추상 초상화와 그 특별한 미학에 대한 감상

추상 초상화 예술가들은 독특한 도전에 직면합니다. 우리가 모든 것에서 얼굴을 볼 때; 그것을 파레이돌리아라고 합니다. 우리가 얼굴에서 모든 것을 볼 때; 그것을 공감이라고 합니다. 추상 초상화는 이 두 가지 사이의 공간을 차지하며, 그들의 예술가들은 두 가지 모두와 동시에 씨름해야 합니다. 어떤 면에서, 인간이 실제로 존재하는지 여부와 관계없이 어디에서나 친숙한 시각적 패턴을 인식하는 자연스러운 습관은 추상 초상화 제작자에게 이익이 될 수 있습니다. 그들은 그것을 불러일으키기 위해 인간의 얼굴이나 형태를 거의 참조할 필요가 없습니다. 그러나 추상 이미지에서 얼굴과 형태를 찾으려는 집착은 관객이 예술 작품의 다른 측면을 고려하는 것을 방해할 수 있습니다. 마찬가지로, 추상 초상화 화가들은 관객이 인식 가능한 다른 존재의 이미지를 심지어 희미하게라도 인식할 때 공감하는 자연스러운 경향으로부터 이익을 얻을 수 있습니다. 공감하는 관객이 이미지에 부여하는 어떤 감수성도 작품의 개념에 유리하게 작용할 수 있습니다. 그러나 공감은 이해를 방해할 수도 있습니다. 예술 작품에서 친숙한 얼굴이나 형태를 인식하는 것은 관객의 마음에 개인적인 편견, 일반화 및 불안을 불러일으킬 수 있으며, 이는 예술가가 원래 염두에 두었던 아이디어를 약화시키고 복잡하게 만들 수 있습니다.

추상 초상화 정의하기

16세기 이탈리아인들은 예술 작품에 가장 존경받는 주제의 계층을 발전시켰습니다. 가장 존경받는 주제는 역사적 장면으로 여겨졌으며, 이는 보통 어떤 신화적 또는 종교적 에피소드로 끝났습니다. 두 번째로 존경받는 주제는 초상화였습니다. 고전적인 의미에서 초상화는 일반적으로 인간의 이미지를 정의하며, 대개 머리에서부터 몸통 중간까지 묘사됩니다. 그러나 반드시 그렇게만 할 필요는 없습니다. 초상화는 전체 몸을 묘사할 수도 있고, 얼굴만 묘사할 수도 있습니다. 그리고 반드시 인간의 이미지일 필요도 없습니다. 초상화는 인간, 동물, 허구적 존재, 신화적 존재, 영적 존재 또는 이들의 조합을 포함한 어떤 존재의 이미지일 수 있습니다.

추상 초상화로 간주되기 위해서는 두 가지 요소를 포함해야 합니다: 첫째, 어떤 방식으로든 초상화의 개념을 활용해야 하며; 둘째, 추상적이어야 하며, 이는 아이디어의 영역을 다루거나 최소한 순수하게 객관적이거나 재현적인 현실 접근을 피해야 함을 의미합니다. 특정 매체나 분야일 필요는 없습니다. 추상 초상화는 드로잉이나 회화일 수 있으며, 추상 초상 사진, 추상 초상 조각, 추상 초상 설치, 추상 초상 퍼포먼스 아트 등도 가능합니다. 실제, 상상, 또는 그 조합의 어떤 존재의 형상을 포함하는 모든 추상 미적 현상은 추상 초상화로 간주될 수 있습니다.

Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

우리 자신을 마주하다

해석적 관점에서 볼 때, 추상 초상화를 감상하는 데 가장 어렵고 때로는 가장 논란이 되는 점은 그것들이 본질적으로 개인적이라는 것입니다. 사회 구성주의는 우리가 삶에 대해 이해하는 모든 것이 우리의 경험에서 비롯되며, 우리의 모든 교육적 경험이 사회적 상호작용에서 비롯된다고 주장합니다. 심리적 의미에서, 한 생물이 다른 생물의 이미지를 바라보는 것은 사회적 상호작용입니다. 추상 초상화로 가득 찬 방에서 관람객이 상호작용하는 것은 공동체를 구성합니다.

추상 초상화의 개인적인 특성에서 어려운 점은 그것들이 다른 유형의 추상 미술이 초대할 수 있는 것보다 훨씬 더 깊고 심오한 사유를 초대한다는 것입니다. 예를 들어, 추상 기하학 조각이나 색면화 같은 완전히 추상적인 구성은 그 형식적 특성, 상징적 특성, 또는 해석적 또는 사유적 특성에 따라 상호작용할 수 있습니다. 그러나 이러한 모든 요소 외에도, 추상 초상화는 관객이 자신과 상호작용하도록 강요합니다.

Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach

개인적인 것 얻기

따라서 추상 초상을 이해하는 주요 도전 과제는 내재된 편견을 극복하는 것입니다. 관람자가 현실을 최대한 가깝게 모방하여 구성된 재현 초상을 바라볼 때, 인식의 단순한 사실이 관람자가 이미지를 존중하는 시각으로 유지하는 데 도움을 줍니다. 예술적이고 그림적인 숙련도는 초상에서 표현된 존재가 특별하고 완전한 고려를 받을 자격이 있음을 요구합니다. 그러나 추상 초상은 이상한 일반화를 초대합니다. 이것이 분명한 한 영역은 이미 소외된 집단의 추상 초상에서 나타납니다. 예를 들어, 여성의 추상 초상을 고려해 보십시오.

가장 유명한 추상 초상화 화가 두 명은 파블로 피카소와 윌렘 드 쿠닝입니다. 그들은 함께 수백 점의 추상 초상화를 그렸습니다. 피카소가 그린 가장 유명한 추상 초상화 중 많은 수는 여성의 초상화였으며, 그의 유명한 우는 여자가 그 예입니다. 그러나 그의 가장 논란이 되는 작품은 그의 애인 마리-테레즈 발터의 추상 초상화인 꿈입니다. 이 그림은 사람들이 인물의 머리에서 음경을 본다고 생각하기 때문에 논란이 됩니다. 그래서 그들은 이것을 에로틱한 그림으로 해석합니다. 하지만 그것이 단순한 패레이돌리아일까요? 아니면 공감일까요? 아니면 피카소가 모델과 가졌던 관계에 대한 관음적인 집착일까요? 그림이 추상화되어 있다는 사실은 해석의 도약을 가능하게 하여 내재된 편견이 드러나도록 합니다. 이 그림이 정말로 피카소와 그의 애인에 대해 우리에게 무언가를 보여주고 있나요? 아니면 우리 자신에 대해 무언가를 보여주고 있나요?

드 쿠닝의 여성들

사람들이 윌렘 드 쿠닝이 그린 여성의 추상 초상화를 볼 때 유사한 현상이 발생합니다. 다른 드 쿠닝의 추상화가 논의될 때 가장 일반적으로 언급되는 특성은 그들의 제스처 품질, 생동감 넘치는 에너지, 독특한 붓 자국, 독특한 팔레트, 그리고 그들의 표현적인 구성에서 전달되는 긴장감과 열정입니다. 그의 순수한 추상 구성은 복잡하고, 정교하며, 강력하다고 언급됩니다. 그의 추상 풍경은 숭고하다고 언급됩니다.

하지만 여성에 대한 추상 초상화를 언급할 때는 매우 다른 어휘가 사용됩니다. 관람객, 특히 비평가들이 이러한 그림을 설명할 때 사용하는 일반적인 형용사는 적대적, 화난, 폭력적, 미친, 여성혐오적, 그리고 미친 듯한 것들입니다. 드 쿠닝은 그가 여성의 초상화를 그릴 때, 그것들이 단순히 독특하고 아마도 유머러스하게 인식되기를 바랐다고 언급했습니다. 그는 자신의 스타일로 여성의 형태를 고전적이면서도 현대적이고 추상적인 방식으로 전달하려고 했으며, 이전에 누구도 하지 않았던 방식입니다. 그렇다면 이러한 그림의 초상화에서 왜 그런 의인화적인 발언이 나오는 것일까요? 드 쿠닝이 그 생각을 그림에 담았던 것일까요, 아니면 우리가 그렇게 느끼는 것일까요?

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

그림 속 추상 초상화 화가들 보기

이 그림들에 존재하는 근본적인 의미에 대한 우리의 편견을 작용시키는 대신, 추상 초상화를 감상하는 또 다른 방법은 그것들을 그린 예술가의 사고 방식을 전달하는 방식을 해석하는 것입니다. 예를 들어, 폴 클레의 추상 초상화는 이 화가가 색상, 형태 및 조화로운 구성에 대한 관심을 가지고 있었음을 보여줍니다. 이들은 그가 자연의 기하학적 본질을 탐구하고, 그의 예술에서 포착하고자 했던 균형을 전달합니다.

마찬가지로, 로베르 드로네의 추상 초상화를 살펴보면 그가 구상 화가에서 추상주의자로 발전해 나가는 과정을 볼 수 있습니다. 1906년에 그의 친구 장 메치옹을 그린 초기 초상화는 분할주의의 고급 사용으로 평가받을 수 있습니다. 이 그림은 드로네가 색상에 대해 가졌던 매력을 포착하고, 서로 다른 색상이 표면에 나란히 놓였을 때 나타나는 다양한 추상적 시각 효과를 전달합니다. 또한 그는 그림 평면을 평평하게 하고 이미지의 모든 부분에 동등한 주의를 기울이려는 탐구를 전달합니다.

Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)

추상 초상화 사진이 가르치는 것

추상 초상화를 감상하는 가장 직접적인 방법은 그것들이 불러일으키는 아이디어의 경로를 따라가는 것입니다. 아이디어는 추상 초상화 사진의 중심입니다. 만 레이의 사진 Noire et Blanche에서 우리는 나무 가면 옆에 포즈를 취한 여성 모델의 얼굴을 봅니다. 얼굴과 가면은 비슷한 형태를 가지고 있으며, 둘 다 공통된 표정을 공유합니다. 객관적인 현실을 보여주면서도, 이 이미지는 사진이 실제를 보여줄 수 있는지에 대한 의문을 제기하며, 우리의 얼굴의 진실에 도전합니다. 관객에게 "어느 쪽이 가면인가?"라고 묻고 있습니다.

완전히 다르지만 아이디어에 뿌리를 두고 있는 것은 1953년 빅터 옵차츠가 촬영한 마르셀 뒤샹의 이중 이미지 초상 사진이다. 이 사진은 창밖을 바라보는 사색적인 뒤샹의 모습과 그 위에 겹쳐진 웃고 있는 즐거운 뒤샹의 모습을 보여준다. 이는 이 예술가가 구현한 진지한 사상가와 장난기 가득한 풍자적인 농담꾼을 보여준다. 이 사진은 우리가 모든 추상 초상을 감상하는 방법을 가르쳐준다; 현실을 결합한 이미지로서, 세계 안의 세계에 대한 비전으로서. 그것들은 우리 자신의 이미지를 보여주고, 또한 우리가 아는 것 이상이 있다는 것을 암시한다.

특집 이미지: 살바도르 달리 - 구체의 갈라테아, 1952. 캔버스에 유화. 달리 극장 및 박물관, 피게레스, 스페인. © 살바도르 달리, 갈라-살바도르 달리 재단, 피게레스, 2018.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio