추상 초상화와 그 특별한 미학에 대한 감상
추상 초상화 예술가들은 독특한 도전에 직면합니다. 모든 것에서 얼굴을 보는 현상을 파레이돌리아라고 합니다. 모든 것을 얼굴에서 본다면 그것은 공감이라고 합니다. 추상 초상화는 이 두 가지 사이 어딘가에 존재하며, 그 예술가들은 두 가지 모두와 동시에 씨름해야 합니다. 어떤 면에서는, 실제로 존재하지 않더라도 어디서나 익숙한 시각적 패턴을 인식하는 인간의 자연스러운 습관이 추상 초상화 제작자에게 도움이 될 수 있습니다. 그들은 인간의 얼굴이나 형상을 거의 참조하지 않고도 그것의 느낌을 불러일으킬 수 있습니다. 그러나 추상 이미지에서 얼굴과 형상을 찾으려는 집착은 관람자가 작품의 다른 측면을 고려하는 데 방해가 될 수도 있습니다. 마찬가지로, 추상 초상화 화가들은 관람자가 인식 가능한 타인의 이미지를 희미하게라도 인지할 때 자연스럽게 공감하는 경향에서 이익을 얻을 수 있습니다. 공감하는 관람자가 이미지에 부여하는 감성은 작품의 개념에 유리하게 작용할 수 있습니다. 그러나 공감은 이해를 방해할 수도 있습니다. 작품에서 익숙한 얼굴이나 형상을 인식하는 것은 관람자의 개인적 편견, 일반화, 두려움을 불러일으켜 원래 예술가가 의도한 생각을 약화시키고 복잡하게 만들 수 있습니다.
추상 초상화의 정의
16세기에 이탈리아인들은 예술 작품에 가장 존중받는 주제의 계층을 발전시켰습니다. 가장 존중받는 주제는 보통 신화나 종교적 장면인 역사적 장면으로 여겨졌습니다. 두 번째로 존중받는 주제는 초상화였습니다. 고전적인 의미에서 초상화는 보통 머리부터 가슴 중간까지의 인간 형상을 나타내는 이미지로 정의되었습니다. 그러나 그것만이 전부는 아닙니다. 초상화는 전신이나 얼굴만을 묘사할 수도 있습니다. 그리고 반드시 인간만을 그릴 필요도 없습니다. 인간, 동물, 허구, 신화, 영적 존재 또는 이들의 조합 등 어떤 존재의 이미지도 될 수 있습니다.
추상 초상화로 간주되려면 작품은 두 가지 능력을 포함해야 합니다: 첫째, 어떤 방식으로든 초상화 개념을 활용해야 하며; 둘째, 추상적이어야 합니다. 즉, 아이디어의 영역을 다루거나 적어도 현실에 대한 순수한 객관적 또는 재현적 접근을 피해야 합니다. 반드시 특정 매체나 분야일 필요는 없습니다. 추상 초상화는 드로잉이나 회화일 수 있고, 추상 초상 사진, 추상 초상 조각, 추상 초상 설치, 추상 초상 공연 예술 등도 가능합니다. 실제, 상상, 또는 이들의 조합인 어떤 존재의 형상을 포함하는 모든 추상적 미적 현상은 추상 초상화로 간주될 수 있습니다.
Joan Miro - 여성의 머리, 1938년. 캔버스에 유화. 18 x 21 5/8 인치 (45.72 x 54.93 cm) © 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리
자신과 마주하기
해석적 관점에서 볼 때, 추상 초상화를 감상하는 데 가장 어렵고 때로는 가장 논란이 되는 점은 그것들이 본질적으로 개인적이라는 것입니다. 사회구성주의는 우리가 삶에 대해 이해하는 모든 것이 우리의 경험에서 비롯되며, 모든 교육적 경험은 사회적 상호작용에서 나온다고 주장합니다. 심리학적으로 한 존재가 다른 존재의 이미지를 바라보는 것은 사회적 상호작용입니다. 관람자가 추상 초상화로 가득 찬 방과 상호작용하는 것은 하나의 공동체를 형성합니다.
추상 초상화의 개인적 성격이 어려운 이유는 그것들이 다른 유형의 추상 미술보다 훨씬 깊고 심오한 사색을 초대하기 때문입니다. 예를 들어, 추상 기하학 조각이나 완전히 추상적인 구성인 색면화나 단색화는 형식적 특성, 상징적 특성, 해석적 또는 사색적 특성에 따라 상호작용할 수 있습니다. 그러나 이 모든 요소 외에도 추상 초상화는 관람자가 자신과 상호작용하도록 강요합니다.
Frank Auerbach - JYM II의 머리, 1984-85년. 캔버스에 유화. 660 x 610 mm. 개인 소장. © Frank Auerbach
개인적인 접근
따라서 추상 초상화를 감상하는 주요 도전은 내재된 편견을 극복하는 것입니다. 관람자가 현실을 최대한 모방하도록 구성된 재현적 초상화를 볼 때, 인식 자체가 관람자가 그 이미지를 존중하는 시선으로 바라보도록 돕습니다. 예술적이고 회화적인 숙련도는 초상화에 나타난 존재가 특별하고 완전한 고려를 받을 자격이 있음을 요구합니다. 그러나 추상 초상화는 이상한 일반화를 초대합니다. 이것이 명백한 영역 중 하나는 이미 소외된 집단의 추상 초상화입니다. 예를 들어, 여성의 추상 초상화를 생각해 보십시오.
가장 유명한 추상 초상화 화가 두 명은 파블로 피카소와 윌렘 드 쿠닝입니다. 이들은 함께 수백 점의 추상 초상화를 그렸습니다. 피카소가 그린 가장 유명한 추상 초상화 중 다수는 여성의 초상화였으며, 그의 유명한 우는 여자가 그 예입니다. 그러나 가장 논란이 된 작품은 그의 정부 마리-테레즈 발터의 꿈이라는 추상 초상화 그림입니다. 이 그림은 인물의 머리에서 남근을 본다는 해석 때문에 논란이 됩니다. 그래서 사람들은 이것을 에로틱한 그림으로 해석합니다. 그러나 그것이 단지 파레이돌리아일까요? 아니면 공감일까요? 아니면 피카소와 모델 사이의 관계에 대한 관음증적 집착일까요? 그림이 추상적이라는 사실은 내재된 편견이 드러날 수 있는 해석의 문을 열어줍니다. 이 그림이 정말로 피카소와 그의 정부에 대해 우리에게 보여주는 것일까요? 아니면 우리 자신에 대해 보여주는 것일까요?
드 쿠닝의 여성들
윌렘 드 쿠닝이 그린 여성의 추상 초상화를 볼 때도 비슷한 현상이 일어납니다. 드 쿠닝의 다른 추상 작품들이 논의될 때 가장 흔히 언급되는 특성은 그들의 제스처적 특성, 활기찬 에너지, 뚜렷한 붓질, 독특한 색채, 그리고 표현적 구성을 통한 긴장과 열정입니다. 그의 순수 추상 작품은 복잡하고 정교하며 강력하다고 평가받고, 추상 풍경은 숭고하다고 불립니다.
그러나 드 쿠닝이 그린 여성의 추상 초상화를 언급할 때는 훨씬 다른 어휘가 사용됩니다. 특히 비평가들이 사용하는 일반적인 형용사는 적대적, 분노, 폭력적, 미친, 여성혐오적, 정신 이상 등입니다. 드 쿠닝은 여성 초상화를 그릴 때 단순히 독특하고 어쩌면 유머러스하게 인식되길 바랐다고 말했습니다. 그는 고전적이면서도 현대적이고 추상적인 방식으로 여성의 형상을 자신만의 스타일로 전달하려 했으며, 이전에 아무도 시도하지 않은 방식이었습니다. 그렇다면 이 그림들에서 초상화가 불러일으키는 인간화된 평가들은 무엇 때문일까요? 드 쿠닝이 그런 생각을 그림에 담았을까요, 아니면 우리가 담았을까요?
Willem de Kooning - 여성 I, 1950–52년. 캔버스에 유화. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 윌렘 드 쿠닝 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕 (왼쪽) / Willem de Kooning - 윌렘 여성, 1949년. 캔버스에 유화, 에나멜, 목탄. 152.4 x 121.6 cm. 개인 소장. © 2018 윌렘 드 쿠닝 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕 (오른쪽)
초상화 화가를 그림 속에서 보기
이 그림들에 내재된 의미에 대해 우리의 편견을 적용하기보다는, 추상 초상화를 감상하는 또 다른 방법은 그것들이 화가의 생각을 어떻게 전달하는지 해석하는 것입니다. 예를 들어, 폴 클레의 추상 초상화는 이 화가가 색채, 형태, 조화로운 구성을 얼마나 중요하게 여겼는지를 보여줍니다. 이 작품들은 자연의 기하학적 본질을 찾으려는 그의 탐구와 예술에서 포착하려 했던 균형을 전달합니다.
마찬가지로, 로베르 들로네의 추상 초상화를 보면 그는 구상 화가에서 추상 화가로 진화한 과정을 알 수 있습니다. 1906년에 친구 장 메칭거를 그린 초기 초상화는 분할주의의 진보된 사용으로 감상할 수 있습니다. 이 그림은 들로네가 색채에 가진 매력과 서로 다른 색이 표면에 나란히 놓일 때 나타나는 다양한 추상적 시각 효과에 대한 관심을 포착합니다. 또한 그림 평면을 평평하게 하고 이미지의 모든 부분에 동등한 주의를 기울이려는 그의 탐구를 전달합니다.
Paul Klee - 세네치오, 1922년. 캔버스에 유화. 40 cm x 38 cm. 바젤 미술관, 바젤, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (왼쪽) / Robert Delaunay - 장 메칭거 초상, 1906년. 캔버스에 유화. 55 x 43 cm (오른쪽)
추상 초상 사진이 가르치는 것
추상 초상화를 감상하는 가장 직접적인 방법은 그들이 불러일으키는 생각의 길을 따라가는 것입니다. 아이디어는 추상 초상 사진의 중심입니다. 맨 레이의 사진 Noire et Blanche에서 우리는 나무 가면 옆에 포즈를 취한 여성 모델의 얼굴을 봅니다. 얼굴과 가면은 비슷한 형태와 공통된 표정을 공유합니다. 객관적 현실을 보여주면서도 이 이미지는 사진이 진짜를 보여줄 수 있는지, 우리의 얼굴 진실을 의심하게 만듭니다. 관람자에게 “어느 쪽이 가면인가?”라고 묻고 있습니다.
전혀 다르지만 역시 아이디어에 기반한 것은 1953년 빅터 옵자츠가 찍은 마르셀 뒤샹의 이중 이미지 초상 사진입니다. 창밖을 응시하는 사색적인 뒤샹의 이미지 위에 웃고 있는 즐거운 뒤샹의 모습이 겹쳐져 있습니다. 이 사진은 진지한 사상가와 장난기 많고 풍자적인 광대, 이 두 가지 모두를 보여줍니다. 이 사진은 모든 추상 초상화를 현실이 결합된 이미지, 세계 속의 세계를 보여주는 시각으로 감상하는 법을 가르쳐 줍니다. 그것들은 우리 자신의 모습을 보여주면서도 우리가 아는 것 이상이 있음을 암시합니다.
대표 이미지: 살바도르 달리 - 구체의 갈라테아, 1952년. 캔버스에 유화. 달리 극장 및 박물관, 피게레스, 스페인. © 살바도르 달리, 갈라-살바도르 달리 재단, 피게레스, 2018.
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 작성
