5 abstrakte kunstverk fra "Soul of a Nation" utstillingen av afroamerikanske kunstnere

Den monumentale utstillingen Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power åpnet denne måneden på Brooklyn Museum i New York. Dette er det tredje stedet for denne ekstraordinære utstillingen, som åpnet på Tate Modern i 2017 og deretter reiste til Crystal Bridges Museum of American Art i Bentonville, Arkansas. Utstillingen viser mer enn 150 verk laget av over 60 kunstnere. Den dekker et enormt spekter av medier – fra maleri, tegning og skulptur til tekstiler og klær – og spenner over mange estetiske posisjoner – fra direkte figurativ kunst til Popkunst og ren abstraksjon. Da utstillingen først ble vist på Tate, hadde jeg privilegiet av å sitte ned med Gerald Williams, medgrunnlegger av AFRICOBRA, en innflytelsesrik svart kunstnerkollektiv hvis arbeid er et sentralt element i utstillingen. Williams hadde noen fascinerende ting å si om kuratorenes valg om å inkludere så mange abstrakte verk i utstillingen. Han var nysgjerrig på hva betrakterne ville si om hvordan disse verkene bidrar til samtalen. Mange modernistiske abstrakte estetiske posisjoner er dypt forankret i historiske, transnasjonale svarte estetikktradisjoner. Likevel ble svarte abstrakte kunstnere ofte oversett av gallerier drevet av hvite på grunn av åpenbare eller subtile fordommer, eller utestengt fra svarte gallerier fordi deres verk ikke figurativt tok opp svart liv. Det er en stor glede å se så mange abstrakte kunstnere representert i Soul of a Nation. Når utstillingen nå har funnet sitt midlertidige hjem i Brooklyn, fremhever vi fem abstrakte verk du bør se etter hvis du besøker utstillingen, som vises til 3. februar 2019.

Wadsworth A. Jarrell, Revolutionary (Angela Davis), 1971

En av de fem grunnleggerne av AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell, var avgjørende for å forme gruppens filosofi. Denne filosofien ble skissert i manifestet fra 1969 Ten In Search of a Nation. Ifølge manifestet forsøkte AFRICOBRA å lage verk som oppnår: “1. definisjon – bilder som omhandler fortiden; 2. identifikasjon – bilder som relaterer til nåtiden; og 3. retning – bilder som ser inn i fremtiden.” De viktigste visuelle elementene i deres stil var bruk av tekst, lysende «cool-aid»-farger og en blanding av abstrakte mønstre og positive portretter av svarte mennesker. “Revolutionary (Angela Davis)” formidler på en spektakulær måte alle disse aspektene. I tillegg vekker det tidlige modernistiske bevegelser som futurisme og rayonisme med sine dynamiske, skarpe vinkler, og postimpresjonistiske bevegelser som divisjonisme med sin mobilisering av komplementære former og fargeforhold.

Wadsworth A. Jarrell (amerikansk, født 1929). Revolutionary (Angela Davis), 1971. Akryl og blandede medier på lerret, 64 x 51 tommer (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, gave fra R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris og Emma L. Hyde, ved bytte, Designated Purchase Fund, Mary Smith Dorward Fund, Dick S. Ramsay Fund og Carll H. de Silver Fund, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Soul of a Nation i Brooklyn er noe av en hjemkomst for William T. Williams. En av de mest dyktige og respekterte samtidsamerikanske abstrakte malerne, har Williams undervist i kunst ved Brooklyn College siden 1971 – to år etter at han malte “Trane.” Denne livfulle, geometriske komposisjonen er oppkalt etter den amerikanske jazzkomponisten og musikeren John Coltrane. Verkets dynamiske natur vekker den livlige, intuitive og helt frie lyden som Coltrane var kjent for. Men dette verket knytter seg også til en personlig historie Williams har fortalt om. Han kommer fra en familie av quiltere. Quiltene hans forfedre laget var dominert av fargerike, lineære, geometriske mønstre. “Trane” er delvis en hyllest til familien, delvis en nikk til en musikalsk legende, og delvis et uttrykk for den særegne abstrakte visjonen Williams formidler i sitt arbeid.

William T. Williams (amerikansk, født 1942). Trane, 1969. Akryl på lerret, 108 x 84 tommer (274,3 x 213,4 cm).
Studio Museum i Harlem, New York. © William T. Williams. Med tillatelse fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank BowIing, Texas Louise, 1971

Selv om Frank Bowling ble født i Guyana og har britisk statsborgerskap, er hans bidrag til amerikansk abstrakt kunst dyptgripende. Bowling kom først til New York på midten av 1960-tallet og ble raskt en av de fremste utøverne av lyrisk abstraksjon. De fleste av hans verk befinner seg visuelt et sted mellom abstrakt ekspresjonisme og fargefeltmaling. Av og til hjemsøkes bildene hans av figurative elementer, som spøkelsesaktige konturer av kontinenter. “Texas Louise” er et monumentalt verk som omslutter betrakteren i sine glødende, teksturerte røde nyanser. Det ble malt samme år som Bowling publiserte artikkelen It Is Not Enough to Say Black Is Beautiful i ARTnews. Den teksten tar opp de komplekse synspunktene Bowling, og mange kunstnere, har hatt om merkelapper som «svart kunst», «svarte kunstnere» eller for den saks skyld «abstrakt kunst» og «abstrakte kunstnere». Det er verdt å lese det essayet på nytt nå, spesielt hvis du planlegger å besøke denne utstillingen og se dette viktige verket.

Frank BowIing (amerikansk, født 1936). Texas Louise, 1971. Akryl på lerret, 111 x 261 3⁄4 tommer (282 x 665 cm).
Med tillatelse fra Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Bilde med tillatelse fra kunstneren og Hales Gallery.

Norman Lewis, Processional (også kjent som Procession), 1965

“Processional (også kjent som Procession)” er et symbol på Norman Lewis’ særegne evne til å blande abstraksjonsmetoder med symbolske eller filosofiske konsepter. Lewis begynte som figurativ maler. Hans abstraksjoner oppstod ofte ut fra et realistisk utgangspunkt. Dette maleriet har uttrykksfulle, gestiske, kalligrafiske penselstrøk. Tittelen og bildene vekker en rekke mennesker som går, noe som kanskje antyder en begravelse. En viktig del av enhver figurativ tolkning av verket er spørsmålet om disse penselstrøkene skal forestille mennesker, er disse menneskene hvite, svarte eller begge deler? Dette bildet kan representere døden til forestillingen om at det finnes noen forskjell; eller en prosesjon fremover mot en mer opplyst tid.

Norman Lewis (1909-1979), Processional (også kjent som Procession), 1965. Oljemaleri på lerret, 38 3/8 x 57 5/8 tommer (97,5 x 146,4 cm).
Privat samling; © Norman W. Lewis’ bo; Med tillatelse fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Homage to Malcolm, 1970

Født på landsbygda i Alabama i 1939, Jack Whitten pleide å si at han vokste opp i «amerikansk apartheid». Hans abstrakte stil var forankret i symbolikk. Den tjente som et redskap kunstneren kunne bruke for å konfrontere sine følelser om kultur, politikk og personlig kamp. Whitten døde i januar 2018, men ikke før han fikk se sitt strenge og kraftfulle «Homage to Malcolm» henge i Tate Modern. Han fortalte om skapelsen i dagene rett etter at Malcolm X ble myrdet: «Maleriet for Malcolm, det er symbolsk abstraksjon. Malcolm X hadde en forståelse for den universelle siden av kampen han var en del av. Det er denne omformingen til det universelle som ga ham mer kraft. Det maleriet måtte være mørkt. Det måtte være stemningsfullt. Det måtte være dypt.»

Jack Whitten (1939 - 2018). Homage to Malcolm, 1970. Akryl på lerret, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 tommer (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Med tillatelse fra kunstnerens bo og Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Fremhevet bilde: Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power. Installasjonsbilde fra Brooklyn Museum i New York

Av Phillip Barcio