5 abstrakte kunstverk fra "Soul of a Nation" utstillingen av afroamerikanske kunstnere

Den monumentale utstillingen Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power åpnet denne måneden på Brooklyn Museum i New York. Dette er det tredje stedet for denne ekstraordinære utstillingen, som åpnet på Tate Modern i 2017 og deretter reiste til Crystal Bridges Museum of American Art i Bentonville, Arkansas. Utstillingen inneholder mer enn 150 verk laget av mer enn 60 kunstnere. Den dekker et enormt spekter av medier – fra maleri, tegning og skulptur til tekstiler og plagg – og spenner over mange estetiske posisjoner – fra enkel figuration til Pop Art til ren abstraksjon. Da utstillingen først debuterte på Tate, hadde jeg privilegiet av å sette meg ned med Gerald Williams, medgründer av AFRICOBRA, en innflytelsesrik svart kunstnerkollektiv hvis arbeid er et viktig element i utstillingen. Williams hadde noen fascinerende ting å si om valget kuratorene gjorde for å inkludere så mange abstrakte verk i utstillingen. Han var nysgjerrig på hva seerne ville ha å si om hvordan disse verkene bidrar til samtalen. Så mange modernistiske abstrakte estetiske posisjoner er dypt forankret i historiske transnasjonale svarte estetikk. Og likevel ble svarte abstrakte kunstnere så ofte ignorert av hvitstyrte gallerier på grunn av åpenbare eller subtile fordommer, eller stengt ute fra svartstyrte gallerier fordi arbeidet deres ikke figurativt adresserte svart liv. Det er en enorm glede å se så mange abstrakte kunstnere presentert i Soul of a Nation. Når utstillingen slår seg til ro i sitt nye midlertidige hjem i Brooklyn, fremhever vi fem abstrakte verk å se etter hvis du tilfeldigvis besøker utstillingen, som er åpen til 3. februar 2019.

Wadsworth A. Jarrell, Revolusjonær (Angela Davis), 1971

En av de fem grunnleggerne av AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell, var avgjørende for å danne filosofien til gruppen. Denne filosofien ble skissert i manifestet fra 1969 Ten In Search of a Nation. Ifølge manifestet strakte AFRICOBRA seg etter å lage verk som oppnådde: “1. definisjon—bilder som omhandler fortiden; 2. identifikasjon—bilder som relaterer til nåtiden; og 3. retning—bilder som ser inn i fremtiden.” De viktigste visuelle elementene i stilen deres var bruken av tekst, luminescerende "cool-aid" farger, og en blanding av abstrakte mønstre og positive portretter av svarte mennesker. “Revolutionary (Angela Davis)” formidler spektakulært hver av disse aspektene. I tillegg fremkaller det tidlige modernistiske bevegelser som futurisme og rayonisme med sine dynamiske skarpe vinkler, og post-impressionistiske bevegelser som divisjonisme med sin mobilisering av komplementære former og fargeforhold.

Wadsworth A. Jarrell (amerikansk, født 1929). Revolusjonær (Angela Davis), 1971. Akryl og blandet media på lerret, 64 x 51 tommer (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, gave fra R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris, og Emma L. Hyde, ved bytte, Designated Purchase Fund, Mary Smith Dorward Fund, Dick S. Ramsay Fund, og Carll H. de Silver Fund, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Utseendet til Soul of a Nation i Brooklyn er noe av en hjemkomst for William T. Williams. En av de mest anerkjente og respekterte samtidsamerikanske abstrakte malerne, har Williams undervist i kunst ved Brooklyn College siden 1971—to år etter at han malte "Trane." Denne livlige, geometriske komposisjonen er oppkalt etter den amerikanske jazzkomponisten og musikeren John Coltrane. Den dynamiske naturen til verket fremkaller den livlige, intuitive og helt frie lyden som Coltrane var kjent for. Men dette verket relaterer seg også til en personlig historie Williams har snakket om. Han kommer fra en familie av quiltere. Quiltne hans forfedre laget var dominert av fargerike, lineære, geometriske mønstre. "Trane" er delvis en hyllest til familien, delvis en nik til en musikalsk legende, og delvis et uttrykk for den enestående abstrakte visjonen Williams formidler i sitt arbeid.

William T. Williams (amerikansk, født 1942). Trane, 1969. Akryl på lerret, 108 x 84 tommer (274,3 x 213,4 cm).
The Studio Museum i Harlem, New York. © William T. Williams. Med vennlig hilsen Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Selv om Frank Bowling ble født i Guyana og har britisk statsborgerskap, er hans bidrag til amerikansk abstrakt kunst dyptgående. Bowling kom først til New York på midten av 1960-tallet og ble raskt en av de fremste utøverne av lyrisk abstraksjon. De fleste av verkene hans befinner seg visuelt et sted mellom Abstrakt ekspresjonisme og Fargefeltmaleri. Av og til hjemsøker figurativt bilde, som spøkelsesaktige konturer av kontinenter, bildene hans. "Texas Louise" er et monumentalt verk som omfavner betrakteren i sine glødende, teksturerte røde nyanser. Det ble malt samme år som Bowling publiserte artikkelen Det er ikke nok å si at svart er vakkert i ARTnews. Det stykket tar for seg de komplekse synspunktene Bowling, og mange kunstnere, har hatt om merkelapper som "svart kunst", "svart kunstnere", eller for den saks skyld "abstrakt kunst" og "abstrakte kunstnere." Det er verdt å lese det essayet igjen nå, spesielt hvis du har til hensikt å besøke denne utstillingen og se dette viktige verket.

Frank BowIing (amerikansk, født 1936). Texas Louise, 1971. Akryl på lerret, 111 x 261 3⁄4 tommer (282 x 665 cm).
Med vennlig hilsen fra Rennie-samlingen, Vancouver. © Frank Bowling. Bilde med vennlig hilsen fra kunstneren og Hales Gallery.

Norman Lewis, Processional (også kjent som Procession), 1965

"Processional (også kjent som Prosesjon)" er emblematisk for den signaturferdigheten Norman Lewis hadde til å blande metodene for abstraksjon med symbolske eller filosofiske konsepter. Lewis startet som figurativ maler. Hans abstraksjoner oppsto ofte fra et realistisk utgangspunkt. Dette maleriet har emosjonelle, gestural, kalligrafiske penselstrøk. Tittelen og bildene fremkaller en rekke mennesker som går, og antyder kanskje ideen om en begravelse. Integrert i enhver figurativ lesning av verket er spørsmålet om disse penselstrøkene er ment å antyde mennesker, er menneskene hvite, eller svarte, eller begge? Dette bildet kan representere døden av forestillingen om at det er noen forskjell; eller en prosesjon fremover mot en mer opplyst æra.

Norman Lewis (1909-1979), Processional (også kjent som Prosesjon), 1965. Olje på lerret, 38 3/8 x 57 5/8 tommer (97,5 x 146,4 cm).
Privat samling; © Estate of Norman W. Lewis; Med vennlig hilsen fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Hyllest til Malcolm, 1970

Født i landlige Alabama i 1939, Jack Whitten pleide å si at han vokste opp i "amerikansk apartheid." Hans abstrakte stil var forankret i symbolikk. Den fungerte som et kjøretøy som kunstneren kunne bruke for å konfrontere sine følelser om kultur, politikk og personlig kamp. Whitten døde i januar 2018, men ikke før han kunne se sin sterke og kraftfulle "Hyllest til Malcolm" henge i Tate Modern. Da han minnet om skapelsen i dagene rett etter at Malcolm X ble myrdet, sa Whitten: "Maleri for Malcolm, det er symbolsk abstraksjon. Malcolm X hadde en forståelse av den universelle aspekten av kampen han var involvert i. Det er den konverteringen til det universelle som ga ham mer makt. Det maleriet måtte være mørkt. Det måtte være stemningsfullt. Det måtte være dypt."

Jack Whitten (1939 - 2018). Hyllest til Malcolm, 1970. Akryl på lerret, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 tommer. (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Courtesy kunstnerens bo og Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Utvalgt bilde: Sjelen til en nasjon: Kunst i Black Power-epoken. Installasjonsvisning ved Brooklyn Museum i New York

Av Phillip Barcio