Het Met Verkenning van de Diepe Erfenis van Abstract Expressionisme

Het Met Fifth Avenue in New York opende deze week Epic Abstraction: Pollock to Herrera. De tentoonstelling, met meer dan 50 belangrijke werken van enkele van de meest boeiende abstracte kunstenaars van de afgelopen eeuw, verdient zijn naam omdat het de impact van grootse schaal verkent. Grootheid wordt soms uitgedrukt door middel van enorme kunstwerken — zoals het galerie-dominante sculptuur “Mrs. N’s Palace” (1964–77) van Louise Nevelson — soms door middel van enorme ideeën — zoals het gebruik van automatische tekening om schilderijen te creëren die de geheimen van de onbewuste geest kanaliseren — en soms door technische methoden, zoals met het enorm complexe assemblagewerk van Thornton Dial. Ondertussen verwijst de ondertitel van de tentoonstelling, Pollock to Herrera, naar twee algemene ideeën. De eerste is de theorie dat het werk van Jackson Pollock in de jaren 1940, het decennium waarin de curatie begint, een keerpunt betekende in de wereld van de abstracte kunst: een moment waarop groter echt als beter werd beschouwd. Ten tweede dat het werk van relatief ondergewaardeerde kunstenaars zoals Carmen Herrera — de in Cuba geboren minimalistische kunstenaar die op 101-jarige leeftijd in 2016 haar allereerste retrospectief ontving in het Whitney Museum of American Art — net zo belangrijk is als dat van de bekende supersterren. Inderdaad, er zijn werken te zien van veel onderbelichte kunstenaars, zoals de eerder genoemde assemblagekunstenaar Thornton Dial; de beruchte lid van de Gutai-groep Kazuo Shiraga, die het baanbrekende (letterlijk) performance stuk “Challenging the Mud” (1955) creëerde; en de innovatieve Hongaarse abstracte schilder Ilona Keserü. De curatie strekt zich ook uit tot het heden met werk van jongere abstracte kunstenaars zoals Chakaia Booker en Mark Bradford. De andere kernveronderstelling die de curatoren in hun didactiek voor de tentoonstelling stellen, is dat existentiële angst de drijvende kracht was die abstracte kunstenaars inspireerde om 70 jaar geleden episch werk te gaan maken. De tentoonstelling kan je dan doen afvragen: heeft epische abstractie iets gedaan om onze angst te verlichten? Of heeft het ons simpelweg geholpen om existentiële angst te accepteren als fundamenteel voor onze menselijke conditie?

Een plaats in de geschiedenis

De presentielijst van beroemde kunstenaars die in Epic Abstraction zijn opgenomen, zal elke kunstgeschiedenis-liefhebber enthousiast maken: naast de hierboven genoemde grootheden zijn er werken van Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold en Morris Louis. En er zijn tal van voorbeelden van werk van kunstenaars die voor de meeste bezoekers nieuw zullen zijn, zoals de Japanse kalligrafische abstractist Inoue Yūichi, de Filipijnse abstracte kunstenaar Alfonso Ossorio, de minimalistische beeldhouwer Anne Truitt en de Argentijnse chromatische genie Alejandro Puente. Toch, afgezien van de omvang van deze historische aanval, is hetgene dat ik het meest episch vond aan de curatie hoe twee werken in het bijzonder de narratief ondermijnen die verborgen ligt binnen de subtitel van de tentoonstelling. Door Pollock en Herrera op te sommen en ze apart te zetten van alle andere kunstenaars, lijkt het mij dat de curatoren suggereren dat Abstract Expressionisme en Minimalisme de meest invloedrijke bewegingen zijn die worden overwogen, en dat schilderkunst de primaire focus van de tentoonstelling is. Maar het werk, de methoden en de prestaties van Pollock en Herrera, hoe geweldig ze ook zijn, zijn niet eens in de buurt van het meest epische in deze tentoonstelling.

Die eer, naar mijn mening, gaat naar Louise Nevelson en Thornton Dial. De Nevelson-sculptuur die te zien is, zal kijkers die haar werk nog nooit eerder hebben gezien, doen afvragen waarom in hemelsnaam iemand het over Pollock heeft, terwijl Nevelson zijn tijdgenoot was. Haar werk is technisch gezien strenger, conceptueel intrigerender en relevanter voor de geest van New York, waar zowel zij als Pollock werkten. Pollock heeft, voor alle praktische doeleinden, een beetje nieuw terrein gebroken door de ideeën en methoden van andere kunstenaars te lenen en te perfectioneren. Nadat hij beroemd werd omdat hij de volgende logische stap zette, omdat hij bevriend was met een invloedrijke criticus, heeft Pollock zichzelf vernietigd. Zijn schilderijen zijn betoverend, maar Nevelson heeft veel meer bereikt dan Pollock, was origineler en heeft veel langer gewerkt, waardoor ze een veel intrigerender en prikkelender erfgoed van kunst en ideeën heeft achtergelaten.

Een Lang Gemist Stem

Dan is er Thornton Dial. Zijn "Shadows of the Field" (2008) is, in mijn ogen en mijn geest, het meest aangrijpende werk in de tentoonstelling. De epische aard ervan is vervat in de materialen, de constructie, de kleuren en de verborgen werelden — zowel fysiek als metafysisch — die binnen zijn vorm schuilgaan. Samengesteld uit gevonden en weggegooide afvalmaterialen, is het stuk bedoeld om de erfenis van het delen van landbouwgrond op te roepen, het onrechtvaardige en vaak brute systeem van landbouw waarin Dial in 1928 werd geboren. Een enorme assemblage van touw, synthetische katoen vulling, jute, plaatmetaal, stoflappen en metaal, het heeft de fysieke aanwezigheid van uitputting. Het belichaamt de samenkomst van hardheid en kwetsbaarheid. Gecreëerd toen de kunstenaar 80 jaar oud was, ontkracht het ook zijn autodidactische hand. Inderdaad, terwijl Pollock rijk werd en zichzelf dooddrank, leefde Dial in armoede, werkte hij zich uit de naad om gewoon te overleven in een racistisch sociaal systeem dat de meeste zwarte Amerikanen buiten musea hield, niet alleen als kunstenaars maar zelfs als betalende bezoekers.

Misschien zullen er naarmate deze tentoonstelling vordert in de tijd andere definities van wat episch is naar voren komen, en zullen er andere, nog krachtigere en intrigerendere werken de strijd aangaan - de tentoonstellingsdata zijn immers open-ended, en de werken die te zien zijn, afkomstig uit de permanente collectie van The Met, zullen periodiek worden verwisseld. Maar voor nu maakt "Shadows of the Field," dat een van de tien werken is die de Met recentelijk heeft verworven, de meest epische uitspraak. Het zegt dat een ongetrainde Zuidelijke zwarte pachtboer enkele van de krachtigste en meest betekenisvolle abstracte kunstwerken van de afgelopen 70 jaar heeft gemaakt, die de werken van kunstenaars die veel meer privilege en kansen genoten, overtreffen. Het geeft ook aan dat hoewel angst inderdaad een onvermijdelijk onderdeel van onze menselijke conditie kan zijn, de kunst die daaruit voortvloeit, kan zijn, en vaak is, een reddende genade.

Uitgelichte afbeelding: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Geschilderd hout, spiegel, 140 x 239 x 180 in. (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). Het Metropolitan Museum of Art, Gift van de kunstenaar, 1985 © 2018 Erfenis van Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Door Phillip Barcio