De Meest Beroemde Abstracte Schilderijen van Vrouwen

Er is potentieel zoveel meer aan een schilderij dan wat het aan onze ogen onthult. Bijvoorbeeld, wat onthult het aan onze geest? Enkele van de meest beroemde realistische kunstwerken zijn schilderijen van vrouwen. Maar wat communiceren die beroemde schilderijen van vrouwen aan de kijkers, naast wat er op de oppervlakte is? Ze kunnen de meesterlijkheid van hun makers communiceren, maar communiceren ze ook de innerlijke essentie van hun vrouwelijke onderwerpen? Ze kunnen visueel hun tijdperken afbeelden, maar extrapoleren ze ook een culturele of historische begrip van gender? Tonen ze ons alleen maar afbeeldingen van vrouwen in verschillende situaties, of verkennen ze de overkoepelende betekenissen die vervat zijn in situationele vrouwelijke realiteiten? Abstracte schilderijen hebben soms een voordeel als het gaat om dergelijke zaken, aangezien ze kijkers van nature aanmoedigen om verder te zoeken dan wat er op de oppervlakte is. Hier zijn tien beroemde abstracte schilderijen van vrouwen die ons hebben geholpen ons begrip van vrouwelijkheid te vergroten vanuit de verschillende perspectieven van gender, geschiedenis, cultuur en esthetiek.

Lee Krasner - Gaea

Heb je je ooit afgevraagd naar de oorsprong van de term Moeder Natuur? De oude Grieken geloofden dat de schepper van het universum een vrouwelijke entiteit was genaamd Gaea. Zij baarde alle dingen die bestaan, inclusief alle andere goden en godinnen en de mensheid. Lee Krasner schilderde haar monumentale abstracte schilderij Gaea in 1966. Het schilderij markeert een belangrijke evolutie in haar werk, aangezien ze tevoorschijn kwam uit een bijzonder moeilijke periode in haar persoonlijke leven. De explosieve kleuren en expressieve gebaren belichamen een complexe mix van kracht, schoonheid, energie en harmonie. Als een abstracte uitdrukking van de oorspronkelijke en eeuwige vrouwelijke essentie in het universum staat het bovenaan de abstracte schilderijen van vrouwen.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Olie op doek. 69" x 10' 5 1/2" (175,3 x 318,8 cm). Kay Sage Tanguy Fonds. 212.1977. MoMA Collectie. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie vertaalt naar Mijn Mooie Meisje, een populair Frans lied toen Picasso zijn kubistische schilderij met dezelfde naam schilderde. De frase was ook zijn koosnaam voor zijn geliefde, Marcelle Humbert. Als een van de vroegste en meest memorabele uitdrukkingen van analytisch kubisme, is dit schilderij beroemd om redenen die weinig met het onderwerp te maken hebben. Maar als een schilderij van een vrouw is het ook enorm expressief. De waardige uitdrukking van nonchalance op het hoofd in de rechterbovenhoek; de vlezige sensualiteit van de tenen; de muzikale noten en de hand die de gitaar tokkelt; de duizelingwekkende reeks perspectieven en lichtbronnen; deze spreken allemaal tot de mix van speelsheid, ernst, respect en mysterie die de gevoelens definieert die Picasso gedurende zijn leven voor de vrouwelijke ziel heeft uitgedrukt.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Olieverf op doek. 39 3/8 x 25 3/4" (100 x 64,5 cm). Verkregen via de Lillie P. Bliss Erfenis (door ruil). 176.1945. © 2019 Erfenis van Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Georgia O’Keeffe - Abstractie (slapende vrouw)

Georgia O’Keeffe verwijderde alles wat ze als onbelangrijk beschouwde. Ze zocht ernaar om kijkers onder te dompelen in een gevoel. Om dit te doen, creëerde ze vaak grootschalige, close-up beelden, die kijkers omhulden in de picturale ruimte. Dit schilderij is een van de verschillende soortgelijke abstracte composities die O’Keeffe maakte van een slapende vrouw. Ze tekende het in houtskool en ging er vervolgens met een natte kwast overheen, waardoor een dromerige etherische kwaliteit binnen het kader ontstond. Het is een afbeelding van stoïcijnse, waardige gratie, die spreekt tot iets vergankelijks en delicaats, aards en toch eeuwig.

Georgia O Keeffe - Abstractie (slapende vrouw), 1916. Houtskool en aquarelwas op papier

Kazimir Malevich - Vrouw met emmers: Dynamische schikking

Kazimir Malevich was een ware gelovige in abstractie. Een jaar na het schilderen van dit schilderij, uitvond hij zijn iconische stijl, Suprematisme, die gewijd was aan een afwijzing van onderwerp ten gunste van universaliteiten. Dit schilderij van een vrouw gaat niet zozeer over een vrouw als wel over de formele kwaliteiten van de compositie. Wat het communiceert over vrouwelijkheid is subjectief. Maar in de intentie van de kunstenaar vinden we iets democratisch en, inderdaad, universeel. De titel, Vrouw met Emmer, verwijst naar traditionele vrouwelijke genderrollen in de arbeidersklasse van Rusland toen Malevich het werk maakte. Dat hij dit onderwerp koos, communiceert dat hij op zoek was naar een utopische manier om de wereld te zien, niet in divisieve termen zoals geslachten en sociale klassen, maar in termen van gemeenschappelijkheid.

Kazimir Malevich - Vrouw met emmers: Dynamische samenstelling. 1912-13 (gedateerd op de achterkant 1912). Olieverf op doek. 31 5/8 x 31 5/8" (80,3 x 80,3 cm). 1935 Aankoop bevestigd in 1999 door overeenkomst met de nalatenschap van Kazimir Malevich en mogelijk gemaakt met fondsen van de Mrs. John Hay Whitney nalatenschap (door ruil). 815.1935. MoMA Collectie

Joan Miró - Vrouw met Drie Haren Omringd door Vogels in de Nacht

Joan Miró heeft nooit volledig de diepte van complete abstractie verkend. In plaats daarvan heeft hij een unieke esthetische stem ontwikkeld die primitieve iconografie, vereenvoudigde vormen en een levendig, beperkt kleurenpalet omvat. Door deze idiosyncratische stijl kon hij diepgang communiceren op directe, eenvoudige, vaak speelse manieren. Hij verkende vaak het thema van vrouw en kinderen in zijn werk. Dit abstracte beeld van een eenzame vrouw drukt stille kracht en balans uit. Het is meditatief en suggereert een figuur die nadenkt over alledaagse geneugten. Het is een beeld van veiligheid, eenzaamheid en harmonie. Ondanks zijn vreemde eigenaardigheid roept het vreugde op.

Joan Miro - Vrouw met Drie Haren Omringd door Vogels in de Nacht Palma/ 2 september 1972. Olieverf op doek. 7' 11 7/8" x 66 1/2" (243,5 x 168,9 cm). Geschenk van de kunstenaar ter ere van James Thrall Soby. 116.1973. MoMA Collectie. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parijs

Willem de Kooning - Vrouw I

Een toonaangevende abstract expressionist, Willem de Kooning specialiseerde zich in emotionele, energieke doeken. Zijn techniek was zowel spontaan als uitputtend. Hij schilderde agressieve, directe lagen en schraapte deze vervolgens weer af, waarbij hij in de loop van de tijd toevoegde en verwijderde. Zijn vele schilderijen van vrouwen zijn geïnterpreteerd als grotesk of boos, en zelfs als misogynistisch. Maar hij ontkende dergelijke associaties en gaf de voorkeur aan het reflecteren op hun primitieve aard en de oorsprong die ze delen met klassieke afbeeldingen van vrouwelijkheid. Dit meest beroemde van zijn Woman schilderijen lijkt een passend voorbeeld van die dualiteit tussen de intentie van de mannelijke kunstenaar bij het schilderen van een vrouw en de manier waarop het eindresultaat van zijn expressie door kijkers kan worden geïnterpreteerd. Het biedt ons een iconisch abstract beeld van een vrouw, evenals een uitgangspunt voor een groter gesprek over objectivering en intentie in de kunst.

Willem de Kooning - Vrouw I, 1950-1952. Olie- en metallic verf op canvas. 6' 3 7/8" x 58" (192,7 x 147,3 cm). 478.1953. MoMA Collectie. © 2019 De Willem de Kooning Stichting / Artists Rights Society (ARS), New York

Maria Lassnig - Ontbijt met een Oor

Geen gesprek over hedendaagse abstracte vrouwelijke portretkunst zou compleet zijn zonder de invloed van de Oostenrijkse kunstenaar Maria Lassnig te vermelden. Haar praktijk fluctueerde tussen figuratie en abstractie, maar draaide altijd om een groter gesprek over wat ze in 1948 beschreef als lichaamsbewustzijn. Haar schilderij Ontbijt met een Oor is een iconische vertegenwoordiger van de honderden zelfportretten die Lassnig schilderde, vaak met slechts een deel van haar lichaam, gerelateerd aan het lichaamsdeel waarvan ze zich op dat moment het meest bewust was. Dit beeld adresseert het grotere sociale gesprek over traditionele genderrollen, aangezien de functie van luisteraar/verzorger wordt benadrukt tussen beelden van elektronische keukenapparaten.

Maria Lassnig - Ontbijt met een Oor, 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Anthropométrie van de blauwe tijdperk

Net als bij veel kunstwerken van Yves Klein is er een conceptuele laag aan dit schilderij die besproken moet worden. Hij heeft het niet alleen geschilderd, maar nam deel aan de creatie als regisseur. Anthropometrie is de studie van de fysieke afmetingen van het menselijk lichaam. Voor zijn Anthropométrie serie, leidde Klein vrouwelijke assistenten om naakt te strippen en zichzelf te bedekken met Yves Klein Blue, zijn eponieme kleur. De assistenten drukten vervolgens fysiek hun geschilderde lichamen af op oppervlakken, ofwel uitgespreid op de vloer of gemonteerd aan de muur. Dit schilderij is in zekere zin een actie schilderij. In een andere zin is het reportage, omdat het een fysiek record creëert van een daadwerkelijk evenement. Als abstracte afbeelding biedt het een overtuigende suggestie van sensualiteit. Het suggereert ook het X-chromosoom, een symbool van genetische vrouwelijkheid. Vanuit een conceptueel standpunt is het potentieel afschuwelijk in het gebruik van geobjectiveerde vrouwelijke arbeid om een door mannen gedomineerde en pruriente esthetische visie te voltooien.

Yves Klein - Anthropométrie de lépoquebleue, 1960. International Klein Blue op papier op hout. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parijs

Carrie Moyer - Tableau

Vaak is het werk van Carrie Moyer politiek geladen, zoals in haar Agitprop, grafische posters die zich bezighouden met directe sociale activisme en commentaar. Andere keren, zoals in haar abstracte prints, lijkt het omhuld te zijn in metafysische universaliteiten. In haar schilderijen komen die twee polen vaak samen in grafisch ingekapselde composities die combineren wat zij noemt “zowel illusie als vlakheid.” Formeel bezitten Tableau compositiegrootte en tonen ze een meesterlijk begrip van de sensualiteit van het acrylmedium. Het gevoel van vrouwelijkheid is duidelijk hedendaags, terwijl het tegelijkertijd iets primitiefs en menselijks oproept en iets futuristisch en vreemds, waardoor het verankerd is in een vreemde maar troostende tegenwoordigheid.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acryl, glitter op canvas. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien

Het zou te simplistisch zijn om te zeggen dat de schilderijen van de in Kenia geboren kunstenaar Wangechi Mutu van vrouwen zijn, of over vrouwen. Maar ze zijn gevuld met een taal van vormen die de fysieke vrouwelijkheid communiceren. Door haar aangrijpende beelden drukt Mutu de enorme en gevarieerde ervaring uit van hoe het vrouwelijke lichaam in de wereldcultuur wordt tegengekomen. Dit schilderij, getiteld naar het nummer van Edith Piaf Non je ne regrette rien (Ik heb nergens spijt van), viert en objectificeert tegelijkertijd het vrouwelijke lichaam terwijl het onderbewuste universaliteiten oproept door totemische vrouwelijke beelden.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Inkt, verf, gemengde media, plantmateriaal en plastic parels op Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 in. Victoria Miro

Uitgelichte afbeelding: Georgia O Keeffe - Abstractie - Slapende vrouw (detail), 1916, houtskool en aquarelwas op papier
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio