추상 미술을 어떻게 그릴까요? 마스터가 되세요.

시작하기 전에, 모두가 올바른 위치에 있는지 확인해 봅시다. 이것은 추상 미술을 그리는 방법에 대한 마스터 가이드입니다. 붓 기술, 색채 이론, 캔버스 늘이기, 선이 무엇인지 그리고 선을 그리는 방법, 인물화/정물화/풍경화/동물화/장르화 그리기 같은 기본적인 내용은 건너뛰겠습니다. 또한 나는 누구인가, 왜 여기 있는가, 왜 예술을 하는가, 왜 무엇이든 하는가 등의 문제도 다루지 않을 것입니다. 그리고 아마도 동굴 벽화부터 현재까지의 예술사에 대한 기본적인 이해는 이미 갖추고 있어야 할 것입니다. 그럼 모두 준비되었다면 시작합시다!

추상 미술 그리기 – 8단계 가이드

1단계: 재능을 가져라

이 점이 일부에게는 실망스러울 수 있습니다. 추상 미술은 그림을 못 그리거나 정규 교육을 받지 않았거나 단지 충동적인 사람들이 만든다는 흔한 오해가 있습니다. 사실, 많은 훈련받지 않은 재능 없는 사람들이 표면에 인식할 수 없는 이미지를 만드는 행동을 하기도 합니다. 하지만 우리는 그것을 시간 때우기, 취미 활동, 창고에 있는 물건 처리, 스트레스 해소 등으로 부를 수는 있어도 “추상 미술 그리기”라고 부르지는 않습니다.

추상 미술가는 변호사나 총리와 같습니다. 직업입니다. 훈련이 필요합니다. 전업으로 일하고 헌신해야 합니다. 추상이 아마추어를 의미하지는 않습니다. 캐나다의 기하학적 추상 미술가 John Monteith를 생각해 보십시오. 그는 1997년에 온타리오 예술 디자인 대학에서 학사 학위를 받았습니다. 거의 10년간 작업하고 전시하며 출판한 후, 2008년 뉴욕 파슨스에서 석사 학위를 받기 위해 다시 학교에 갔습니다. 그 후 독일과 스위스에서 레지던시를 마치고 전 세계에서 강의와 전시를 했습니다. 추상 화가로 성공하려면 교육, 집중력, 끈기, 기술, 즉 재능이 필요합니다.

John Monteith - Tableau #3, 2014. 47.2 x 35.4 인치

2단계: 의도를 가져라

이 점도 실망스러울 수 있지만, 네, 추상화도 아이디어에서 시작됩니다. 추상 미술가를 우주적 힘을 전달하는 신비한 존재로 상상하는 것이 훨씬 더 재미있고 유행이지만, 그들의 이해할 수 없는 과정이 좀비처럼 캔버스로 이끌고, 예측할 수 없는 힘이 그들을 통해 흐르며, 결과물인 그림이 너무나도 다양한 해석을 허용해 모든 의미가 가능하다고 생각하는 것은 사실과 다릅니다.

추상 미술의 역사를 잠깐 살펴보면 정반대임을 알 수 있습니다. 초기 추상주의자들인 바실리 칸딘스키와 파블로 피카소는 목적에 따라 작업했습니다. 과학적인 헌신으로 그들은 색, 선, 형태, 질감, 빛, 몸짓, 표면, 붓질 같은 요소를 분해했습니다. 의도를 가지고 이 요소들을 음악에서 음색, 리듬, 박자, 조성이 추상적 보편성을 표현하는 것처럼 보편적인 무언가를 표현하는 데 사용하려 했습니다. 신비주의적 추상 화가인 힐마 클린트와 초현실주의 추상 화가인 조안 미로도 개념에서 시작해 아이디어에 기반한 작품을 만들었습니다.

Richard Caldicott - Untitled #109, 1999. 13.8 x 10.6 인치

3단계: 관련성을 가져라

오늘날 많은 예술가들이 고등학교에서 바로 대학교로, 대학교에서 바로 대학원으로, 대학원에서 바로 전문 활동으로 이어집니다. 전일제 직업을 가져본 적 없고, 청구서를 책임져 본 적 없으며, 집을 유지하거나 직원을 관리하거나 현대인의 생존 투쟁에서 겪는 여러 복잡한 문제를 경험하지 않은 25세가 만드는 예술은 어떤 것일까요?

전문가가 되고, 작업에 의도를 담고, 관련성을 가지려면 다른 사람들에 대해 배워야 합니다. 세상을 보고, 여행하고, 읽고, 요리하는 법을 배우고, 집회에 가고, 무언가를 지지하고, 마음을 바꿔 다른 것을 지지하세요. 지구상의 다른 70억 사람들의 삶이 어떠한지 알아야 합니다. 네덜란드 추상 화가 José Heerkens는 전문 이력서에 네 대륙 거의 열 개국의 교육 여행을 기록해 두었습니다. 이 여행들은 그녀의 자아 감각과 시각 어휘에 직접적인 영향을 주어 층위 있고 현대적이며 세계적인 작품을 만들어 냈습니다. 추상 미술이 반드시 ‘무언가에 관한 것’일 필요는 없지만, 그것을 만드는 사람은 반드시 ‘무언가에 관한’ 사람이 되어야 합니다.

Jessica Snow - Six Color Theorum, 2013. 48 x 48 인치

4단계: 의견을 가져라

전문 추상 화가가 되려면 결국 누군가에게 작품을 보여줘야 합니다. 관람객들은 “이 이미지는 다른 무언가를 상징하는가, 아니면 그 자체만을 참조하는가?”, “이 그림은 인식 가능한 대상을 의도적으로 흐리게 해서 만들어진 것인가, 아니면 직관적이고 비재현적인 몸짓의 결과인가?”, “왜 빨간색인가? 왜 파란색이 아닌가?” 등의 질문을 할 것입니다.

전문가로서 당신은 자신이 만든 것에 대해 주장해야 합니다. 자신감 있고 진실되게 하세요. 지적 명료함을 대신할 것은 없습니다. 작품을 설명하거나 의미를 말할 필요는 없습니다. 그러나 의도를 설명하지 않고, 질문을 관람객에게 돌리거나 아무 말도 하지 않는 것은 이기적이며, 다른 사람들이 당신의 작품을 정의하도록 내버려 두는 것입니다.

Jeremy Annear - Morning Space, 2008. 47.2 x 63 인치

5단계: 통제하라

잭슨 폴록의 작품이 혼란스럽다는 비판에 대해 그는 “혼란이 아니다, 젠장”이라고 답했습니다. 예술은 우연이 아닙니다. 의도하지 않은 행위는 실수라고 부릅니다. 추상화 표면에 남는 모든 자국은 화가의 행동과 선택의 결과입니다. 비가 오는 날 그림을 밖에 두기로 선택해 생긴 물자국도 선택의 결과입니다.

화가가 자국이 마음에 들지 않으면 지우거나 덮거나 바꾸거나 작품을 파괴할 수 있습니다. 이것을 편집이라고 합니다. 작업하고, 편집하고, 다시 작업하세요. 작업에서 우연이라는 거짓말 뒤에 숨지 마세요. 추상은 혼돈이 아닙니다. 모든 자국을 책임지세요. 의도하지 않은 일이 생기면 그것을 다루고 유지할지 말지 결정하세요. 어떤 결정을 하든, 어떤 작품이 되든, 그것은 선택에 의한 것입니다.

Greet Helsen - O.T, 2014. 27.6 x 39.4 인치

6단계: 열려라

앞의 다섯 단계가 의도적이고 개념적이며 통제하는 것의 중요성을 강조했기에 이 단계가 역설적으로 보일 수 있습니다. 우리는 그 모든 것을 잊으라고 하는 것이 아닙니다. 단지 마음을 열라는 것입니다. 잠재의식과 연결하세요. 당신의 마음속 어딘가에는 모든 인류에게 보편적인 무언가가 있습니다. 감정이 몸을 이끌게 하세요. 본능적으로 그리세요. 감정을 캔버스에 담으세요. 직관적이고 원초적이며 계획되지 않은 자유로운 그림이라도 당신은 여전히 선택을 하고, 편집하며, 언제 그림이 완성되었는지 결정합니다.

Ashlynn Browning - Stacked, 2014. 43.7 x 39.8 인치

7단계: 순수해져라

차 한 잔을 만드세요. 컵을 들여다보며 크게 말하세요, “이것은 차입니다.” 이제 오렌지 주스를 차에 부으세요. 다시 컵을 들여다보며 스스로에게 물으세요, “이것은 무엇인가?” 현대 미술가들은 모든 예술사를 접할 수 있습니다. 어떤 양식과 매체도 탐구할 수 있고, 양식과 매체를 섞어 자신만의 목소리와 개념적 비전을 실현할 수 있습니다. 하지만 양식이 섞이면 무엇이 남을까요?

추상 단색화를 그린 뒤 그 위에 리얼리티 TV 스타들의 콜라주를 붙이면 여전히 추상일까요? 추상 요소가 포함되어 있지만 같은 것일까요? 대부분은 로스코 색면화 위에 데이지 꽃을 그리면 오렌지 주스를 차에 붓는 것과 같다고 생각할 것입니다. “이것은 무엇인가?”라고 말하게 됩니다. 그림을 추상이라고 부르는 데는 의미가 있습니다. 그 의미를 유지하려면 순수함이 핵심입니다.

Mark Rothko - Four Days in Red, 1958. 캔버스에 유화. 전체 크기: 101 13/16 × 116 3/8 인치 (258.6 × 295.6 cm). 뉴욕 휘트니 미술관 소장. 휘트니 미술관 친구들, 유진 M. 슈워츠 부부, 새뮤얼 A. 시버 부인, 찰스 사이먼 기금으로 구입. © Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

8단계: 새로워져라

최근 한 화가가 다른 화가의 작품을 “추상화의 재현화”라고 표현하는 것을 들었습니다. 이 말의 유머를 떠나, 우리는 20세기 위대한 추상 화가들이 이룬 성과를 누리고 있습니다. 20세기 위대한 추상 화가들이 이룬 업적에 도달하려면 오늘날의 추상 화가는 새롭고 독창적인 작품을 만들어야 합니다.

모든 화가는 빈 캔버스 공간을 채워야 하는 과제에 직면합니다. 지금까지 추상 화가들에게 요구한 모든 것 중에서, 그 빈 공간을 완전히 새롭고 독특한 것으로 채우라는 추가 도전이 가장 벅차 보일 수 있습니다. 그러나 새롭고 독특한 무언가를 표현하는 능력이야말로 추상의 미래에 가장 중요합니다.

다른 일곱 단계를 따른다면; 즉 재능 있고, 의도적이며, 관련성 있고, 의견을 가지고, 통제하며, 열려 있고, 순수함을 추구한다면; 당신은 자신에게 정직하고 진실할 수밖에 없습니다. 그리고 정직한 자기 표현은 필연적으로 독특하고, 정의상 새로울 수밖에 없습니다.

대표 이미지: Willem de Kooning - Abstraction, 1949 - 1950. 판지에 유화와 올레오레진. 41 x 49 cm. 마드리드 국립 티센-보르네미사 미술관 소장. © The Willem de Kooning Foundation, New York /VEGAP.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공