De Erfenis van Sir Howard Hodgkin

De gerenommeerde Britse abstracte schilder en grafisch kunstenaar Howard Hodgkin was een van de meest onderscheiden kunstenaars van zijn generatie. Hij vertegenwoordigde Groot-Brittannië op de Biënnale van Venetië in 1984 en won de Turner Prize in 1985. In 1976 werd hij opgenomen in de Most Excellent Order of the British Empire (CBE); hij werd geridderd in 1992; en in 2003 nam koningin Elizabeth II hem op in de Order of the Companions of Honour, waar hij zich voegde bij een selecte lijst van slechts drie andere abstracte kunstenaars—Henry Moore, Victor Pasmore en Bridget Riley—die dezelfde onderscheiding hebben ontvangen. De gevierde status die Hodgkin uiteindelijk in zijn carrière bereikte, staat in schril contrast met de worstelingen van zijn vroege professionele leven. In 1981 verklaarde Hodgkin: “Ik denk dat ik geluk heb gehad omdat ik helemaal niet succesvol was totdat ik middelbaar was, maar er waren veel bittere momenten om door te leven toen het zo lang duurde voordat iemand überhaupt naar mijn schilderijen wilde kijken.” In zijn dertiger jaren was hij zo wanhopig door afwijzing dat hij zelfmoord overwoog. Maar in plaats van zich over te geven aan wanhoop, wijdde hij zichzelf opnieuw toe aan de esthetische expressie van zijn innerlijke zelf. Hoe meer Hodgkin naar binnen keek, hoe intuïtiever hij de relatie tussen emotie en de formele essenties van kunst, zoals kleur en verf, begreep; en hoe abstracter zijn werk vervolgens werd. Tegen het einde van zijn leven creëerde Hodgkin een onderscheidend oeuvre gebaseerd op een vereenvoudigde stijl die rauwe gevoelens op de eenvoudigste en meest directe manier communiceerde.

Cijfers en Gevoelens

Er is al lange tijd enige discussie over de vraag of we Howard Hodgkin moeten beschouwen als een figuratieve of abstracte kunstenaar. Zijn vroege werk was duidelijk gebaseerd op de werkelijkheid, met figuren in interieurruimtes, soms in sociale omstandigheden. Maar naarmate zijn carrière vorderde, vervaagde hij de grens tussen abstractie en figuration, en creëerde hij schilderijen die een soort kruispunt tussen de twee bewoonden. In plaats van zich uitsluitend bezig te houden met specifieke inhoud uit zijn leven, verkende hij de manieren waarop formele elementen zoals kleur, patroon en oppervlak emotionele elementen binnen zijn beelden konden oproepen. In de loop der decennia bevatten zijn schilderijen minutieuze figuratieve elementen die waren ingebed in abstracte kleurvelden, vormen en patronen. Maar zelfs wanneer hij iets schilderde dat de meeste kijkers als puur abstract zouden beschouwen, hield Hodgkin er zelf van te zeggen dat het werk nog steeds figuratief was, omdat het allemaal intiem gerelateerd was aan een doorlopende narratief die werd geïnformeerd door zijn persoonlijke werkelijkheid.

Hodgkin begon in 1950 zijn schilderijen te tonen op 18-jarige leeftijd, terwijl hij nog student was. In feite wordt een van zijn vroegste werken, een gouache schilderij op board getiteld Memoirs, dat hij maakte toen hij pas 16 was, door sommige fans beschouwd als een van zijn beste. Hij ontving zijn eerste solo-expositie in 1962, in de gerenommeerde Arthur Tooth & Sons Gallery in Londen. De unieke mix van figuratie en abstractie die de werken in die expositie kenmerkte, maakte Hodgkin uniek en gedurfd. Maar het Britse publiek begreep het werk niet onmiddellijk, en de expositie was geen commercieel succes. Het zou bijna een decennium duren voordat kijkers in zijn thuisland zijn onderscheidende talent zouden waarderen.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Herinneringen aan India

Vroeg in zijn leven besefte Howard Hodgkin dat de schilderijen die hij wilde maken meer leken op esthetische relikwieën van zijn eigen herinneringen. Als iemand die bijzonder van reizen hield, hadden veel van zijn meest krachtige herinneringen te maken met het spectaculaire landschap en de buitengewone mensen die hij tijdens zijn reizen in het buitenland ontmoette. Enkele van de meest succesvolle prenten die hij maakte, hadden betrekking op de reizen die hij naar India maakte. In een serie zeefdrukken die hij creëerde met de titel Indian Views ging hij in op de kleine, horizontale ramen die gebruikelijk zijn aan de zijkanten van treinen in dat land. De beelden lezen als eenvoudige landschappen met horizonlijnen, maar kunnen ook worden beschouwd als abstracte kleurvelden.

Naast hun emotionele gebruik van kleur, zijn zijn Indian View zeefdrukken ook opmerkelijk omdat ze het archetypische esthetische element van het frame bevatten, dat in de loop van de tijd van vitaal belang werd voor Hodgkin. In veel van zijn abstracte schilderijen schilderde hij een rechthoekig frame dat het beeld bevatte. Later begon hij zijn oppervlakken in echte houten frames te kaderen en het beeld zowel op het oppervlak als op het frame te schilderen, waarbij hij de twee combineerde. Het geschilderde frame definieerde zijn schilderijen als objecten die bestand waren tegen externe interferentie, en verduidelijkte dat hun betekenis volledig binnen henzelf was.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Externe erkenning

Ondanks het gebrek aan begrip dat Hodgkin aanvankelijk van het publiek ontving, bleef hij tentoonstellen en bleef hij zijn unieke stijl nastreven, waarbij hij hybride abstract-figuratieve beelden creëerde en een emotionele, kleurrijke visuele taal ontwikkelde op basis van gevoelens. In 1971 werd hij voor het eerst uitgenodigd om in het buitenland tentoon te stellen, in Keulen, Duitsland. Die tentoonstelling was een succes, en het jaar daarop exposeerde hij in een groepstentoonstelling in Parijs. En het jaar daarna exposeerde hij voor het eerst in de Verenigde Staten, in een galerie in New York.

Tot zijn vreugde hadden buitenlandse kijkers een heel andere indruk van zijn werk. Na zijn debuut in New York zei Hodgkin: “ze realiseerden zich meteen wat voor soort kunstenaar ik was... de reactie was zodanig dat ik het gevoel had dat ik communiceerde met een publiek. Dat heb ik zelden gevoeld in Engeland.” Misschien vanwege deze internationale aandacht, of misschien omdat Britse kijkers zich simpelweg realiseerden wat ze hadden gemist, zag Hodgkin in de daaropvolgende jaren zijn reputatie in Groot-Brittannië verbeteren. Tegen 1976 was hij onderscheiden met een CBE en had hij zijn eerste retrospectieve tentoonstelling ontvangen, in het Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

De School van Londen

Ook in 1976 ontving Hodgkin de eer om opgenomen te worden in een groep Britse kunstenaars die geassocieerd werden met iets dat de School van Londen werd genoemd. De schilder R. B. Kitaj bedacht de term School van Londen in een catalogusessay dat hij schreef voor een tentoonstelling getiteld The Human Clay. Kitaj bedoelde met de term de aandacht te vestigen op het feit dat, in tegenstelling tot wereldwijde trends naar Pop Art, Minimalisme, Conceptuele Kunst en andere populaire stijlen, een groep getalenteerde Britse kunstenaars ijverig de moderne relevantie van de menselijke figuur in de kunst had verkend.

De Human Clay omvatte het werk van 48 kunstenaars; onder hen waren Kitaj en Hodgkin, evenals verschillende anderen die later internationaal van vitaal belang werden, zoals Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore, en Lucian Freud. Elk van hen had op dat moment inderdaad op unieke moderne manieren figuratie verkend. Maar de meesten verwierpen desondanks het label School of London toen ze het voor het eerst hoorden. Howard Hodgkin verwierp het label, hoewel hij vijf werken in de tentoonstelling had, het op één na hoogste aantal van een kunstenaar. Toch was het opgenomen worden in de tentoonstelling een boost voor Hodgkin en een grote publieke validatie van zijn inspanningen.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Minder is meer

Gedurende zijn carrière zocht Hodgkin naar manieren om meer uit te drukken terwijl hij minder toonde, en uiteindelijk reduceerde hij de figuratieve elementen in zijn werk tot nauwelijks aanwezig. Gelijktijdig met de bredere publieke erkenning die hij in de late jaren 1970 ervoer, onderging Hodgkin ook een transitie in zijn persoonlijke leven. Na 20 jaar huwelijk met zijn vrouw Julia, kwam Hodgkin uit de kast als homoseksueel en verleende hij Julia de voogdij over hun twee zonen. Zijn leven werd tegelijkertijd eenvoudiger en complexer. Hoewel de titels van zijn werken vanaf dit punt de persoonlijke narratieve kwaliteit behielden waarvoor zijn werk bekend was geworden, met verwijzingen naar specifieke persoonlijke herinneringen, werd de inhoud van zijn beelden dramatisch abstracter.

Hoewel hij waarschijnlijk zo'n beschuldiging zou hebben ontkend, is het gemakkelijk te zien hoe het bevrijden van een persoonlijke leugen hem ook had kunnen bevrijden van de noodzaak om zijn beelden te voorzien van insinuaties, waardoor hij directer met zijn emoties kon worden. Of het nu iets te maken had met die omstandigheid of niet, in de laatste decennia van zijn leven heeft Hodgkin zijn visuele taal dramatischer vereenvoudigd dan ooit tevoren. Hij werd vaardiger in het overbrengen van het expressieve potentieel van kleur, penseelstreek, oppervlak, compositie en verf. In zijn laatste jaren waren zijn composities het eenvoudigst en misschien het meest diepgaand, en communiceerden ze behendig zijn essentiële idee van de vluchtige kracht van herinnering en emotie.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Uitgelichte afbeelding: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detail), 1961-62, Olieverf op doek, 34 x 39 in
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio