Abstracte Portretten Waarderen en Hun Bijzondere Esthetiek

Abstract portret kunstenaars worden geconfronteerd met eigenaardige uitdagingen. Wanneer we gezichten in alles zien; dat wordt pareidolia genoemd. Wanneer we alles in gezichten zien; dat wordt empathie genoemd. Abstracte portretten bewonen een ruimte ergens tussen de twee, en hun kunstenaars moeten tegelijkertijd met beide omgaan. In sommige opzichten kan de natuurlijke gewoonte van mensen om overal vertrouwde visuele patronen waar te nemen, ongeacht of ze er daadwerkelijk zijn, de makers van abstracte portretten ten goede komen. Ze hoeven nauwelijks naar het menselijke gezicht of figuur te verwijzen om het gevoel ervan op te roepen. Maar de obsessie om naar gezichten en figuren in een abstract beeld te zoeken, kan ook kijkers afleiden van het overwegen van de andere aspecten van een kunstwerk. Evenzo kunnen schilders van abstracte portretten profiteren van de natuurlijke neiging van kijkers om empathie te voelen wanneer ze, zelfs vaag, het beeld van een herkenbare ander waarnemen. Welke gevoeligheden een empathische kijker ook aan een afbeelding toekent, kunnen in het voordeel werken van het concept van het werk. Maar empathie kan ook het begrip verstoren. Het herkennen van een vertrouwd gezicht of figuur in een kunstwerk kan persoonlijke vooroordelen, generalisaties en angst oproepen in de geest van een kijker, wat de ideeën die de kunstenaar oorspronkelijk in gedachten had, kan ondermijnen en verwarren.

Abstracte Portretten Definiëren

In de 16e eeuw ontwikkelden Italianen een hiërarchie van welke onderwerpen het meest respectabel waren voor een kunstwerk. Het meest respectabele onderwerp werd beschouwd als de historische scène, die meestal eindigde met een of andere mythische of religieuze episode. Het op een na meest respectabele onderwerp was het portret. In klassieke zin werd een portret meestal gedefinieerd als het beeld van een mens, meestal afgebeeld van het hoofd tot ongeveer het midden van de torso. Maar het hoeft niet alleen dat te zijn. Een portret kan ook het hele lichaam of alleen het gezicht afbeelden. En het hoeft niet alleen een afbeelding van een mens te zijn. Het kan een afbeelding zijn van elk wezen, menselijk, dierlijk, fictief, mythisch, spiritueel, of een combinatie daarvan.

Om als een abstract portret te worden beschouwd, moet een kunstwerk twee faculteiten bevatten: ten eerste, het moet op de een of andere manier het concept van portretkunst gebruiken; en ten tweede moet het abstract zijn, wat betekent dat het zich moet bezighouden met het rijk van ideeën, of op zijn minst een puur objectieve of representatieve benadering van de werkelijkheid moet vermijden. Wat het niet hoeft te zijn, is één bepaald medium of discipline. Een abstract portret kan een tekening of een schilderij zijn, of er kan ook abstracte portretfotografie, abstracte portretsculptuur, abstracte portretinstallatie, abstracte portretperformancekunst, enz. zijn. Elk abstract esthetisch fenomeen dat de figuur van een wezen, echt, imaginaire, of een combinatie daarvan, omvat, kan worden beschouwd als een abstract portret.

Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Onszelf onder ogen zien

Vanuit een interpretatief standpunt kan het moeilijkste, en soms het meest controversiële, aan het waarderen van abstracte portretten zijn dat ze inherent persoonlijk zijn. Sociale constructivisme postuleert dat alles wat we begrijpen over het leven voortkomt uit onze ervaringen, en dat al onze instructieve ervaringen voortkomen uit sociale interacties. In psychologische zin is het staren van het ene wezen naar een afbeelding van een ander wezen een sociale interactie. Een kijker die interactie heeft met een kamer vol abstracte portretten vormt een gemeenschap.

Wat moeilijk is aan de persoonlijke aard van abstracte portretten, is dat ze contemplaties uitnodigen die veel dieper en diepgaander zijn dan wat mogelijk wordt uitgenodigd door andere soorten abstracte kunst. Bijvoorbeeld, een abstract geometrisch beeldhouwwerk of een volledig abstracte compositie zoals een kleurvlakschilderij of een monochroom kan alleen worden benaderd op basis van zijn formele kwaliteiten, of zijn symbolische kwaliteiten, of zijn interpretatieve of contemplatieve kwaliteiten. Maar naast al die elementen dwingen abstracte portretten de kijkers ook om met zichzelf te interageren.

Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach

Persoonlijk worden

De belangrijkste uitdaging bij het waarderen van abstracte portretten is daarom het overwinnen van inherente vooroordelen. Wanneer een kijker naar een representatief portret kijkt, een portret dat is geconstrueerd om de werkelijkheid zo nauwkeurig mogelijk na te bootsen, helpt het feit van herkenning de kijker om het beeld in een respectvolle licht te houden. Een gevoel van artistiek en picturaal meesterschap vereist dat het wezen dat in het portret wordt afgebeeld, speciale en volledige overweging verdient. Maar abstracte portretten nodigen uit tot vreemde generalisaties. Een gebied waar dit duidelijk is, is bij abstracte portretten van al gemarginaliseerde bevolkingsgroepen. Overweeg bijvoorbeeld abstracte portretten van vrouwen.

Twee van de meest beroemde abstracte portretschilders zijn Pablo Picasso en Willem de Kooning. Samen schilderden ze honderden abstracte portretten. Veel van de meest beroemde abstracte portretten die Picasso schilderde, waren van vrouwen, zoals zijn beroemde Woman Weeping. Maar zijn meest controversiële was een abstract portretschilderij van zijn minnares Marie-Thérèse Walter, genaamd The Dream. Het schilderij is controversieel omdat mensen denken dat ze een fallus in het hoofd van de figuur zien. Ze interpreteren het daarom als een erotisch schilderij. Maar is dat gewoon pareidolia? Of is het empathie? Of is het een voyeuristische preoccupatie met de relatie die Picasso had met het model? Het feit dat het schilderij abstract is, opent de deur naar interpretatieve sprongen die inherente vooroordelen kunnen laten doorschemeren. Laat het schilderij ons werkelijk iets zien over Picasso en zijn minnares? Of laat het ons iets zien over onszelf?

De Vrouwen van de Kooning

Een soortgelijk fenomeen doet zich voor wanneer mensen kijken naar de abstracte portretten die Willem de Kooning van vrouwen heeft geschilderd. Wanneer andere abstracte schilderijen van de Kooning worden besproken, zijn de kwaliteiten die het meest worden genoemd hun gebarenkwaliteit, hun levendige energie, hun onderscheidende penseelstreken, hun kenmerkende palet en de spanning en passie die worden overgebracht door hun expressieve composities. Zijn puur abstracte composities worden omschreven als complex, ingewikkeld en krachtig. Zijn abstracte landschappen worden omschreven als subliem.

Maar er wordt een heel andere woordenschat gebruikt wanneer men verwijst naar de abstracte portretten die de Kooning van vrouwen schilderde. Veelvoorkomende bijvoeglijke naamwoorden die door kijkers, vooral critici, worden gebruikt om deze schilderijen te beschrijven, zijn meer in de trant van vijandig, boos, gewelddadig, gek, misogynistisch en krankzinnig. De Kooning merkte op dat hij hoopte dat zijn portretten van vrouwen simpelweg als uniek en mogelijk humoristisch zouden worden waargenomen. Hij probeerde op zijn eigen manier de vrouwelijke vorm over te brengen, op een klassieke en toch moderne en abstracte manier, anders dan iemand ooit eerder had gedaan. Wat is het dus met de portrettering in deze schilderijen die zulke antropomorfe opmerkingen oproept? Heeft de Kooning die gedachten in het schilderij gestopt of hebben wij dat gedaan?

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

Abstracte Portretschilders in Hun Schilderijen Zien

In plaats van onze eigen vooroordelen in te brengen over de onderliggende betekenis die in deze schilderijen bestaat, is een andere manier om abstracte portretten te waarderen, het interpreteren van de manieren waarop ze het denken van de kunstenaar die ze heeft geschilderd communiceren. Bijvoorbeeld, de abstracte portretten van Paul Klee demonstreren de interesse die deze schilder had in kleur, vorm en harmonieuze composities. Ze communiceren zijn zoektocht naar de geometrische essentie van de natuur en de balans die hij probeerde vast te leggen in zijn kunst.

Evenzo, door te kijken naar de abstracte portretten van Robert Delaunay, kunnen we zijn evolutie van een figuratieve schilder naar een abstractist zien. Vroege portretten zoals die hij in 1906 van zijn vriend Jean Metzinger schilderde, kunnen worden gewaardeerd om hun geavanceerde gebruik van Divisionisme. Dit schilderij vangt de fascinatie die Delaunay had voor kleur, en de verschillende abstracte visuele effecten die ontstaan wanneer verschillende kleuren naast elkaar op een oppervlak worden geplaatst. Het communiceert ook zijn zoektocht om het beeldvlak te verkleinen en gelijke aandacht te geven aan alle delen van het beeld.

Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)

Wat Abstracte Portretfotografie Leert

De meest directe manier om abstracte portretten te waarderen, is simpelweg het pad te volgen van de ideeën die ze inspireren. Ideeën zijn centraal in abstracte portret fotografie. In de foto Noire et Blanche van Man Ray zien we het gezicht van een vrouwelijke menselijke model dat naast een houten masker is geposeerd. Het gezicht en het masker hebben een vergelijkbare vorm, en beide delen een gemeenschappelijke expressie. Ondanks dat het ons de objectieve realiteit toont, stelt dit beeld de vraag of een foto ons kan laten zien wat echt is, door de waarheid van ons eigen gelaat uit te dagen. Het vraagt de kijker: "Welke is het masker?"

Heel anders, maar ook geworteld in ideeën, is de dubbele portretfoto van Marcel Duchamp genomen door Victor Obsatz in 1953. Het toont een afbeelding van een contemplatieve Duchamp die uit het raam staart, en daarbovenop een grijnzende, blije Duchamp die ons aankijkt. Het laat ons de serieuze denker en de speelse, satirische grappenmaker zien, beiden belichaamd door deze kunstenaar. Deze foto leert ons hoe we alle abstracte portretten kunnen waarderen; als beelden die realiteiten combineren, als visies van werelden binnen werelden. Ze tonen ons een afbeelding van onszelf, en geven ook een hint dat er meer aan ons is dan we weten.

Uitgelichte afbeelding: Salvador Dalí - Galatea van de Sferen, 1952. Olieverf op doek. Dalí Theater en Museum, Figueres, Spanje. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio