Georg Herold og Det Luminøse Vest ved Kunstmuseum Bonn

De fleste ville sannsynligvis kategorisere Georg Herold som medlem av den såkalte «eldre generasjonen». Han er tross alt 70 år gammel. Og faktisk satte Kunstmuseum Bonn for sju år siden offisielt dette uheldige og noe meningsløse merkelappen på Herold da de inkluderte ham i en ambisiøs gruppeutstilling kalt Det lysende vesten. Utstillingen viste verk av 33 kunstnere, som alle stammet fra Rhinland- og Nordrhein-Westfalen-regionen i Tyskland. Målet med utstillingen var å etablere en sammenhengende visjon av den estetiske arven fra denne delen av Tyskland, og knytte den til en forutseende undersøkelse av hva regionens fremtid kunne bringe. For å gjennomføre denne monumentale oppgaven benyttet museet seg av en unik kuratorisk tilnærming. Først ga de sitt akademiske team på fem personer i oppgave å velge ut 19 kunstnere som representerte det de kalte «den eldre generasjonen». Teamet begynte med det de kalte regionens «historiske kjerne», som besto av fem kunstnere: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter og Blinky Palermo. Deretter valgte de ut ytterligere 14 «eldre» kunstnere, blant dem Georg Herold. Så inviterte museet disse såkalte «eldre» kunstnerne, eller i det minste dem som fortsatt levde, til å anbefale kunstnere fra den «yngre generasjonen» som de mente fortjente å inkluderes i utstillingen. Siden han var 63 år på det tidspunktet, virker det kanskje ikke fornærmende at Georg Herold ble valgt som representant for den eldre generasjonen. Likevel er det noe ved denne betegnelsen som virker feil. Det er ikke så lenge siden Herold var helt ny på kunstscenen. Og den dag i dag forblir verkene hans fascinerende, friske, vittige, respektløse og provoserende – i mange tilfeller langt mer enn verkene til de kronologisk yngre kunstnerne som angivelig representerte fremtiden i Det lysende vesten. Dette blir tydelig demonstrert av den nye monografiske Georg Herold-utstillingen som for tiden vises i de samme lokalene, Kunstmuseum Bonn. Verkene er fortsatt dynamiske og representerer fremdeles den ytterste fronten. Det får meg til å lure på om biologisk alder virkelig bør være det eneste målet på «gammelhet» i kunsten. Som Herold demonstrerer, er det noen ganger gjennom tidens gang at de beste ideene og de mest kraftfulle verkene vokser frem hos en kunstner, og at den fulle betydningen og det fulle potensialet i tidligere verk endelig blir synlig.

En sen debutant

Georg Herold ble født i 1947 i Jena i Tyskland, en universitetsby med rundt 100 000 innbyggere. Hans tidlige utdannelse var som smedlærling, før han begynte på universitetet og startet en seriøs utdannelse for å bli kunstner. Først studerte han ved Kunst- og designuniversitetet i Halle, i byen Halle, nær stedet der han vokste opp. Deretter flyttet han til den sørlige delen av landet, til München, hvor han gikk på Kunstakademiet fra 1974 til 1976. Så dro han nordover til Hamburg, hvor han studerte ved Kunsthøgskolen under Sigmar Polke fra 1977 til 1981. Mens han var i Hamburg, ble Herold kjent med flere andre studentkunstnere, særlig Martin Kippenberger og Albert Oehlen, som allerede hadde begynt å gjøre seg bemerket med sin punkpregede tilnærming til kunstproduksjon.

Sammen med disse nye villstyringene ble Herold omtalt som en av de fremvoksende «bad boys» på den tyske kunstscenen på 1980-tallet. Da han tok eksamen fra universitetet, var Herold 34 år. Likevel ble han regnet som en del av den nye, unge og freidige generasjonen. En av «bad boys»-ene fikk ikke leve lenge. Kippenberger døde i 1997, 44 år gammel, men rakk i løpet av sin korte karriere å få enorm innflytelse på kunstverdenen og nærmest egenhendig redefinere hva det innebar å være samtidskunstner. Oehlen er fortsatt aktiv som kunstner og lærer. Abstraktmaleriene hans er høyt verdsatt, og undersøkelsene hans av kunstneriske prosesser har vist seg å ha enorm innflytelse på nye generasjoner kunstnere. Og så har vi Herold, den eldste av «bad boys»-ene. Han brukte lengst tid på å finne sin form, og har på mange måter motstått kategorisering lengst. Som han en gang sa: «Jeg har til hensikt å nå en tilstand som er tvetydig og åpner for alle slags tolkninger.» I tråd med dette målet trosser hele hans kunstnerskap enhver form for kategorisering, og ingen enkeltverk i det har hittil latt seg tolke entydig.

Georg Herold – Untitled (Caviar), 1990, kaviar, lakk, blekk på lerret, 31 1/2 × 43 1/4 tommer, 80 × 109,9 cm, foto med tillatelse fra Magenta Plains, New York

Å holde fast ved det

Det første kunstverket Georg Herold huskes for, var en tynn trelist av den typen som brukes i byggverk, skrudd fast i veggen. Han kalte verket Präsentation der ersten Latte, eller Presentasjon av den første planken. Verket ble laget i 1977, mens han fortsatt gikk på skole, som en oppgave i en klasse undervist av Sigmar Polke. Verket var, i strengt formelle termer, uangripelig. Det representerte linje og form. Som et tredimensjonalt objekt som hang på veggen, utfordret det maleriets og skulpturens roller. Det var både minimalistisk og konseptuelt. Tittelen antydet noe seremonielt. Materialets historie antydet at det var en bestanddel av noe større som skulle komme. Statusen som readymade påkalte Marcel Duchamp og Robert Rauschenberg. Men det var også noe lekent ved det, og kanskje noe absurd.

Med tiden skulle imidlertid tittelen på dette første verket vise seg å være profetisk. Herold har igjen og igjen vendt tilbake til materialet byggplanker. Han har brukt dem i større skulpturer, hengt dem på veggen i ulike konfigurasjoner, brukt dem som underlag for malerier og andre verk, og brukt dem som råmateriale i konstruksjonen av en serie hjemsøkende figurative skulpturer. For å konstruere disse formene binder Herold byggplanker sammen med tråd og skruer. Deretter spenner han lerret over de sammenbundne stavene for å skape en slags kokong rundt formen av en menneskekropp. Han lar lerretet tørke og krympe over tid, før han maler og lakkerer formen. I noen tilfeller lager han deretter bronseavstøpninger i begrenset opplag av formene. Sett i sammenheng med de tidlige arbeidene hans fra klassen med Sigmar Polke er disse figurative formene poetiske i dybden av sine mulige betydninger. Men selv uten kunnskap om deres materielle opphav fremkaller de et spekter av følelser, fra lidelse til sensualitet. De er både menneskeliggjørende og avmenneskeliggjørende, og fremkaller et mylder av tolkninger, fra bilder av dans til bilder av død.

Georg Herold – Untitled, 2011, lekt, lerret, lakk, tråd og skruer, 115 x 510 x 65 cm, bilde © Saatchi Gallery, alle rettigheter forbeholdt

Kaviar og murstein

En annen serie verk Herold har blitt kjent for, er en samling malerier der fiskerogn brukes som hovedmedium. Disse abstrakte kaviarmaleriene har en rolig, naturlig kvalitet i slekt med koreanske dansaekhwa-malerier. De er nesten monokrome, lett teksturerte og vakre. Men det er mediet som reiser spørsmål. De millioner, kanskje milliardene, av fiskeegg som gikk med til å lage dem, innebærer at de bokstavelig talt er drapsmarker. De kan representere bortkastet potensial i bokstavelig forstand. Samtidig er kaviar bare mat, og ikke akkurat nødvendig mat heller. Det er en dyr luksus. Det finnes potensielt mye å diskutere om hvilket budskap disse maleriene formidler om handel, kunst og utnyttelse. Men kanskje er det ingenting å si. Kanskje de ganske enkelt er vakre malerier.

Georg Herold – Untitled, 2011, kaviar (nummerert), akryl, lakk på lerret, 2 deler, hver 350 x 203 cm, bilde med tillatelse fra Galerie Bärbel Grässlin

Et annet materiale Herold ofte vender tilbake til, er murstein. Han fester murstein direkte på de oppspente lerretsflatene i maleriene sine. Mursteinenes vekt trekker ofte overflaten ned, strekker den og skaper rynker og bølger i stoffet. Uttrykket er ofte som et delvis ødelagt kunstverk. Det ligger en spenning i verket når betrakterne følger med og lurer på om mursteinene til slutt vil falle. Disse verkene virker som katastrofer som bare venter på å inntreffe. De er også fascinerende undersøkelser av materialitet, tekstur, dimensjonalitet og rom. De er morsomme, og på en måte har de til og med en hånlig tone. De er også sublimt tvetydige. Det er et enormt gap mellom det de viser oss og det de forteller oss. Men igjen: De er bare en konstruksjon, enda et skritt videre fra presentasjonen av den første planken. Mest av alt er de friske. De er fortsatt et bevis på at Georg Herold ikke er en kunstner som fortjener å bli stemplet som en del av noen eldre generasjon. Faktisk, med all respekt, gjelder dette ingen levende kunstner.

Georg Herold på Kunstmuseum Bonn kan ses frem til 7. januar 2018.

Fremhevet bilde: Georg Herold – Herrenperspektive (Men's Perspective), 2002, skulptur av taklekter, glass og hyssing, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alle bilder er kun brukt for illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio