존 발데사리 작업에서 추상성이란 무엇인가

캘리포니아 대학교 샌디에이고에서 가르치던 중, 예술가 존 발데사리는 학생들이 추상 미술에 대해 가진 태도에 도전하는 과제를 개발했습니다. 그는 그들에게 “현실과 가장 관련이 없다고 생각되는 가장 짜증나는 예술 작품을 찾아보라”고 말했습니다. 그리고 그들은 카메라와 함께 나가서 현실 세계에서 그 예술 작품의 동등한 것을 찾아오라는 지시를 받았습니다. 학생들은 거의 모든 경우에 성공했습니다. 이것은 추상 이미지의 진실성과 신성함에 대해 무엇을 말할까요? 왜 어떤 것이 예술로 간주되고 또 다른 거의 동일한 것이 그렇지 않은지에 대한 질문을 제기합니다. 발데사리가 말하길, “세상을 어떻게 보느냐의 문제일 뿐입니다. 예술이 어떤 방식으로든 현실이 아닌 것은 아닙니다.” 이 연습은 학생들의 태도에 도전하는 것이었습니다. 추상은 단지 하나의 단어일 뿐이며, 단어 자체도 추상적입니다. 어떤 것이 추상적, 개념적, 객관적, 진지하거나 풍자적이라고 여겨지는 것은 미학만큼이나 맥락과 관련이 있습니다. 그리고 더 중요한 것은 인식입니다. 궁극적으로 어떤 예술 작품의 본질을 정의하는 것은 전적으로 당신의 관점에 달려 있습니다.

단어는 그림이다

존 발데사리는 미국에서 가장 실험적이고 영향력 있는 예술 프로그램에 기여해 왔습니다. 예술가로서 그는 끊임없이 진화하는 혁신가로서의 명성을 얻었습니다. 발데사리가 현재의 현대 예술가 세대에 깊은 영향을 미친 한 가지 방법은 예술 제작에 대한 전방위적 접근 방식에 대한 그의 헌신입니다. 그는 자신의 작업을 흥미롭게 유지하기 위해 모든 매체에서 작업하는 데 열려 있습니다. 이러한 접근 방식은 그가 항상 새로운 방식으로 세상을 바라보려 노력해야 한다는 개인적인 신념에서 자연스럽게 발전합니다.

발데사리는 그의 작품 전반에 걸쳐 인간이 이미지와 단어에 부여하는 무게라는 핵심 문제를 다루어 왔습니다. 1960년대 이후로 그는 이미지와 단어를 나란히 배치하는 새로운 방법을 탐구해 왔습니다. 그가 발견한 것은 언어가 이미지 옆에 맥락 없이 놓일 때, 두 가지의 의미가 깊고 놀라운 방식으로 변화할 수 있다는 것입니다. "사진은 천 마디의 말의 가치가 있다"는 진부한 표현은 틀렸습니다. 발데사리는 의미와 이해에 있어 사진과 단어가 동등한 무게를 가진다는 것을 증명했습니다.

John Baldessari – Pyramid, 2016. 3 color screenprint. 46 × 36 in. 116.8 × 91.4 cm. Gemini G.E.L. Los Angeles (Left) / John Baldessari - Oval, 2016. 3 color screenprint. 42 1/2 × 36 in. 108 × 91.4 cm. Gemini G.E.L. Los Angeles (Right). © John Baldessari

화장

그가 성숙한 스타일을 발견하기 전, 발데사리는 인물 드로잉에 뛰어난 전통적인 화가였다. 그는 1949년에 대학 미술 수업을 듣기 시작했으며, 10년 이상 UC 버클리, UCLA, 오티스, 슈아나르드 등 여러 학교에서 미술사, 미술 교육, 스튜디오 아트 등 다양한 관점을 공부했다. 그 기간 동안, 그리고 학교를 졸업한 후의 다음 10년 동안 그는 대체로 같은 방식으로 예술을 만들었다: 그는 캔버스에 이미지를 그렸다. 그러나 어느 날 그의 스튜디오에서 그는 자신의 작업을 점검했다. 캔버스를 벽에 나란히 세워 놓고 그는 깨달음을 얻었다: 그의 작품들은 본질적으로 모두 같은 것이었고, 모든 그림과도 유사하게 같았다.

그는 앞으로 나아가고 싶었다. 하지만 그렇게 하려면 근본적으로 변화해야 한다는 것을 깨달았다. 그는 자신의 기존 작업을 모두 파괴하기로 결정했다. 화장 프로젝트라고 명명한 그는 화장사를 고용하고 자신이 가장 혁신적이라고 생각하는 몇 점을 제외한 모든 것을 태웠다. 그는 화장 프로젝트의 전시회를 비즈니스 시간 이후에 열 수 있도록 갤러리를 찾았다. 전시회에는 쿠키 레시피와 함께 전시된 쿠키에 구워진 일부 재가 포함되어 있었고, 작품의 출생 및 사망 날짜를 기록한 기념비도 있었다. 그의 경력의 전방위적 단계가 이렇게 시작되었다.

John Baldessari – Person With Guitar (Orange), 2004. 3-layer, 5-color screenprint construction (mounted to sintra and hand cut). Framed: 33 x 44 1/2 x 3 in. 83.8 x 113 x 7.6 cm. Edition of 45. Gemini G.E.L. Los Angeles. © John Baldessari

모든 곳에 표지판

존 발데사리(John Baldessari)가 화장으로부터 구한 몇몇 작품들은 그가 제작해온 개념적이고 텍스트 기반의 회화로, 회화나 미술 역사에 대한 문장이나 구절이 포함되어 있었다. 그는 이러한 작품들이 자기 지시적인 예술 논평의 부조리를 강조하기를 의도했다. 그러나 그가 그것들을 그리는 방식이 개인적인 진술로 더 인식되게 만들고 있었다. 그래서 다음 간판 회화를 직접 그리는 대신, 발데사리는 전문 간판 화가들을 고용하여 그들이 그리도록 했다. 이 선택은 예술가의 자아를 제거하는 미니멀리스트 아이디어를 참조하면서 동시에 그러한 학문적 아이디어의 진지함에 의문을 제기했다.

이 생각을 계속 이어가면서, 발데사리는 다음으로 그가 고용한 간판 화가들이 그린 일련의 표현 작품을 디자인했다. 개념 미술을 비판하며 "그냥 사물을 가리키는 것"이라고 말한 예술가 알 헬드에게서 영감을 받아, 발데사리는 간판 화가들에게 사물을 가리키는 손의 이미지를 그리도록 했다. 그는 그 그림 아래에 간판 화가들의 이름을 서명하여 그들에게 공을 돌렸다. 이러한 작품들은 예술가의 역할과 예술 창작 과정에서의 위치를 질문했으며, 순수 미술과 기능 미술 간의 차이에도 도전했다. 추상적인 차원에서, 손가락은 평범한 것을 가리키며, 그 작품에서 발생하는 수많은 다른 형식적 특성과 개념적 개념들보다 그 사물에 주목하게 했다.

John Baldessari - National City (W), 1996-2009. Yancey Richardson Gallery, New York (Left) / John Baldessari - National City (4), 1996-2009. Yancey Richardson Gallery, New York (Right). © John Baldessari

움직이는 그림

1970년대에 존 발데사리는 영화라는 매체로 작업하기 시작했습니다. 그가 만든 첫 번째 작품은 “나는 예술을 만들고 있다”라는 제목이었습니다. 영화에서 그는 화가처럼 빈 팔을 흔들며 캔버스에서 작업하는 것처럼 제스처를 취하며 “나는 예술을 만들고 있다”고 반복했습니다. 이 영화는 회화를 빈 제스처로 조롱하는 것처럼 보입니다. 그러나 그 공연 자체는 예술로 인식될 수 있으며, 영화도 마찬가지입니다. 추상적인 차원에서 그것은 예술이 아이디어에 존재하는지, 실행에 존재하는지, 유물에 존재하는지, 그리고 단순히 무언가를 예술이라고 말하는 것이 그것을 예술로 만드는지와 같은 많은 문제를 제기합니다.

자신의 영화를 만드는 것 외에도, 존 발데사리는 기존 필름 롤의 요소를 자주 차용합니다. 때때로 그는 그것을 조각으로 잘라서 정지 이미지를 새로운 구성으로 배치합니다. 다른 경우에는 영화의 정지 프레임을 관련 없는 대본의 한 부분 옆에 놓습니다. 이 과정을 통해 나타나는 새로운 내러티브는 동시에 응집력 있고 산산조각이 난 것처럼 보입니다. 이들은 각기 다른 관점을 바탕으로 이미지와 단어 사이의 연관성을 스스로 찾아야 하는 개별 관객에 의해 완전히 형성됩니다.

John Baldessari – Two Profiles, One with Nose and Turban; One with Ear and Hat, from Noses and Ears, Etc, The Gemini Series, 2006. Screenprint in colors on Rives BFK and Lanaquarelle paper mounted to Sintra. 30 × 52 in. 76.2 × 132.1 cm. Edition of 45. Collectors Contemporary, Singapore. © John Baldessari

빈 공간

존 발데사리는 그의 가장 유명한 작품 중 하나에서 발견된 사진의 요소를 가리거나 칠하여 변형시킵니다. 발데사리는 박물관이 고대 도자기의 균열과 구멍을 메우기 위해 칠하지 않은 석고를 사용하는 것을 보고 이 아이디어를 탐구하게 되었습니다. 그는 이미지에서 누락된 공간에 관심을 가지게 되었습니다. 그는 차고 세일의 가격 태그를 만들기 위해 사용되는 종류의 색깔 점 스티커를 발견하고, 이를 사용하여 사진 속 얼굴과 다른 관심 지점을 가려 이미지가 인식되는 방식을 변화시키기 시작했습니다. 

이 작품들에서 우리는 Baldessari가 우리의 관점을 도전하기 위해 기울이는 노력의 성숙한 표현을 경험합니다. 채워진 공간은 축제와 같은 것들의 이미지를 일반적으로 보이게 만듭니다. 특별한 순간들은 진부하게 보입니다. 누군가에 의해 영구적으로 포착될 만큼 가치 있다고 여겨지는 장면들은 익명적이고 평범해집니다. 이러한 변형된 이미지는 보이는 것이 숨겨질 때 관객에게 발생할 수 있는 추상적인 심리적 효과를 우아하게 탐구합니다. 그들의 의미는 모호하지만, 간결하게, 비록 추상적으로라도, John Baldessari가 오랫동안 가지고 있었던 더 큰 관심사를 표현합니다: 관습에 도전하고 그의 예술을 접하는 모든 사람의 인식을 확장하는 것입니다.

특집 이미지: 존 발데사리 – 2007년 작품 시리즈 "존 발데사리는 더 이상 지루한 예술을 만들지 않는다"의 작품. © 존 발데사리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio