De Erfenis van Sir Howard Hodgkin

De beroemde Britse abstracte schilder en drukker Howard Hodgkin behoorde tot de meest bekroonde kunstenaars van zijn generatie. Hij vertegenwoordigde Groot-Brittannië op de Biënnale van Venetië in 1984 en won in 1985 de Turnerprijs. In 1976 werd hij opgenomen in de Most Excellent Order of the British Empire (CBE); hij werd in 1992 geridderd; en in 2003 werd hij door koningin Elizabeth II opgenomen in de Orde van de Companions of Honour, waar hij zich voegde bij een select gezelschap van slechts drie andere abstracte kunstenaars—Henry Moore, Victor Pasmore en Bridget Riley—die dezelfde onderscheiding ontvingen. De gevierde status die Hodgkin uiteindelijk in zijn carrière bereikte, staat in schril contrast met de worstelingen in zijn vroege professionele leven. In 1981 verklaarde Hodgkin: “Ik denk dat ik geluk heb gehad omdat ik helemaal geen succes had tot ik middelbaar was, maar er waren veel bittere momenten om doorheen te komen toen het zo lang duurde voordat iemand überhaupt naar mijn schilderijen leek te willen kijken.” In zijn dertiger jaren was hij zo ontmoedigd door afwijzing dat hij aan zelfmoord dacht. Maar in plaats van toe te geven aan wanhoop, wijdde hij zich opnieuw aan de esthetische uitdrukking van zijn innerlijke zelf. Hoe dieper Hodgkin naar binnen keerde, hoe intuïtiever hij de relatie tussen emotie en de formele essenties van kunst, zoals kleur en verf, begreep; en hoe abstracter zijn werk vervolgens werd. Tegen het einde van zijn leven creëerde Hodgkin een kenmerkend oeuvre gebaseerd op een sobere stijl die rauwe gevoelens in de eenvoudigste en meest directe termen communiceerde.

Vormen en Gevoelens

Er is al lange tijd discussie over of we Howard Hodgkin als een figuratieve of abstracte kunstenaar moeten beschouwen. Zijn vroege werk was duidelijk op de werkelijkheid gebaseerd, met figuren in binnenruimtes, soms in sociale omstandigheden. Maar naarmate zijn carrière vorderde, vervaagde hij de grens tussen abstractie en figuratie, en maakte schilderijen die zich op een soort kruispunt tussen beide bevonden. In plaats van zich uitsluitend te richten op specifieke inhoud uit zijn leven, onderzocht hij hoe formele elementen zoals kleur, patroon en oppervlak emotionele elementen binnen zijn beelden konden oproepen. Gedurende meerdere decennia bevatten zijn schilderijen minutieuze figuratieve elementen ingebed in abstracte kleurvlakken, vormen en patronen. Maar zelfs wanneer hij iets schilderde dat de meeste kijkers als puur abstract zouden beschouwen, zei Hodgkin zelf graag dat het werk nog steeds figuratief was, omdat het allemaal nauw verbonden was met een doorlopend verhaal dat werd gevoed door zijn persoonlijke werkelijkheid.

Hodgkin begon zijn schilderijen te tonen in 1950 op 18-jarige leeftijd, terwijl hij nog student was. Sterker nog, een van zijn vroegste werken, een gouache-schilderij op paneel getiteld Memoirs, geschilderd toen hij pas 16 was, wordt door sommige fans beschouwd als een van zijn beste. Hij kreeg zijn eerste solotentoonstelling in 1962, in de befaamde Arthur Tooth & Sons Galerie in Londen. De unieke mix van figuratie en abstractie die de werken in die tentoonstelling kenmerkte, maakte Hodgkin uniek en gedurfd. Maar het Britse publiek begreep het werk niet meteen, en de tentoonstelling was geen commercieel succes. Het zou bijna tien jaar duren voordat kijkers in zijn vaderland zijn bijzondere talent zouden waarderen.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache op paneel, 8 5/8 x 9 7/8 inch, © The Estate of Howard Hodgkin

Herinneringen aan India

Vroeg in zijn leven realiseerde Howard Hodgkin zich dat de schilderijen die hij wilde maken meer leken op esthetische overblijfselen van zijn eigen herinneringen. Als iemand die vooral van reizen hield, gingen veel van zijn krachtigste herinneringen over het spectaculaire landschap en de bijzondere mensen die hij in het buitenland ontmoette. Sommige van de meest geslaagde prenten die hij maakte, gingen over reizen die hij naar India maakte. In een serie zeefdrukken die hij maakte met de titel Indian Views behandelde hij de kleine, horizontale raampjes die vaak aan de zijkanten van treinen in dat land voorkomen. De beelden lezen als eenvoudige landschappen met horizonlijnen, maar kunnen ook worden beschouwd als abstracte kleurvlakken.

Naast hun emotionele kleurgebruik zijn zijn Indian View-zeefdrukken ook opmerkelijk omdat ze het archetypische esthetische element van het kader bevatten, dat in de loop van de tijd van vitaal belang werd voor Hodgkin. In veel van zijn abstracte schilderijen schilderde hij een rechthoekig kader rondom het beeld. Later begon hij zijn oppervlakken in echte houten lijsten te plaatsen en schilderde hij het beeld zowel op het oppervlak als op het kader, waarbij hij de twee combineerde. Het geschilderde kader definieerde zijn schilderijen als objecten die bestand waren tegen invloeden van buitenaf en maakte duidelijk dat hun betekenis volledig in zichzelf besloten lag.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Zeefdruk op papier, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Erkenning van Buitenaf

Ondanks het gebrek aan begrip dat Hodgkin aanvankelijk van het publiek kreeg, bleef hij exposeren en zijn unieke stijl nastreven, waarbij hij hybride abstract-figuratieve beelden creëerde en een emotionele, kleurrijke beeldtaal ontwikkelde gebaseerd op gevoelens. In 1971 werd hij voor het eerst uitgenodigd om in het buitenland te exposeren, in Keulen, Duitsland. Die tentoonstelling was een succes, en het jaar daarop exposeerde hij in een groepstentoonstelling in Parijs. Het jaar daarna exposeerde hij voor het eerst in de Verenigde Staten, in een galerie in New York.

Tot zijn vreugde hadden buitenlandse kijkers een heel andere indruk van zijn werk. Na zijn debuut in New York zei Hodgkin: “ze begrepen meteen wat voor soort kunstenaar ik was... de reactie was zodanig dat ik het gevoel had dat ik communiceerde met een publiek. Dat heb ik zelden in Engeland gevoeld.” Misschien door deze internationale aandacht, of misschien omdat Britse kijkers simpelweg beseften wat ze hadden gemist, verbeterde Hodgkins reputatie in Groot-Brittannië in de daaropvolgende jaren. In 1976 werd hij onderscheiden met de CBE en kreeg hij zijn eerste retrospectieve tentoonstelling in het Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, olie op hout, 33 x 36 inch, © The Estate of Howard Hodgkin

De School van Londen

Ook in 1976 kreeg Hodgkin de eer om opgenomen te worden in een groep Britse kunstenaars die geassocieerd werden met iets dat de School van Londen werd genoemd. De schilder R. B. Kitaj bedacht de term School van Londen in een catalogusessay dat hij schreef voor een tentoonstelling getiteld The Human Clay. Kitaj wilde met de term de aandacht vestigen op het feit dat, in tegenstelling tot wereldwijde trends richting Popart, minimalisme, conceptuele kunst en andere populaire stijlen, een groep getalenteerde Britse kunstenaars ijverig de moderne relevantie van het menselijk figuur in de kunst had onderzocht.

The Human Clay omvatte het werk van 48 kunstenaars; onder hen waren Kitaj en Hodgkin, evenals verschillende anderen die later internationaal van groot belang werden, zoals Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore en Lucian Freud. Elk van hen had destijds inderdaad figuratie op unieke moderne manieren onderzocht. Maar de meesten verwierpen aanvankelijk het label School van Londen toen ze het voor het eerst hoorden. Howard Hodgkin verwierp het label ook, hoewel hij vijf werken in de tentoonstelling had, het op een na hoogste aantal van alle kunstenaars. Toch was de opname in de tentoonstelling een stimulans voor Hodgkin en een grote publieke bevestiging van zijn inspanningen.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, olie op hout, 44 1/4 x 50 inch, © The Estate of Howard Hodgkin

Minder is Meer

Gedurende zijn hele carrière zocht Hodgkin naar manieren om meer uit te drukken terwijl hij minder toonde, waarbij hij uiteindelijk de figuratieve elementen in zijn werk terugbracht tot nauwelijks aanwezig. Gelijktijdig met de bredere publieke erkenning die hij eind jaren zeventig ervoer, onderging Hodgkin ook een overgang in zijn persoonlijke leven. Na 20 jaar huwelijk met zijn vrouw Julia kwam Hodgkin uit de kast als homoseksueel en gaf hij Julia de voogdij over hun twee zonen. Zijn leven werd tegelijkertijd eenvoudiger en complexer. Hoewel de titels van zijn werken vanaf dat moment de persoonlijke verhalende kwaliteit behielden waarvoor zijn werk bekend was, met verwijzingen naar specifieke persoonlijke herinneringen, werd de inhoud van zijn beelden aanzienlijk abstracter.

Hoewel hij zo’n beschuldiging waarschijnlijk zou ontkennen, is het gemakkelijk te zien hoe het bevrijden van een persoonlijke leugen hem ook had kunnen bevrijden van de noodzaak om zijn beelden met dubbelzinnigheden te beladen, waardoor hij directer met zijn emoties kon zijn. Of het nu met die omstandigheid te maken had of niet, in de laatste decennia van zijn leven bracht Hodgkin zijn beeldtaal dramatischer terug dan ooit tevoren. Hij werd vaardiger in het overbrengen van het expressieve potentieel van kleur, penseelstreek, oppervlak, compositie en verf. In zijn laatste jaren waren zijn composities het eenvoudigst en misschien wel het diepst, waarbij hij zijn essentiële idee van de vluchtige kracht van herinnering en emotie vakkundig communiceerde.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, olie op hout, 31 x 35 inch, © The Estate of Howard Hodgkin

Afbeelding uitgelicht: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detail), 1961-62, olie op doek, 34 x 39 inch
Alle afbeeldingen uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio