추상 미술이 현대 및 현대 디자인에 미치는 영향

추상 미술 디자인은 패션, 가구, 건축, 광고 및 현대 디자인의 거의 모든 제품에서 어디에서나 찾아볼 수 있습니다. 오프 아트에서 영감을 받은 신발 라인이든, 댄 플라빈 설치에서 영감을 받은 샴페인 플루트든, 제임스 터렐에서 영감을 받은 힙합 비디오의 세트 장식이든, 이는 예술에 영향을 받은 디자이너라는 고대의 경향의 최신 표현일 뿐입니다. 이것이 바우하우스의 기초였으며, 모든 미적 현상을 포괄하는 총체적 예술이었습니다. 그리고 이것이 오늘날 문화에서 많은 디자인의 기초가 되는 이유입니다.

추상 미술과 디자인이 세상을 재구성하다

제2차 세계 대전 이후, 인류는 그 어느 때보다도 더 대규모의 디자이너가 필요했습니다. 유럽, 아시아, 지중해의 많은 지역이 폭격으로 사실상 잔해가 된 후 재건이 필요했습니다. 도움이 필요한 것은 건물과 도시 거리만이 아니었습니다. 수년간의 우울증, 기근, 전쟁으로 황폐해진 인구는 새로운 모든 것이 필요했습니다: 주택, 의류, 교통수단, 도구, 가구, 공공 집회 공간, 통신 장치 등등.

전 세계의 산업화 능력은 전쟁을 위한 동원 덕분에 사상 최고조에 달했으며, 사회의 응용 예술가들은 새로운 세계를 재설계하고 문화를 위기에서 되살릴 수 있는 전례 없는 기회를 찾았습니다. 건축가, 가구 디자이너, 패션 디자이너, 자동차 디자이너 및 산업 디자이너와 같은 응용 예술가들은 실용성에 전념하여 대량 생산이 효율적으로 가능하고 가능한 한 넓은 소비자 기반에 맞춘 제품을 만들었습니다.

찰스와 레이 임스 - 케이스 스터디 하우스 8호

일터에서의 음양 이론

당시의 지배적인 추상 예술가들은 세계에서 일어난 일을 이해하는 데 도움을 주기 위해 노력하고 있었다. 그러나 일반적으로 미술의 영역으로 간주되지 않는 사회를 재건하기보다는, 그들은 그것을 맥락화하는 작업을 하고 있었다. 전후의 추상 예술가들은 자신들 내면에 있는 어떤 것을 이해하려고 하고 있었다. 그들은 미지의 것, 무의식, 그리고 그들의 인간성의 깊이 있는 개인적인 측면에 맞서고 있었다.

한 가지 관점은 균형이 이루어지고 있었다는 것이다. 디자이너들은 전쟁의 광란에 효율성과 논리로 응답했다. 추상 예술가들은 직관과 감정으로 그것에 반응했다. 이 두 가지 보완적인 힘은 모두 전후 사회의 의식에 영향을 미쳤다. 한편으로는 서구 세계가 그 어느 때보다 사색적이고 존재론적으로 심오해지고 있었다. 다른 한편으로는 가장 물질주의적으로 변해가고 있었다.

우고 지아나타시오 - 제목 없음, 1920

제2차 세계 대전 이후 시대에 가장 영향력 있는 디자이너 중 두 명은 유명한 에임스 체어의 창조자인 찰스와 레이 에임스였다. 1949년 그들은 케이스 스터디 하우스 8을 설계하고 건축했으며, 이를 집과 스튜디오로 사용했다. 이 건물은 당시 현대 건축 디자인의 정점을 나타내는 것으로 여겨졌다. 에임스 재단에 따르면, 이 디자인은 "현대 세계에서 인간의 삶을 표현하기 위한 프로젝트"의 일환이었다. 이 집은 약 30년 전의 피에트 몬드리안의 그림처럼 보였다. 몬드리안은 1944년에 사망했다. 1950년 뉴욕시에서 가장 뛰어난 건축 성과 중 하나는 레버 하우스라는 수상 경력이 있는 마천루였다. 현대 건축의 걸작으로 찬사를 받은 이 건물은 깔끔한 선, 강철과 유리의 사용, 공간의 극도로 기능적인 활용, 그리고 장식의 전무함으로 인해 모더니스트 건축의 최고의 예로 여겨졌다. 이는 1920년대 러시아 구성주의의 미적 관심을 완벽하게 표현했다.

레버 하우스, 뉴욕 시

1950년 자동차 디자인에서 가장 큰 혁신은 하드탑 컨버터블의 발명이었다. 무엇이 더 합리적일 수 있을까? 그것은 기능성과 스타일의 정점으로, 저렴하고 새로운 경량 소재와 옵션에 대한 소비자 수요의 증가를 활용하고 있다. 그리고 자동차의 세련된 디자인은 정말로 미래적이었으며, 1920년대 이탈리아 미래주의와 거의 정확히 같은 미래적이었다.

1950 크라이슬러 타운 앤 컨트리

추상 미술이 현대 디자인에 영향을 미쳤나요? 절대적으로 그렇습니다. 피트 몬드리안의 드 스틸 미학은 분명히 이임스의 집에 깊은 영향을 미쳤습니다. 그것은 신조형주의가 도입된 지 몇십 년 후의 일이었습니다. 레버 하우스는 완벽한 구성주의 마천루였으며, 구성주의 건축이 자신을 소개한 지 몇십 년 후에 등장했습니다. 그리고 하드탑 컨버터블은 정말로 미래의 자동차였습니다; 1920년대의 미래와 1950년대의 미래.

1950년대 추상 미술에서 일어난 일은 이렇습니다: 그 해에 잭슨 폴록이 "번호 1, 1950"을 그리고 프란츠 클라인이 "더 치프"를 그렸습니다.

잭슨 폴록 - 넘버 1, 1950 (라벤더 미스트), 1950, 유화, 에나멜, 알루미늄 캔버스 위, 에일사 멜론 브루스 기금, 1976.37.1

건축의 추상 표현주의

통신 분야의 혁신이 빠르게 발전함에 따라, 추상 미술이 디자인에 영향을 미치는 속도도 증가했습니다. 30년이 아닌 약 10년 만에 추상 표현주의가 디자인 세계에 그 흔적을 남겼습니다. 추상 표현주의 뒤에 있는 미학과 철학은 예술 창작의 전체 과정의 전파를 통해 나타났습니다. 그것은 직관으로의 회귀, 즉 무의식적 영향의 원초적 기원으로의 회귀였습니다. 그것은 추상의 궁극적인 목표인 독창성의 발견과 독특한 개인의 본질을 진정으로 표현하는 것의 실현이었습니다.

추상 표현주의 철학은 해체주의의 형태로 건축에 나타났다. 해체주의는 예측 불가능한 요소를 달성하고자 했다. 장식이 결여된 기능적 형태를 고수하기보다는, 해체주의 건축가들은 장식 디자인 요소를 명시적으로 활용한 독창적인 형태를 추구했다. 많은 해체주의 건축가들은 건물이 마치 조각난 것처럼 보이도록 설계했다. 다른 이들은 추상 표현주의 예술의 제스처 미학을 모방한 건물을 설계했다. 1950년대 후반에 시작되었지만, 이 스타일은 오늘날에도 계속 사용되고 있다. 가장 잘 알려진 지지자는 아마도 프랭크 게리일 것이다.

프랭크 게리의 구겐하임 빌바오

1960년대 중반까지 디자인 트렌드는 거의 즉각적으로 추상 미술, 특히 패션 디자인의 트렌드를 모방하고 있었습니다. 브리짓 라일리는 1961년에 그녀의 기념비적인 옵 아트 작품인 Movement in Squares를 그렸습니다. 타임 매거진은 1964년에 뉴욕의 마사 잭슨 갤러리에서 줄리안 스탄차크의 작품 전시회에 대한 반응으로 "옵 아트"라는 용어를 만들었습니다. 1965년에는 이 스타일이 대중 문화에서 완전히 구현되어 보그 매거진의 사진 스프레드에서 언급되었습니다.

브리짓 라일리 - 사각형의 움직임, 1961. 템페라, 하드보드. 123.2 x 121.2cm. © 2018 브리짓 라일리. 런던 카르스텐 슈버트 제공.

최소한의 영향

1970년대에 추상 미술의 주요 스타일 중 하나는 미니멀리즘이었고, 미니멀리즘의 가장 영향력 있는 목소리 중 한 명은 도널드 저드라는 예술가였습니다. 저드와 그의 동시대 예술가들은 이전의 추상주의자들, 특히 추상 표현주의자들의 작품과 본질적으로 다른 작품을 만들고자 했습니다. 미니멀리즘은 작품에서 개인적인 전기적 요소를 제거하고 단순화된 형태와 간소화된 시각 언어를 추구했습니다.

"Jud는 매력적인 연구 대상이 되는 이유는 그가 단순한 미니멀리스트 예술가일 뿐만 아니라 건축가이자 가구 디자이너였기 때문입니다. 순수 예술과 응용 예술 모두의 지지자로서 그는 자신이 작업한 다양한 분야에서 동시에 자신의 개념을 구현할 수 있었습니다. 어떤 면에서 Jud는 바우하우스의 이상이나 아르 누보의 의인화였으며, 두 가지 모두 같은 아이디어에 대해 함께 작업하는 모든 예술의 동시적 표현을 강조했습니다."

도널드 저드 - 프로토타입 책상, 1978. LACMA 컬렉션. 2011 수집 위원회 기증. © 뮤지엄 어소시에이츠/LACMA

Judd는 또한 열렬한 작가이자 이론가였으며, 순수 미술과 응용 미술의 차이에 대해 이렇게 말했습니다: “예술의 구성과 규모는 가구와 건축으로 전이될 수 없습니다. 예술의 의도는 후자의 의도와 다르며, 후자는 기능적이어야 합니다. 의자나 건물이 기능적이지 않거나 단순히 예술로만 보인다면, 그것은 우스꽝스럽습니다...” 그 철학은 그가 만든 다양한 작품에서 분명히 드러납니다.

도널드 저드 - 제목 없음, 1971

형태 vs. 기능

추상 미술과 디자인의 본질적인 차이는 추상 미술이 모든 순수 미술과 마찬가지로 사색적인 수준에서 접하는 것이라는 점입니다. 그것은 지적일 수도 있고, 본능적일 수도 있으며, 영감을 줄 수도 있고, 미적으로 아름다울 수도 있습니다. 그것은 우리가 생각하고, 느끼고, 고려하고, 발전하고, 우리의 경험의 의미에 대해 궁금해 하도록 의도된 것입니다. 디자인의 기능은 전혀 다릅니다. 그것은 소비자 제품의 유용성이나 즐거움을 증가시키는 방법입니다. 디자인은 기능을 제공해야 하며, 그렇지 않으면 Judd가 말했듯이, 터무니없는 것입니다.

추상 미술 경향인 추상 표현주의, 옵 아트, 신조형주의, 미니멀리즘이 패션 디자인, 가구 디자인, 건축 등 모든 응용 예술에 미친 심오한 영향은 과장될 수 없습니다. 그리고 오늘날 우리는 추상 미술과 디자인의 역사를 빠르게 접근할 수 있는 시대에 살고 있으며, 추상 미술의 미학과 철학이 디자인 경향에 미치는 심오한 영향을 직접 확인할 수 있습니다.

흥미롭게도, 우리는 이러한 효과가 즉각적으로 나타나는 시대에 살고 있습니다. 한 추상 화가는 자신의 새로운 그림 사진을 인스타그램에 업로드할 수 있고, 몇 초 후에 밀라노의 한 패션 디자이너가 그 이미지를 자신의 새로운 봄 컬렉션의 영감으로 사용할 수 있습니다. 또는 그 반대의 경우도 가능합니다. 패션 디자이너가 새로운 드레스 사진을 업로드하면, 그것이 추상 예술가에게 강렬한 영향을 미칠 수 있으며, 그 예술가는 새로운 추상 예술의 영역으로 나아갈 수 있습니다. 오늘날 모든 것은 서로에게 영향을 미칠 수 있으며, 우리의 문화는 새로운 것을 만나기 위해 기쁘게 앞으로 도약하고 있습니다.

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio