Mitchell-Innes en Nash Eert de Kunst van Julian Stanczak

De schilder Julian Stanczak overleed eerder dit jaar in zijn geboorteplaats Cleveland, Ohio, op 88-jarige leeftijd. Voor zijn dood had Mitchell-Innes en Nash in New York plannen gemaakt voor wat de tweede solo-expositie van zijn werk in de galerie zou zijn. Die expositie opende op 18 mei, minder dan twee maanden nadat Stanczak was overleden, en het is meer geworden dan zomaar een tentoonstelling. Het is een viering van het werk en het leven van een werkelijk geliefde en invloedrijke kunstenaar. De ondertitel van de tentoonstelling is The Life of the Surface, Paintings 1970-1975. Zoals aangegeven bevat het alleen werken die in een periode van vijf jaar in de jaren '70 zijn gemaakt. Maar belangrijker is de verwijzing naar het leven dat Stanczak in zijn werk bracht, en naar de kunstwereld in het algemeen. Als een van de grondleggers van wat uiteindelijk bekend werd als Op Art, was Stanczak een pionier die de buitengewone dingen ontdekte die kunnen worden bereikt met alleen de eenvoudige elementen van kleur en lijn.

Per ongeluk Op Art uitvinden

Vandaag de dag wordt de term Op Art door de meeste kunstliefhebbers, curatoren, docenten en verzamelaars begrepen als een soort psychedelische, geometrische kunst die het oog bedriegt door beweging, ruimte en licht waar te nemen waar dat in werkelijkheid niet bestaat. De beweging is meestal verbonden met een handvol grote naam kunstenaars zoals Bridget Riley en Victor Vasarely, die in de vroege dagen de meest prominente voorstanders waren. En hedendaagse publieken hebben de neiging het te beschouwen als een samenhangende beweging, waarin de betrokken kunstenaars een begrepen agenda hadden, of in ieder geval in een samenhangende esthetische richting gingen.

Maar de waarheid over Op Art is veel minder glamoureus dan dat. De term Op Art ontstond uit de titel van een tentoonstelling van het werk van niemand minder dan Julian Stanczak. De show was zijn eerste in New York en vond plaats in de Martha Jackson Gallery in 1964. Martha Jackson zelf noemde de show Julian Stanczak: Optical Paintings. Toen hij vanuit zijn huis in Cleveland naar New York reisde om de show te zien, hoorde Stanczak de titel voor het eerst toen hij deze op het raam van de galerie zag staan. In een interview uit 2011 herinnerde Stanczak zich: “Ik zei: ‘Mijn God, waar haal je dat vandaan? Martha, hoe kun je zeggen optisch?’” Jackson probeerde hem te kalmeren door te antwoorden: “Hé, Julian, dit is iets voor de kunstcritici om op te kauwen.” En dat deden ze. In feite schreef een jonge beeldhouwer genaamd Donald Judd die op dat moment kritiek schreef voor Arts magazine, een recensie over de show en verwees in verband met de titel naar de term Op Art in zijn recensie.

Julian Stanczak - Statisch Blauw, 1973, Acryl op doek, 48x120in

Kleur en lijn

In retrospect lijkt het belachelijk om één bepaald type schilderij eruit te pikken en het optisch te noemen. Het woord optisch heeft betrekking op elk fenomeen dat bestaat binnen het zichtbare spectrum van licht. Maar in de context van de schilderijen die waren opgenomen in die eerste Julian Stanczak-show in de Martha Jackson Gallery, werd de term niet alleen geïnterpreteerd als verwijzend naar wat zichtbaar is, maar eerder als iets dat te maken had met optische illusies. Stanczak gebruikte de combinatie van kleur en lijn om de indruk van diepte en beweging te geven, en om te suggereren dat licht van het oppervlak van het werk emanateerde. Maar niets aan het werk was een poging om iemand te bedriegen. Het was simpelweg een onderzoek naar de mogelijkheden van wat kleur en lijn op zichzelf konden bereiken.

Zijn aanvankelijke aantrekkingskracht tot de elementen kleur en lijn begon voor Stanczak tientallen jaren vóór die eerste tentoonstelling in New York, toen hij een jonge man was in een vluchtelingenkamp in Oeganda tijdens de Tweede Wereldoorlog. Hij had het gebruik van zijn dominante rechterarm verloren terwijl hij in een werkkamp werkte en had deze verder verwond door incompetente legerdokters. De verwonding maakte een einde aan zijn droom om muzikant te worden, dus bij zijn aankomst in Afrika en het opmerken van de schoonheid en kleur, greep hij de kans om te leren tekenen en schilderen met zijn linkerhand. Zijn werk uit die tijd is buitengewoon, en toont aan dat hij, zelfs met zijn niet-dominante hand, een ongebruikelijke vaardigheid bezat om vanuit de werkelijkheid te schilderen. Maar hij had geen verlangen om te schilderen wat hij had gezien en ervaren. In plaats daarvan zocht hij abstracte onderwerpen die hem konden helpen de verleden te vergeten en iets universaals te schilderen.

Julian Stanczak - Het Leven van het Oppervlak, Schilderijen 1970 – 1975, installatiezicht bij Mitchell-Innes en Nash NY, 2017

Komend naar Ohio

Zodra hij kon, kwam Stanczak naar Amerika waar hij zich voegde bij leden van zijn familie die in Ohio woonden. Hij vond de stad Cleveland goed geschikt voor zijn artistieke ambities, en ontdekte daar een levendige symfonie en kunstmuseum. Hij schreef zich in voor kunstlessen aan de Art Academy of Cincinnati, en daar begon hij zich echt te concentreren op het element kleur. Maar hij ontdekte al snel dat niemand op zijn school hem kon leren wat hij wilde weten. Stanczak zei: “Ik genoot van de kleur. En ik wilde er meer over weten. En niemand beantwoordde mijn vragen. Dus hoorde ik dat Albers een expert is. En waar geeft hij les? Bij Yale. Dus ga ik naar Yale."

Door Albers verwees Stanczak naar Joseph Albers, een van de voornaamste modernistische experts op het gebied van kleur. Joseph Albers en zijn vrouw Anni waren invloedrijke docenten aan de Bauhaus vóór de Tweede Wereldoorlog. Toen de nazi's de Bauhaus dwongen te sluiten, reisden ze op uitnodiging naar North Carolina om les te geven aan het Black Mountain College. Later verhuisden ze naar Yale. Toen Stanczak hoorde dat Albers de voornaamste expert ter wereld op het gebied van kleur was, solliciteerde hij bij Yale voor postdoctoraal werk. En terwijl hij onder Albers studeerde, raakte hij ervan overtuigd dat alles wat hij verlangde te uiten, inderdaad met kleur kon worden uitgedrukt, samen met de eenvoudige toevoeging van lijn.

Julian Stanczak - Het Leven van het Oppervlak, Schilderijen 1970 – 1975, installatiezicht bij Mitchell-Innes en Nash NY, 2017

Het responsieve oog

Twee jaar na zijn eerste tentoonstelling in de Martha Jackson Gallery, de tentoonstelling die leidde tot de term Op Art, organiseerde het Museum of Modern Art in New York zijn ambitieuze tentoonstelling van geometrische abstracte kunst genaamd The Responsive Eye. Julian Stanczak was opgenomen in de tentoonstelling, net als zijn leraar aan Yale, Joseph Albers, de eerder genoemde Bridget Riley en Victor Vasarely, en 95 andere kunstenaars uit 15 landen. Die tentoonstelling is sindsdien beroemd geworden omdat het Op Art aan het bredere publiek introduceerde. Maar op dat moment gebruikte MoMA nooit de term Op Art om naar het werk in de tentoonstelling te verwijzen. In plaats daarvan gebruikte het museum termen als perceptie om hun verkenning van de nieuwe manieren waarop kunstenaars geometrie, kleur, oppervlak, lijn en licht gebruikten om te onderzoeken hoe mensen zien, te benadrukken.

Zoals William C. Seits, die de tentoonstelling The Responsive Eye leidde, zei in de persverklaring voor de show: “deze werken bestaan minder als objecten om te onderzoeken dan als generatoren van perceptuele reacties in het oog en de geest van de kijker. Alleen met lijnen, banden en patronen, vlakke kleurvlakken, wit, grijs of zwart of schoon gesneden hout, glas, metaal en plastic, vestigen perceptuele kunstenaars een nieuwe relatie tussen de waarnemer en een kunstwerk. Deze nieuwe soorten subjectieve ervaringen... zijn volledig reëel voor het oog, ook al bestaan ze fysiek niet in het werk zelf.” The Responsive Eye gaf een enorme boost aan de carrière van Julian Stanczak, evenals aan veel andere kunstenaars in de show. Maar Stanczak verhuisde niet naar New York, waar hij gemakkelijk immense roem had kunnen genieten. In plaats daarvan bleef hij gevestigd in Cleveland, waar hij 38 jaar als schilderprofessor aan het Cleveland Institute of Art diende.

Julian Stanczak - Het Leven van het Oppervlak, Schilderijen 1970 – 1975, installatiezicht bij Mitchell-Innes en Nash NY, 2017

Herinnering aan Julian Stanczak

Vanuit zijn huis in Cleveland, ver weg van de kunstwereldhoofdsteden, bleef Stanczak de rest van zijn leven kleur en licht in zijn schilderijen verkennen. Zijn zorgvuldige proces van het aanbrengen van lagen verf met zijn niet-dominante linkerhand was tijdrovend en arbeidsintensief. Maar in zijn proces vond hij vreugde en bevrijding, die beide in overvloed uit zijn werk uitstralen. In de loop der decennia werden zijn schilderijen door bijna 100 musea over de hele wereld verworven, hoewel hij door galeries in New York vrijwel genegeerd werd.

Maar uiteindelijk keerde Stanczak in 2004 terug naar New York met achtereenvolgende solo-exposities in de Stefan Stux Gallery. En in het volgende decennium verscheen hij in verschillende groepsexposities in de stad, waardoor hij geleidelijk weer prominent werd in de gedachten van het kunstkopende publiek. Toen kreeg hij in 2014 zijn eerste tentoonstelling bij Mitchell-Innes & Nash. De huidige postume tentoonstelling van zijn werk is perfect ondertiteld, aangezien Stanczak inderdaad een leven lang heeft besteed aan het tot leven brengen van de oppervlakken van zijn schilderijen. Het loopt slechts tot 24 juni 2017, dus haast je als je het wilt zien. Maar als je het mist, maak je geen zorgen. Terwijl de wereld het genie dat het heeft verloren, beseft, zal het waarschijnlijk slechts de eerste tentoonstelling zijn die de erfenis van deze meester van kleur en lijn viert.

Uitgelichte afbeelding: Julian Stanczak - Het Leven van het Oppervlak, Schilderijen 1970 – 1975, installatiezicht bij Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Alle afbeeldingen met dank aan Mitchell-Innes en Nash

Door Phillip Barcio