Het Met Verkenning van de Diepe Erfenis van Abstract Expressionisme

The Met Fifth Avenue in New York opende deze week Epic Abstraction: Pollock to Herrera. Met meer dan 50 belangrijke werken van enkele van de meest boeiende abstracte kunstenaars van de afgelopen eeuw, verdient de tentoonstelling haar naam omdat ze de impact van grootschaligheid onderzoekt. Grootheid wordt soms uitgedrukt door enorme kunstwerken — zoals het galerijoverheersende Louise Nevelson beeld “Mrs. N’s Palace” (1964–77) — soms door enorme ideeën — zoals het gebruik van automatisch tekenen om schilderijen te maken die de geheimen van het onderbewustzijn doorgeven — en soms door technische methode, zoals bij het enorm complexe assemblagewerk van Thornton Dial. Ondertussen verwijst de ondertitel van de tentoonstelling, Pollock to Herrera, naar twee algemene ideeën. Ten eerste is er de theorie dat het werk dat Jackson Pollock in de jaren 40 maakte, het decennium waarin de samenstelling begint, een keerpunt betekende in de wereld van de abstracte kunst: een moment waarop groter echt als beter werd beschouwd. Ten tweede is het werk van relatief ondergewaardeerde kunstenaars zoals Carmen Herrera — de in Cuba geboren minimalistische kunstenares die op 101-jarige leeftijd haar allereerste overzichtstentoonstelling kreeg in het Whitney Museum of American Art in 2016 — net zo belangrijk als dat van de bekende supersterren. Inderdaad, er zijn werken te zien van veel minder bekende kunstenaars, zoals de eerder genoemde assemblagekunstenaar Thornton Dial; het beruchte lid van de Gutai-groep Kazuo Shiraga, die het baanbrekende (letterlijk) performancekunstwerk “Challenging the Mud” (1955) maakte; en de vernieuwende Hongaarse abstracte schilder Ilona Keserü. De samenstelling strekt zich ook uit tot heden met werk van jongere abstracte kunstenaars zoals Chakaia Booker en Mark Bradford. De andere kernveronderstelling die de samenstellers in hun toelichting voor de tentoonstelling aangeven, is dat existentiële angst de drijvende kracht was die abstracte kunstenaars inspireerde om 70 jaar geleden groots werk te gaan maken. De tentoonstelling kan je dan doen afvragen: heeft epische abstractie iets gedaan om onze angst te verzachten? Of heeft het ons gewoon geholpen existentiële angst te accepteren als fundamenteel voor onze menselijke conditie?

Een Plaats in de Geschiedenis

De lijst van beroemde kunstenaars die in Epic Abstraction zijn opgenomen, zal elke kunsthistoricus enthousiast maken: naast de hierboven genoemde grootheden zijn er werken van Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold en Morris Louis. En er zijn tal van voorbeelden van werk van kunstenaars die voor de meeste bezoekers nieuw zullen zijn, zoals de Japanse kalligrafische abstracte kunstenaar Inoue YÅ«ichi, de Filipijnse abstracte kunstenaar Alfonso Ossorio, de minimalistische beeldhouwer Anne Truitt en de Argentijnse kleurengenie Alejandro Puente. Toch is, afgezien van de omvang van deze historische aanval, het meest epische aan de samenstelling hoe twee werken in het bijzonder het verhaal ondermijnen dat in de ondertitel van de tentoonstelling verborgen ligt. Door Pollock en Herrera te noemen en hen apart te zetten van alle andere kunstenaars, lijkt het mij dat de samenstellers suggereren dat Abstract Expressionisme en Minimalisme de meest invloedrijke stromingen zijn die worden beschouwd, en dat schilderkunst de primaire focus van de tentoonstelling is. Maar het werk, de methoden en de prestaties van Pollock en Herrera, hoe prachtig ook, zijn niet eens in de buurt van het meest epische in deze tentoonstelling.

Die eer, naar mijn mening, gaat naar Louise Nevelson en Thornton Dial. Het Nevelson beeld dat te zien is, zal kijkers die haar werk nog nooit hebben gezien doen afvragen waarom iedereen het over Pollock heeft terwijl Nevelson zijn tijdgenoot was. Haar werk is technisch strenger, conceptueel intrigerender en relevanter voor de geest van New York, waar zowel zij als Pollock werkten. Pollock brak, voor zover praktisch, een beetje nieuw terrein door ideeën en methoden van andere kunstenaars te lenen en te perfectioneren. Daarna, nadat hij beroemd werd door de volgende logische stap te zetten, vernietigde Pollock zichzelf omdat hij bevriend was met een invloedrijke criticus. Zijn schilderijen zijn betoverend, maar Nevelson bereikte veel meer dan Pollock, was origineler en werkte veel langer, waardoor ze een veel intrigerender en tot nadenken stemmender nalatenschap van kunst en ideeën achterliet.

Een Lang Ontbrekende Stem

Dan is er Thornton Dial. Zijn “Shadows of the Field” (2008) is, voor mijn ogen en geest, het meest aangrijpende werk in de tentoonstelling. De epische aard ervan zit in de materialen, de constructie, de kleuren en de verborgen werelden — zowel fysiek als metafysisch — die in zijn vorm schuilgaan. Gemaakt van gevonden en weggegooide afvalmaterialen, is het stuk bedoeld om de erfenis van het pachtboerenstelsel op te roepen, het onrechtvaardige en vaak brute landbouwsysteem waarin Dial in 1928 werd geboren. Een enorme assemblage van touw, synthetisch katoen, jute, plaatmetaal, lapjes stof en metaal, het heeft de fysieke aanwezigheid van uitputting. Het belichaamt het samenkomen van hardheid en kwetsbaarheid. Gemaakt toen de kunstenaar 80 jaar oud was, verraadt het ook zijn autodidactische hand. Terwijl Pollock rijk werd en zichzelf dood dronk, leefde Dial in armoede en werkte zich kapot om te overleven in een racistisch maatschappelijk systeem dat de meeste zwarte Amerikanen buiten musea hield, niet alleen als kunstenaars maar zelfs als betalende bezoekers.

Misschien zullen naarmate deze tentoonstelling zich in de tijd voortzet andere definities van wat episch is opkomen, en zullen andere, nog krachtigere en intrigerendere werken de strijd betreden — de tentoonstellingsdata zijn immers open en de werken, afkomstig uit de vaste collectie van The Met, zullen periodiek worden gewisseld. Maar voor nu maakt “Shadows of the Field,” een van de tien werken van Dial die het Met recent verwierf, de meest epische uitspraak. Het zegt dat een ongeschoolde zwarte pachtboer uit het zuiden enkele van de krachtigste en betekenisvolste abstracte kunstwerken van de afgelopen 70 jaar maakte, die het werk van kunstenaars die veel meer voorrechten en kansen hadden, overtreffen. Het geeft ook aan dat hoewel angst misschien inderdaad een onvermijdelijk deel van onze menselijke conditie is, de kunst die daaruit voortkomt een reddende genade kan zijn, en vaak ook is.

Afbeelding: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Geschilderd hout, spiegel, 140 x 239 x 180 inch (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, Geschenk van de kunstenaar, 1985 © 2018 Nalatenschap van Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Door Phillip Barcio