토마스 노즈코프스키를 기리며

추상 화가 토마스 노즈코프스키가 지난주 75세의 나이로 세상을 떠났습니다. 노즈코프스키를 대표했던 페이스 갤러리가 그의 사망 소식을 발표했습니다. 노즈코프스키는 40년 이상 뉴욕 미술계의 중심 인물이었습니다. 그의 작품은 지난 40년 동안 300회 이상의 전시회에 출품되었습니다. 그는 70회 이상의 개인전을 가졌으며, 1987년 워싱턴 DC의 코르코란 미술관에서 열린 대규모 회고전에는 그의 24점의 그림이 전시되었습니다. 그러나 아마도 그의 사려 깊고 사실적인 태도 때문이거나, 그의 작업에 대한 절제된 접근 방식 때문인지, 그는 능숙하게 명성의 덫을 피할 수 있었습니다. 그는 동료 예술가들에게 사랑받고 현대 추상화의 진정한 감식가들에 의해 홍보된 "화가의 화가"였습니다. 대형 캔버스에 압도당하는 것을 선호했던 추상 표현주의자들의 "마초" 감성을 거부하며, 노즈코프스키는 작은 작업을 했고, 종종 16" x 20" 캔버스를 "드로잉"이라고 부르며 그렸습니다. 그의 구성은 미리 계획되지 않는 경향이 있었습니다. 대신, 그것들은 직관과 기억의 혼합에 의해 안내되는 과정에 따라 발전했습니다. 그는 자신의 그림이 항상 현실 세계에서 영감을 받았다고 주장했지만, 특정 그림이 무엇에 의해 영감을 받았는지에 대한 힌트를 거의 주지 않았습니다. 그는 삶에서 추상화하는 것이 아니라, 특정 기억의 감정을 포착하고 자신의 열정이 개인적 의미의 상징적 표현으로 나아가도록 했습니다. 그 과정에서, 그의 작업에는 출처의 영감과는 아무런 관련이 없는 순수한 형식적 추가 요소들이 나타났습니다. 그는 자신의 영감을 비밀로 유지한 것이 잘한 일입니다. 각 그림이 무엇에 의해 영감을 받았는지 알더라도, 우리는 노즈코프스키가 그곳에서 여기까지 가는 과정을 추적할 수 없을 것입니다. 우리가 각 그림을 스스로 바라보고, 그 그림이 우리에게 의미하는 바에 따라 새로운 기억을 구성할 수 있는 것이 더 좋습니다.

개인 추상 언어

노즈코프스키가 발명한 특이한 시각 언어는 처음에는 패턴과 낙서 사이 어딘가에 존재하는 것처럼 보인다. 그러나 어떻게 바라봐야 하는지를 알면, 그의 작품에서 6만 년 된 동굴의 낙서를 연상시키는 선들부터, 퇴화된 디지털 사진의 픽셀을 연상시키는 다채로운 상자들의 행렬까지, 추상의 전체 역사를 볼 수 있다. 그는 형태, 색상, 그리고 구성의 조화에 대한 평생의 학생이었다. 그가 한 모든 것은 손으로 그려졌으며, 그의 작업에 화가의 표면과 표현적이고 자유로운 감각을 부여했다. "제목 없음 (9-51)" (2016)과 같은 그림에서도, 단순하고 그라데이션된 배경 위에 다채로운 물방울 무늬만으로 구성된 것처럼 보이지만, 모든 자국은 개인적이다. 미세한 색조의 변화; 순수한 색과 오염된 색 사이의 변화; 보이는 붓 자국; 흔들리는 손으로 그린 형태와 선들: 이 모든 것은 화가의 마음과 손, 그리고 그림이 탄생한 내면 세계를 암시한다.

토마스 노즈코프스키 - 제목 없음 (9-46), 2014. 리넨에 유화, 패널 위. © 토마스 노즈코프스키. 사진 제공: 케리 라이언 맥페이트, 페이스 갤러리.

"Untitled (9-29)" (2014)와 같은 그림에서는 Nozkowski가 상징성과 서사의 교차점에서 어떻게 신비롭게 놀았는지를 분명히 볼 수 있습니다. 이 그림은 어두운 화풍의 공허 속에서 춤추는 무지개 색의 인간형을 보여주는 것 같습니다. 이 공허는 손으로 그린 격자무늬로 구성되어 있으며, 이는 모더니스트 추상화의 뿌리에 대한 상징적 언급일 수도 있고, 논리와 이성의 상징일 수도 있으며, 드로잉 용지에 대한 언급일 수도 있습니다. 어쨌든, 그것은 구조의 징후입니다. 무지개 형태는 그것을 지탱하는 세계의 구조를 거스릅니다. 동시에 그것을 아름답게 하고; 생명을 불어넣고; 색과 움직임으로 가득 채웁니다. 이 그림의 창작 배경에 대한 이야기는 알지 못할지라도, Nozkowski가 사용한 상징들을 스스로 읽을 수 있습니다. 무엇이 그것을 영감 주었든, 그것은 긴장과 기쁨, 전복과 아름다운 반란의 이미지를 담고 있습니다.

토마스 노즈코프스키 - 제목 없음 (7-10), 1992. © 토마스 노즈코프스키/톰 바렛/페이스 갤러리 제공.

아무 의미가 없을 수도 있다

현재의 역사적 순간에서, 노즈코프와 같은 화가들이 과거의 유물처럼 보이는 것 같습니다. 왜냐하면 의미가 시각 예술에서 가장 중요해졌기 때문입니다. 사회적으로 관련성이 있거나 정치적으로 고도로 편향된 예술이 비엔날레와 주요 미술관 전시에서 가장 많은 주목을 받고 있으며, 형식적 추상주의자들은 그들의 작업에 더 많은 정치적 내용을 주입하라는 압력을 받고 있거나, 사회의 병폐를 다루는 서사적 내용으로 추상을 포기하라는 압력을 받고 있습니다. 하지만 이것은 새로운 일이 아닙니다. 추상이 본질적으로 정치적임에도 불구하고, 그것은 항상 더 넓은 사회적 의제를 위해 더 명시적으로 정치적이기를 원하는 사람들의 분노를 불러일으켰습니다. 2016년, 노즈코프는 ArtNews의 로빈 셔와의 인터뷰에서 이 현상에 대한 사려 깊은 해독제를 제시했습니다. 자신의 회화 작업에 대해 이야기하면서 노즈코프는 "그것이 의미가 있을 수도 있고 없을 수도 있습니다. 하지만 나에게 그것이 의미하는 것은 내가 매력적으로 느끼는 이유를 스튜디오에 있게 해준다는 것입니다. 나는 스튜디오에 있는 것에 매료되어 있습니다. 때때로 나는 그것에 대해 행복하지 않지만, 그것은 진정한 전투입니다. 하지만 나에게는 항상 새로운 것을 발견할 것이 있고, 새로운 것을 할 것이 있습니다."라고 말했습니다.

토마스 노즈코프스키 - 제목 없음 (6-73), 1989. 페이스 갤러리 제공.

노즈코프스키가 이 진술을 자신의 과정에 대해 언급하려고 했지만, 우리는 이를 쉽게 추출하여 현대 추상 미술 전반에 적용할 수 있다. 우리 관객에게, 우리가 보고 있는 추상 미술은 의미가 있을 수도 있고 없을 수도 있다. 하지만 그것은 우리가 갤러리, 박물관, 그리고 예술가 스튜디오에 가야 할 이유를 제공한다. 우리가 그것이 무엇을 의미하는지 모르더라도, 또는 그것이 아무 의미가 없다고 결정하더라도, 그것은 우리에게 매력적이다. 그것은 우리를 매료시키고, 우리의 인식을 작고 예측할 수 없는 방식으로 도전하게 한다. 때때로 우리는 우리가 보는 것에 만족하지 않을 것이다. 때때로 우리는 그것을 좋아하지 않거나, 이해하지 못하거나, 우리 시대, 우리의 기분, 또는 우리의 세계와 어울린다고 생각하지 않을 것이다. 하지만 항상 새로운 것을 발견할 수 있는 기회가 있다. 그것이 우리에게 무엇인가를 하도록 부를 수 있는 새로운 것일 수 있다. 노즈코프스키처럼, 우리는 원하는 곳에서 시작할 수 있고, 우리에게 영감을 주는 것으로 시작할 수 있으며, 우리의 기억과 의미를 구성할 수 있다—개인적이든, 미묘하든, 작든.

특집 이미지: 토마스 노즈코프스키 - 제목 없음 (9-31), 2014. 리넨에 유화, 패널 위. © 토마스 노즈코프스키. 사진: 케리 라이언 맥페이트, 페이스 갤러리 제공.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해