Abstracte Portretten Waarderen en Hun Bijzondere Esthetiek

Abstracte portret kunstenaars staan voor eigenaardige uitdagingen. Wanneer we overal gezichten zien; dat heet pareidolie. Wanneer we alles in gezichten zien; dat heet empathie. Abstracte portretten bevinden zich ergens tussen die twee in, en hun kunstenaars moeten tegelijkertijd met beide omgaan. Op sommige manieren kan de natuurlijke gewoonte van mensen om overal vertrouwde visuele patronen te zien, ongeacht of ze er daadwerkelijk zijn, voordelig zijn voor makers van abstracte portretten. Ze hoeven nauwelijks te verwijzen naar het menselijke gezicht of figuur om het gevoel daarvan op te roepen. Maar de obsessie om gezichten en figuren in een abstract beeld te zoeken, kan kijkers ook afleiden van het overwegen van andere aspecten van een kunstwerk. Evenzo kunnen abstracte portretschilders profiteren van de natuurlijke neiging van kijkers om empathie te voelen wanneer ze, zelfs vaag, het beeld van een herkenbare ander waarnemen. Welke gevoeligheden een empathische kijker ook aan een beeld toekent, kunnen in het voordeel van het concept van het werk werken. Maar empathie kan ook het begrip verstoren. Het herkennen van een vertrouwd gezicht of figuur in een kunstwerk kan persoonlijke vooroordelen, generalisaties en angst oproepen in de geest van een kijker, wat de oorspronkelijke ideeën van de kunstenaar kan ondermijnen en verwarren.

Abstracte Portretten Definiëren

In de 16e eeuw ontwikkelden Italianen een hiërarchie van welke onderwerpen het meest respectabel waren voor een kunstwerk. Het meest respectabele onderwerp werd beschouwd als de historische scène, die meestal een soort mythologisch of religieus tafereel was. Het op een na meest respectabele onderwerp was het portret. In klassieke zin werd een portret meestal gedefinieerd als het beeld van een mens, meestal afgebeeld van het hoofd tot ongeveer het midden van de romp. Maar het hoeft niet alleen dat te zijn. Een portret kan ook het hele lichaam afbeelden, of alleen het gezicht. En het hoeft niet alleen een afbeelding van een mens te zijn. Het kan een afbeelding zijn van elk wezen, menselijk, dierlijk, fictief, mythisch, geestelijk, of een combinatie daarvan.

Om als een abstract portret te worden beschouwd, moet een kunstwerk twee eigenschappen bevatten: ten eerste moet het op de een of andere manier het concept van portretteren gebruiken; en ten tweede moet het abstract zijn, wat betekent dat het zich bezighoudt met het rijk van ideeën, of ten minste een puur objectieve of afbeeldende benadering van de werkelijkheid vermijdt. Wat het niet hoeft te zijn, is één bepaald medium of discipline. Een abstract portret kan een tekening of een schilderij zijn, maar er kan ook abstracte portretfotografie, abstracte portretsculptuur, abstracte portretinstallatie, abstracte portretperformancekunst, enzovoort zijn. Elk abstract esthetisch verschijnsel dat de figuur van een wezen bevat, echt, denkbeeldig, of een combinatie daarvan, kan als een abstract portret worden beschouwd.

Joan Miro - Hoofd van een Vrouw, 1938. Olie op doek. 18 x 21 5/8 inch (45,72 x 54,93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parijs

Onszelf Onder Ogen Zien

Vanuit een interpretatief oogpunt kan het moeilijkste, en soms meest controversiële, aan het waarderen van abstracte portretten zijn dat ze van nature persoonlijk zijn. Sociaal constructivisme stelt dat alles wat we over het leven begrijpen voortkomt uit onze ervaringen, en dat al onze leerzame ervaringen voortkomen uit sociale interacties. In psychologische zin is het staren van het ene wezen naar het beeld van een ander wezen een sociale interactie. Een kijker die interactie heeft met een kamer vol abstracte portretten vormt een gemeenschap.

Wat moeilijk is aan de persoonlijke aard van abstracte portretten, is dat ze overdenkingen uitnodigen die veel dieper en ingrijpender zijn dan wat andere soorten abstracte kunst kunnen oproepen. Bijvoorbeeld, een abstracte geometrische sculptuur of een volledig abstracte compositie zoals een kleurvlakschilderij of een monochroom kan uitsluitend worden benaderd op basis van zijn formele kwaliteiten, symbolische kwaliteiten, of interpretatieve of beschouwende kwaliteiten. Maar naast al die elementen dwingen abstracte portretten kijkers ook om met zichzelf in interactie te treden.

Frank Auerbach - Hoofd van JYM ll, 1984-85. Olie op doek. 660 x 610 mm. Particuliere collectie. © Frank Auerbach

Persoonlijk Worden

De grootste uitdaging bij het waarderen van abstracte portretten is daarom het overwinnen van ingebakken vooroordelen. Wanneer een kijker naar een representatief portret kijkt, een die zo nauwkeurig mogelijk de werkelijkheid nabootst, helpt het feit van herkenning de kijker om het beeld met respect te bekijken. Een gevoel van artistiek en schilderkundig meesterschap eist dat het wezen dat in het portret wordt afgebeeld, speciale en volledige aandacht verdient. Maar abstracte portretten roepen vreemde generalisaties op. Een gebied waar dit duidelijk is, is bij abstracte portretten van reeds gemarginaliseerde groepen. Denk bijvoorbeeld aan abstracte portretten van vrouwen.

Twee van de beroemdste abstracte portretschilders zijn Pablo Picasso en Willem de Kooning. Samen schilderden zij honderden abstracte portretten. Veel van de beroemdste abstracte portretten die Picasso schilderde, waren van vrouwen, zoals zijn beroemde Vrouw die huilt. Maar zijn meest controversiële was een abstract portretschilderij van zijn minnares Marie-Thérèse Walter, genaamd De Droom. Het schilderij is controversieel omdat mensen denken een fallus te zien in het hoofd van de figuur. Ze interpreteren het daarom als een erotisch schilderij. Maar is dat slechts pareidolie? Of is het empathie? Of is het een voyeuristische bezorgdheid over de relatie die Picasso had met het model? Het feit dat het schilderij abstract is, opent de deur naar interpretatieve sprongen die ingebakken vooroordelen laten doorkomen. Laat het schilderij ons echt iets zien over Picasso en zijn minnares? Of laat het ons iets zien over onszelf?

De Vrouwen van de Kooning

Een soortgelijk verschijnsel doet zich voor wanneer mensen kijken naar de abstracte portretten die Willem de Kooning van vrouwen schilderde. Wanneer andere abstracte schilderijen van de Kooning worden besproken, zijn de kwaliteiten die het meest worden genoemd hun gebaarvolle aard, hun levendige energie, hun duidelijke penseelstreken, hun kenmerkende kleurenpalet, en de spanning en passie die door hun expressieve composities worden overgebracht. Zijn puur abstracte composities worden omschreven als complex, ingewikkeld en krachtig. Zijn abstracte landschappen worden als verheven beschouwd.

Maar een heel andere woordenschat wordt gebruikt bij het verwijzen naar de abstracte portretten die de Kooning van vrouwen schilderde. Veelgebruikte bijvoeglijke naamwoorden door kijkers, vooral critici, om deze schilderijen te beschrijven zijn eerder vijandig, boos, gewelddadig, gek, vrouwenhatend en krankzinnig. De Kooning merkte op dat hij, toen hij zijn portretten van vrouwen schilderde, hoopte dat ze simpelweg als uniek en mogelijk humoristisch zouden worden gezien. Hij probeerde in zijn eigen stijl de vrouwelijke vorm over te brengen, op een klassieke en toch moderne en abstracte manier, zoals niemand dat eerder had gedaan. Dus wat is het aan het portretteren in deze schilderijen dat zulke antropomorfe opmerkingen oproept? Heeft de Kooning die gedachten in het schilderij gelegd of wij?

Willem de Kooning - Vrouw I, 1950–2. Olie op doek. 192,7 x 147,3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Links) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Olie, email en houtskool op doek. 152,4 x 121,6 cm. Particuliere collectie. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Rechts)

Abstracte Portretschilders in Hun Schilderijen Zien

In plaats van onze eigen vooroordelen in te brengen over de onderliggende betekenis die in deze schilderijen bestaat, is een andere manier om abstracte portretten te waarderen het interpreteren van de manieren waarop ze het denken van de kunstenaar die ze schilderde communiceren. Bijvoorbeeld, de abstracte portretten van Paul Klee tonen de interesse die deze schilder had in kleur, vorm en harmonieuze composities. Ze communiceren zijn zoektocht naar de geometrische essentie van de natuur, en de balans die hij probeerde vast te leggen in zijn kunst.

Evenzo kunnen we door te kijken naar de abstracte portretten van Robert Delaunay zijn evolutie zien van een figuratief schilder naar een abstracte kunstenaar. Vroege portretten zoals die hij in 1906 schilderde van zijn vriend Jean Metzinger kunnen worden gewaardeerd om hun geavanceerde gebruik van divisionisme. Dit schilderij vangt de fascinatie die Delaunay had voor kleur, en de verschillende abstracte visuele effecten die ontstaan wanneer verschillende kleuren naast elkaar op een oppervlak worden geplaatst. Het communiceert ook zijn zoektocht om het vlak van het schilderij te vervlakken en gelijke aandacht te geven aan alle delen van het beeld.

Paul Klee - Senecio, 1922. Olie op doek. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Links) / Robert Delaunay - Portret van Jean Metzinger, 1906. Olie op doek. 55 x 43 cm (Rechts)

Wat Abstracte Portretfotografie Leert

De meest directe manier om abstracte portretten te waarderen is simpelweg het volgen van het pad van de ideeën die ze oproepen. Ideeën staan centraal in abstracte portretfotografie. In de foto Noire et Blanche van Man Ray zien we het gezicht van een vrouwelijk model naast een houten masker. Het gezicht en het masker hebben een vergelijkbare vorm, en delen beide een gemeenschappelijke uitdrukking. Ondanks dat het ons objectieve werkelijkheid toont, stelt dit beeld de vraag of een foto ons kan laten zien wat echt is, door de waarheid van ons eigen gelaat te bevragen. Het vraagt de kijker: “Welke is het masker?”

Heel anders, maar ook geworteld in ideeën, is de dubbele portretfoto van Marcel Duchamp gemaakt door Victor Obsatz in 1953. Het toont een afbeelding van een peinzende Duchamp die uit het raam kijkt, en daarbovenop een grijnzende, vrolijke Duchamp die terugkijkt. Het toont ons de serieuze denker en de speelse, satirische grappenmaker, die beide deze kunstenaar belichaamde. Deze foto leert ons hoe we alle abstracte portretten kunnen waarderen; als beelden die werkelijkheden combineren, als visioenen van werelden binnen werelden. Ze tonen ons een beeld van onszelf, en suggereren ook dat er meer in ons schuilt dan we weten.

Uitgelichte afbeelding: Salvador Dalí - Galatea van de Sferen, 1952. Olie op doek. Dalí Theater en Museum, Figueres, Spanje. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio