림이 그렇게도 자유롭게 해석될 수 있어서 그 위에 쌓이는 모든 의미가 잠재적으로 유효하다는 것입니다.

그러나 추상 미술의 역사에 대한 간단한 시선조차도 반대의 진실을 보여줍니다. 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)와 파블로 피카소(Pablo Picasso)와 같은 초기 추상주의자들은 목적에 의해 이끌렸습니다. 그들은 과학적인 헌신으로 회화를 해체하고 색상, 선, 형태, 질감, 광도, 제스처, 표면 및 붓질과 같은 요소를 분리했습니다. 그들은 의도를 가지고 이러한 구성 요소를 사용하여 작곡가가 음악을 통해 추상적인 보편성을 표현하는 방식으로 보편적인 무언가를 표현할 방법을 찾고자 했습니다. 힐마 클린트(Hilma Klint)와 같은 신비로운 추상 화가들 및 조안 미로(Joan Miró)와 같은 초현실주의 추상가들은 개념으로 시작하여 아이디어에 의해 영향을 받은 작품을 만들었습니다.

Richard Caldicott - Untitled #109, 1999. 13.8 x 10.6 in

3단계: 관련성 유지하기

오늘날 예술가들이 고등학교에서 대학으로, 대학에서 대학원으로, 그리고 대학원에서 전문적인 실천으로 직접 나아가는 것은 흔한 일이다. 25세의 젊은 예술가가 만든 예술은 어떤 것일까? 그들은 결코 정규직으로 일한 적이 없고, 청구서를 전적으로 책임지고 지불한 적이 없으며, 집을 유지한 적이 없고, 직원을 관리한 적이 없으며, 일반적으로 현대인의 생존을 위한 다양한 고통스러운 복잡함을 헤쳐 나가야 했던 적이 없다.

전문가가 되고, 일에 의도를 가지며, 관련성을 유지하기 위해서는 나머지 인간들에 대해 배워야 합니다. 세상을 보세요. 여행하세요. 읽으세요. 요리하는 법을 배우세요. 집회에 가세요. 무언가를 위해 서세요. 마음을 바꾸고 다른 무언가를 위해 서세요. 당신의 예술을 접할 수 있는 지구상의 70억 다른 사람들의 삶이 어떤지에 대해 배우세요. 네덜란드의 추상 화가 José Heerkens는 그녀의 전문 이력서에 네 개 대륙에서 거의 12개국의 교육 여행을 나열합니다. 이러한 여행은 그녀의 자아 감각과 시각적 어휘에 직접적인 영향을 미쳐, 층이 있고 현대적이며 세계적인 느낌의 작품을 만들어냅니다. 이해하세요, 추상 미술은 "무언가에 대한" 것이어야 할 필요는 없지만, 누군가에 의해 만들어져야 합니다.

Jessica Snow - Six Color Theorum, 2013. 48 x 48 in

4단계: 의견을 가지세요

전문 추상 화가가 되고 싶다면 결국 누군가에게 당신의 작품을 보여줘야 할 것입니다. 관객들은 "이 이미지는 다른 무언가를 상징하고 있나요, 아니면 단지 자기 자신만을 참조하나요?" 또는 "이 그림은 인식 가능한 객체를 의도적으로 모호하게 만들어서 도달한 것인가요, 아니면 직관적이고 비표상적인 제스처의 결과인가요?" 또는 "왜 빨간색인가요? 왜 파란색이 아니죠?" 등과 같은 질문을 할 것입니다.

전문 예술가로서, 당신은 자신이 만든 것에 대해 주장해야 합니다. 자신감 있고 진실해야 합니다. 지적 명확성에 대한 대체물은 없습니다. 당신은 자신의 작업을 설명할 필요가 없으며, 그것이 무엇을 의미하는지 또는 무엇에 관한 것인지 말할 필요도 없습니다. 그러나 자신의 의도를 설명하기를 거부하거나, 질문을 관객에게 되돌리거나, 아예 아무 말도 하지 않는 것은 이기적이며, 다른 사람들이 당신의 작업을 정의하도록 남겨두는 것입니다.

Jeremy Annear - Morning Space, 2008. 47,2 x 63 in

5단계: 통제력을 가지세요

잭슨 폴록의 작품이 혼란스럽다는 비판을 받았을 때, 폴록은 "혼란이 아니다, 젠장."이라고 대답했다. 예술은 우연이 아니다. 의도하지 않은 행위는 실수라고 불린다. 추상화의 표면에 남는 모든 자국은 화가의 행동과 선택의 결과로 나타난다. 화가가 그림을 비 오는 날 밖에 두기로 선택하더라도, 그로 인해 생기는 물자국은 선택의 결과로 나타난다.

그리고 화가가 어떤 자국에 만족하지 않으면, 화가는 그것을 지우거나, 덮거나, 수정하거나, 그림을 파괴할 수 있다. 그것을 편집이라고 한다. 당신은 작업하고, 편집하고, 다시 작업한다. 왜 당신의 작업에서 우연의 거짓말 뒤에 숨는가? 추상은 혼돈이 아니다. 모든 그림의 모든 자국을 소유하라. 작업에서 의식적으로 계획하지 않았던 일이 발생하면, 그것을 다루어라. 계획되지 않은 사건에 맞서고 그것을 유지할지 말지를 결정하라. 당신이 무엇을 결정하든, 그리고 작업이 무엇이 되든, 그것은 선택에 의한 것이다.

Greet Helsen - O.T, 2014. 27.6 x 39.4 in

6단계: 열려있으세요

아마도 이 단계는 직관에 반하는 것처럼 보일 수 있습니다. 지난 다섯 단계가 의도적이고 개념적이며 통제된 것의 중요성을 강조했기 때문입니다. 우리는 그 모든 것을 잊으라고 말하는 것이 아닙니다. 우리는 또한 마음을 열라고 말하고 있습니다. 당신의 잠재의식과 연결하세요. 당신의 정신 속 어딘가에는 인류의 모든 구성원에게 보편적인 것이 있습니다. 당신의 감정이 몸을 이끌게 하세요. 본능적으로 그리세요. 당신의 감정을 캔버스에 표현하세요. 당신이 그리는 것이 직관적이고, 원초적이며, 계획되지 않고 자유롭더라도, 여전히 선택을 하고 있습니다. 여전히 편집을 하고 있습니다. 그리고 여전히 그림이 완성되었을 때를 결정합니다.

Ashlynn Browning - Stacked, 2014. 43,7 x 39, 8 in

7단계: 순수해지세요

"차 한 잔을 만들어 보세요. 컵을 들여다보고 소리 내어 말하세요, '이것은 차입니다.' 이제 차에 오렌지 주스를 부어보세요. 다시 컵을 들여다보고 스스로에게 물어보세요, '이것은 무엇인가요?' 현대 예술가들은 모든 예술 역사에 접근할 수 있습니다. 그들은 어떤 스타일과 매체도 탐구할 자유가 있으며, 스타일과 매체를 혼합하여 그들의 독특한 목소리를 찾고 개념적 비전을 실현할 수 있습니다. 하지만 스타일이 혼합될 때, 우리는 무엇을 남게 될까요?"

추상적인 단색화를 그린 다음 그 위에 리얼리티 TV 스타들의 콜라주를 붙인다면, 여전히 추상적인 것일까요? 그것은 추상의 요소를 포함하고 있지만, 같은 것일까요? 대부분의 사람들은 로스코 색면 회화 위에 데이지 그림을 그린다면, 마치 차에 오렌지 주스를 붓는 것과 같다고 동의할 것입니다. 결국 "이게 뭐지?"라고 말하게 됩니다. 그림을 추상적이라고 부르는 것은 의미가 있습니다. 그 의미를 유지하기 위해서는 순수함이 핵심입니다.

Mark Rothko - Four Days in Red, 1958. Oil on canvas. Overall: 101 13/16 × 116 3/8in. (258.6 × 295.6 cm). Whitney Museum of American Art Collection, New York. Purchase, with funds from the Friends of the Whitney Museum of American Art, Mr. and Mrs. Eugene M. Schwartz, Mrs. Samuel A. Seaver and Charles Simon. © Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko/Artists Rights Society (ARS), New York

8단계: 새로워지세요

최근 한 화가가 다른 화가의 작품을 "추상화의 재현적 그림"이라고 묘사하는 것을 들었습니다. 그 발언의 유머를 제외하고, 우리는 1세기 이상의 추상 미술의 수혜자라는 점을 제기했습니다. 20세기의 위대한 추상 화가들이 이룬 성과는 대단합니다! 이전의 위대한 예술가들과 같은 수준에 도달하기 위해, 오늘날의 추상 화가들은 새로운 작품을 만드는 방법을 찾아야 합니다.

네, 모든 화가는 어떻게든 표면의 빈 공간을 차지해야 할 필요성에 직면해야 합니다. 지금까지 우리가 추상 화가들에게 요구한 모든 것 중에서, 그 빈 공간을 완전히 새로운 것으로 채우라는 추가적인 도전은 가장 벅차 보일 수 있습니다. 그러나 바로 이 신선하고 독특한 것을 표현하는 능력이 추상의 미래에 가장 중요합니다.

다른 일곱 단계를 따르면, 즉 재능이 있고, 의도가 있으며, 관련성이 있고, 의견이 있으며, 통제력을 유지하고, 개방적이며, 순수함을 추구한다면, 당신은 자신에게 정직하고 진실할 수밖에 없습니다. 그리고 정직한 자기 표현은 당신만의 독특한 무언가로 이어질 수밖에 없으며, 정의상으로도 새로운 것입니다.

특징 이미지: 윌렘 드 쿠닝 - 추상화, 1949 - 1950. 유채와 올레오레진이 사용된 판지. 41 x 49 cm. 마드리드 티센-보르네미사 국립미술관. © 윌렘 드 쿠닝 재단, 뉴욕 / VEGAP.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio