이 아티스트들은 3D 프린트 아트를 계속 재정의하고 있습니다.

나는 3D 프린트 아트가 전시된 미술 개막식에서 한 번 농담을 들었다. 내용은 이랬다: “3D 프린트 아트를 보고 있다는 것을 어떻게 알 수 있나요?” 답: “모두가 그렇게 말하니까요.” 이 농담이 웃겼던 이유는 첫째로, 사실이기 때문이다. 사람들은 이 매체에 대해 너무 흥분해서 그것에 대해 떠들지 않을 수 없다. 그리고 둘째로, 내가 본 거의 모든 3D 프린트 아트의 경우, 그것이 3D 프린터를 사용하여 만들어졌다는 사실은 나에게는 무의미하게 보였다. 이 작품들 중 어떤 것도 그 기술을 요구하는 것 같지 않았다. 모두 다른 방법으로도 할 수 있었을 것이다. 그래서 질문이 생긴다: 모두가 무엇에 대해 떠들고 있는가? 3D 프린터는 도구일 뿐이며, 본질적으로는 프로젝터와 다를 바가 없다. 나는 갤러리에서 누군가가 나에게 다가와서 그림을 가리키며 "그건 프로젝터로 만들어졌어요."라고 말하는 것을 본 적이 없다. 하지만 누군가가 나에게 다가와서 "그건 아티스트가 휴가 중일 때 보조들이 전부 만들었어요."라고 말하는 것도 본 적이 없다. 요점은, 그것은 중요하지 않다는 것이다. 예술 작품에 대한 아이디어가 형성되고 그것을 실현하기 위한 단계가 진행되면, 실제 작업이 이 기계에 의해 이루어지든 저 기계에 의해 이루어지든, 이 쌍의 손에 의해 이루어지든 저 쌍의 손에 의해 이루어지든 상관이 없다. 3D 프린터가 예술을 만드는 데 사용되었다는 사실은 그 작품을 어떤 식으로든 정당화하지 않는다. 그것은 경험의 한 측면일 뿐이며, 보통 그 측면이 가장 덜 중요한 경우가 많다. 적어도 이것이 내 의견이다. 그래서 3D 프린트 아트를 재정의하고 있는 아티스트들에 대해 글을 쓰라는 요청을 받았을 때, 나는 작업이 어떻게 만들어지든 상관없이 흥미로운 아이디어를 가지고 있고 내가 이야기하고 싶은 작업을 만드는 아티스트들을 소개해야 한다는 관점을 채택했다. 그래서 그 전제를 두고, 다음은 3D 프린팅 기술을 사용하여 작업을 만드는 일곱 명의 아티스트들이다. 그들은 그들의 아이디어의 힘을 통해 이 새로운 도구의 현대 미학에서의 위치를 재정의하고 있다.

리크릿 티라바니자

관계 미학 또는 관계 예술이라는 용어를 들어본 적이 있다면, 태국 예술가 리리크리트 티라바니타(Rirkrit Tiravanija)에 대해 들어봤을 것입니다. 그의 작업은 1990년대에 이러한 유형의 예술 경험이 인기를 끌게 되는 데 필수적이었습니다. 그의 가장 유명한 관계 예술 전시는 팟타이라는 이름이었습니다. 1990년 뉴욕의 파울라 앨런 갤러리에서 열린 이 전시에서, 예술가는 작품을 만들고 전시하는 대신 공간에서 팟타이를 요리하고 갤러리 방문객들에게 제공했습니다. 이 전시는 예술가가 단순한 제작자가 아니라 경험의 촉진자라는 아이디어를 탐구하는 관계 미학을 정의하는 데 도움을 주었습니다. 이러한 경험에서 발생하는 인간 관계가 가장 중요합니다.

최근에 티라바니자는 2017년 홍콩 아트 바젤에서 그의 몰입형 설치작품으로 주목받고 있으며, 이는 인간 경험 내에서 예술과 예술 역사 역할에 의문을 제기했습니다. 이 작품은 본질적으로 전통적으로 묶인 대나무로 구성된 거대한 미로였습니다. 방문객들은 미로에 들어가면서 그 안에서 길을 찾는 동안 점차 다섯 개의 3D 프린트된 분재 나무를 만나게 되었고, 각 나무는 예술가 콘스탄틴 브랑쿠시가 한때 만든 조각 기초에서 영감을 받은 나무 받침대 위에 놓여 있었습니다. 분재 나무가 3D 프린트된 것이라는 사실이 가장 중요한 것은 아닙니다. 중요한 것은 그것들이 인공적이라는 사실입니다. 분재 나무의 요점은 그것이 인간의 손에 의해 간섭받은 자연적인 것이라는 점이며, 그 간섭이 인식할 수 없을 정도로 이루어져야 합니다. 이 경우, 나무의 인공성과 미로에서 영감을 받은 감정적인 개념이 결합되어, 예술 역사적 참조와 혼합되어, 관람객에게 추상적이고 열린 경험을 제공하여 그 잠재적 의미 수준을 이해하기 위해 사회적 상호작용을 요구합니다.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

나이 소머스

바니타스라는 단어는 라틴어에서 유래되었으며, 공허함을 의미합니다. 이 단어는 16세기와 17세기 네덜란드에서 정물화의 한 유형을 지칭하는 이름으로 사용되었습니다. 바니타스 그림은 기본적으로 인간의 두개골과 함께 세속적인 것들의 무의미함을 설명하는 평범한 물질적 객체들의 모음을 보여주는 정물화입니다. 네덜란드의 예술가이자 디자이너인 위키 소머스(Wieki Somers)는 2010년에 "진보의 개념에 대해 생각해 보라"는 디자인 공모전에 응답하여 만든 일련의 3D 프린트 작품에서 바니타스 그림에 공통적인 시각 언어를 사용했습니다. 소비하거나 보존하라라는 제목의 이 시리즈는 세 개의 정물 조각 테이블로 구성되어 있었습니다. 각 테이블은 저울, 진공 청소기, 토스터와 같은 평범한 일상 제품들로 구성되어 있으며, 인간 유해의 재로 완전히 3D 프린트되었습니다.

그 작업에 대한 설명에서 소머스는 인류의 기술이 발전하여 곧 영원한 삶의 가능성에 직면할 수 있다고 지적했다. “하지만,” 그녀는 물었다, “우리가 그 영원한 삶을 단지 더 많은 제품을 추구하는 소비자로서만 사용한다면, 그 영원한 삶은 무엇을 위한 것인가? 비판 없이 혁신의 길을 계속 간다면, 언젠가는 우리가 조립하는 바로 그 제품으로 변해버릴지도 모른다.” 그녀는 그 개념을 논리적인 결론까지 이끌어내어, 한때 소중했던 인간의 삶의 잔여물로 실제 제품을 만들어냈다.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

스테파니 렘퍼트

뉴욕에 기반을 둔 아티스트 스테파니 렘퍼트는 소통에 관한 작업을 합니다. 그녀는 언어와 우리가 그것을 사용하여 우리의 이야기, 역사 및 기억을 소통하고 삶의 의미를 창출하는 방법에 주목하기를 희망합니다. 다차원 아티스트인 렘퍼트는 다양한 매체를 사용합니다. 그녀의 가장 간결한 작업 중 하나는 재구성된 유물이라는 시리즈로, 그녀는 문자로 실제로 만들어진 조각 유물을 창조했습니다. 이 객체들은 여러 수준에서 스스로를 말합니다. 렘퍼트는 3D 프린팅 소프트웨어를 사용하여 그것들을 만들었습니다. 그러나 그녀는 업계 표준이지만 덜 화려한 용어인 신속 프로토타입 조각을 사용하는 것을 선호합니다.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

테오 얀센

네덜란드 예술가 테오 얀센(Theo Jansen)은 1990년대에 그의 스트란드비스트(Strandbeest)를 만들기 시작하면서 처음 알려지게 되었습니다. 이 거대한 운동 생물들은 스스로 걸어 다니는 것처럼 보입니다. 그는 이를 "자기 추진 해변 동물"이라고 부릅니다. 전 세계의 해변을 시적으로 기어 다니는 그들의 영상을 보았을 수도 있습니다. 디자이너, 엔지니어, 예술가의 역할을 모두 수행하는 얀센은 한때 "예술과 공학 사이의 벽은 오직 우리의 마음 속에만 존재한다"고 말했습니다. 일반적으로 그의 대형 작품은 PVC 튜브로 만들어집니다. 그러나 최근 그는 미니어처 3D 프린트된 스트란드비스트s를 단 160.00 유로에 판매하여 거의 모든 사람이 그의 작품을 이용할 수 있도록 하고 있습니다. 가장 멋진 점은, 도면을 손에 넣을 수 있는 누구나 이를 출력할 수 있다는 것입니다. 그의 웹사이트에 따르면, "테오 얀센의 스트란드비스트는 디지털 DNA를 3D 프린트 시스템에 직접 주입하여 스스로 복제하는 방법을 찾았습니다."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

닉 어빈크

벨기에 아티스트 닉 에르빈크의 작품은 생생한 색상과 스릴 넘치는 형태로 가득 차 있으며, 공간을 차지하는 객체가 어떻게 공간을 창출할 수 있는지를 구현하고 있습니다. 그의 조각품은 미니어처부터 기념비적인 공공 작품까지 모든 크기로 제공됩니다. 그는 자신의 3D 프린팅 도구와 기술을 설계함으로써 이 도구의 경계를 확장하고 있으며, 이를 단순한 목적이 아니라 개인적인 비전의 창작물을 실현하는 독특한 방법으로 활용하고 있습니다.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

셰인 호프

브루클린에 기반을 둔 아티스트 셰인 호프는 그의 추상화의 한 요소로 3D 프린트된 세포 구조를 사용합니다. 멀리서 보면, 그것들은 임파스토 붓질로 쌓인 화려한 작품처럼 보이지만, 가까이에서 살펴보면 조립된 나노 구조의 더미가 드러납니다. 이 요소가 3D 프린트되었다는 것은 명백하지도 않고, 작품에 대한 감상에 필수적이지도 않지만, 기술의 함의에 대한 고려는 그들의 잠재적 의미에 층을 더합니다.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

모니카 호르치코바

체코 아티스트 모니카 호르치코바의 작품은 매혹적이고 아름답습니다. 그녀는 인간의 뼈와 골격 구조라는 주제로 돌아가며, 우리의 목적과 잠재력에 대한 생각에 도전하는 구성을 만듭니다. 비록 전적으로 그 매체에서 작업하지는 않지만, 그녀는 종종 3D 프린팅 기술을 사용하여 석고 복합 조각을 만듭니다.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

특집 이미지: 리크릿 티라바니자 - Untitled 2013 (지표 그림자 no.1), 2013-2017. 스테인리스 스틸 베이스 (3 x 패널), 3D 프린트 플라스틱 (분재 나무), 스테인리스 스틸 큐브 (플린스). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 인치, 90 × 90 × 90 cm. © 리크릿 티라바니자와 필라 코리아스 갤러리, 런던
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio