팻 패슬로프 - 중요한 예술의 60년

Pat Passlof 는 예술 감상자에게 순수한 감각적 즐거움이라는 선물 외에 예술가가 줄 수 있는 가장 중요한 선물 중 하나를 제게 주었습니다: 바로 제 자신의 취향을 의심하게 만든 것입니다. 그녀의 작품과 처음 만난 것은 (부끄럽지만) 2019년 12월, 그녀가 60년에 걸친 경력의 끝에서 세상을 떠난 지 거의 10년 만에 뉴욕 스튜디오 스쿨에서 열린 “Pat Passlof: Fifty Years on Paper” 전시회에서였습니다. 전시된 작품들은 처음 봤을 때 제 마음을 혼란스럽게 했습니다. 저는 그 색채 팔레트를 탁하다고 느꼈고, 구도는 불협화음처럼 보여 거의 시간을 들이지 않았습니다. 제 반응은 너무 부정적이고 강렬해서, 이 예술가가 누구인지, 또 어떤 업적을 남겼는지, 왜 이전에 그녀의 작품을 보지 못했는지 조사하는 길로 빠져들게 했습니다. 이 종이 위 작품들이 실제로는 꿈같은 느낌을 의도한 것임을 알게 되었습니다—악몽 같지는 않지만, 그 단어도 상대적이긴 합니다. 또한 Passlof가 40년 넘게 화가 Milton Resnick과 결혼 생활을 했으며, 자신보다 남편에게 관심을 돌리는 것으로 평판이 있었다는 것도 알게 되었습니다. (하지만 그녀는 50회 이상의 전시에 참여했으니, 제가 그녀의 작품을 몰랐던 책임은 전적으로 제게 있습니다.) 마지막으로, 그녀가 경력 대부분을 추상화에 집중했다는 사실도 알게 되었습니다. 즐겁고, 활기차며, 자신감 넘치고 거친 그녀의 추상화는 제가 처음 본 준구상 작품들을 다시 보게 하는 영감을 주었습니다. 두 번째 관람에서 저는 이전에 간과했던 미묘함과 숙련도를 발견했습니다. 그림을 오래 바라볼수록, 탁한 팔레트는 변해가며 빛나는 밑칠 층과 깊이 있는 내면 세계를 드러냈습니다. 작품에 충분한 시간을 주자, 구도는 조화로울 뿐 아니라 거의 고전적임을 보여주었습니다. 대부분 사람들처럼 저는 처음에 거부했던 그림을 다시 보러 가지 않지만, Passlof는 그런 태도가 얼마나 어리석은지, 자신의 취향이라는 권위에 속지 말라고 일깨워 주었습니다.

뉴욕 스쿨에서의 탈출

Passlof는 유명한 블랙 마운틴 대학에서 학생으로서 화가 경력을 시작했으며, 그곳에서 Josef Albers와 Willem de Kooning 같은 거장들에게 배웠습니다. 그녀의 초기 작품들 중 “Escalator”(1948) 같은 작품들은 de Kooning의 영향이 뚜렷하게 드러나는데, 거칠게 다듬고 긁어낸 표면, 감정적인 제스처, 반구상 형태가 특징입니다. de Kooning이 Passlof를 미래의 배우자 Resnick에게 소개했습니다. 두 사람은 1950년대에 함께 살기 시작했는데, 그때가 Passlof가 스승들의 영향에서 벗어나 자신감을 얻기 시작한 시기였습니다. 첫 세대 추상 표현주의자들보다 젊고 덜 독단적이었던 그녀는 한 가지 스타일이나 방법에만 충실할 가치를 보지 않았습니다. 1950년대 중반까지 그녀는 수많은 촘촘한 임파스토 붓질이 특징인 개방적이고 거친 시각 언어를 발전시키기 시작했습니다.

Pat Passlof - Red Eye, 1959년. 리넨에 유화. 42 x 35 인치. Milton Resnick and Pat Passlof 재단.

자신과 동시대 미술가들의 미적 영향력이 커지는 부담을 깨닫는 것과 더불어, Passlof는 뉴욕의 기성 세대 예술가들과 그들의 옹호자였던 비평가 클레멘트 그린버그가 전시 기회에 있어 딜러와 큐레이터들에게 편견을 심어주는 힘을 인식하기 시작했습니다. 1950년대 중반은 또한 그녀가 예술 운동가로서 자신을 내세우기 시작한 시기이기도 했습니다. Jim Dine, Louise Bourgeois, Romare Bearden 같은 예술가들과 함께 Passlof는 10번가 갤러리로 알려진 작가 주도 전시장들을 설립하는 데 기여했습니다. 이들은 8번가 중심의 전통적인 뉴욕 갤러리 체계를 벗어난 공간이었습니다. 그린버그를 비롯한 권력자들은 이 집단 갤러리를 비난하며 작품을 폄하했지만, 작품이 나빴던 것이 아니라 그들이 예술가를 통제할 수 있는 시대가 끝났음을 알리는 신호였습니다.

Pat Passlof - Sky Pasture, 1961년. 리넨에 유화. 68 x 144 인치. Milton Resnick and Pat Passlof 재단.

무늬와 격자

1972년, 블랙 마운틴 대학에서 눈을 반짝이며 학생이었던 지 24년 만에 Passlof는 시티 대학교 뉴욕(Staten Island)에서 미술 교수로 38년간 재직하게 됩니다. 그녀는 학생들을 소중히 여기며 여러 세대 예술가들에게 깊은 영향을 끼쳤습니다. 학생들에게 보낸 편지들은 Pat Passlof, To Whom the Shoe Fits: Letters to Young Painters라는 책으로도 묶였습니다. 가르치기 시작한 지 1년 만에, Passlof는 Ce Roser, Sylvia Sleigh와 함께 1973년의 획기적인 전시 Women Choose Women에 참여하며 전시 정치의 최전선에 섰습니다. 이 전시는 여성 심사위원단이 선정한 109명의 여성 예술가 작품을 선보였습니다. 루시 리파드와 다른 주최자들은 뉴욕 문화 센터를 제외한 모든 주요 기관에서 거절당했지만, 전시가 열리자 모든 주요 미술 출판물이 이를 다루며 여성 예술가들의 깊이와 다양성에 대한 대중 인식을 혁신적으로 바꾸었습니다.

Pat Passlof - Melon 2, 2001년. 리넨에 유화. 60 x 48 인치. Milton Resnick and Pat Passlof 재단.

그녀의 경력 내내 Passlof는 끊임없이 자신을 발전시키려 노력했습니다. 1990년대에는 Frost, Hawthorne, Thoreau, Whitman 같은 작가들의 이름을 딴 활기차고 추상적인 무늬 그림들을 제작했습니다. 동시에 “Birches and Skulls”(1999), “Hermes”(1996) 같은 매혹적인 구상 과슈도 그렸습니다. 그녀의 마지막 작품 중 하나인 “Melon 2”(2011)는 저에게 그녀의 최고의 걸작으로 다가옵니다. 생명체를 닮은 형태, 빛나는 색채, 그리고 그녀 특유의 촘촘한 붓질이 절묘하게 어우러져, 마치 미술사 밖에 존재하는 듯한 여유롭고 뛰어난 작품입니다. 자신의 시대를 보는 관점은 동시대인이나 미래 세대와 다를 수밖에 없습니다. 자신이 진실이라고 느끼는 것에 따라 반응할 수밖에 없습니다. Passlof는 자신이 미술계에서 어디에 속하는지에 대한 비전을 지키며, 유행에 휘둘리지 않는 작품 세계를 만들었습니다. 그녀는 저에게 선입견을 넘어 보라고 도전했습니다. 이제 저는 그녀를 계시로 봅니다.

대표 이미지: Pat Passlof - 제목 없음, 1995-96년. 리넨에 유화. 78 x 117 인치. Milton Resnick and Pat Passlof 재단.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
필립 Barcio 제공