Georg Herold og Det Luminøse Vest ved Kunstmuseum Bonn
De fleste ville sannsynligvis kategorisere Georg Herold som et medlem av den såkalte "eldre generasjonen." Han er tross alt 70 år gammel. Og faktisk, for syv år siden ga Kunstmuseum Bonn offisielt Herold den uheldige og noe meningsløse etiketten da de inkluderte ham i en ambisiøs gruppeutstilling kalt The Luminous West. Den utstillingen viste verkene til 33 kunstnere, som alle kom fra Rhineland / Nord-Rhein-Westfalen-regionen i Tyskland. Målet med utstillingen var å etablere en sammenhengende visjon av den estetiske arven fra denne delen av Tyskland, og å knytte den til en prediktiv undersøkelse av hva fremtiden for regionen kan inneholde. For å oppnå denne monumentale oppgaven, adopterte museet en unik kuratorisk tilnærming. Først ga de sitt fem-personers akademiske team i oppdrag å velge 19 kunstnere som representerte, i deres ord, "den eldre generasjonen." Teamet begynte med det de kalte "den historiske kjernen" i regionen, som besto av fem kunstnere: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter og Blinky Palermo. De valgte deretter 14 flere "eldre" kunstnere, blant dem Georg Herold. Deretter inviterte museet disse såkalte "eldre" kunstnerne, eller i det minste de som fortsatt var i live, til å anbefale kunstnere fra "den yngre generasjonen" hvis verk de mente fortjente å bli inkludert i utstillingen. Siden han var 63 på den tiden, kan det kanskje virke som ingen fornærmelse at Georg Herold ble valgt som representant for den eldre generasjonen. Men likevel, noe med den betegnelsen virker feil. Det var ikke så lenge siden Herold var helt ny på scenen. Og til denne dag forblir hans arbeid fascinerende, friskt, vittig, respektløst og provoserende—i mange tilfeller langt mer enn det til de kronologisk yngre kunstnerne som angivelig representerte fremtiden i The Luminous West. Denne fakta blir skarpt synliggjort av den nye monografiske Georg Herold-utstillingen som for tiden vises i det samme rommet, Kunstmuseum Bonn. Arbeidet forblir dynamisk, og fortsetter å representere det nyeste innen kunst. Det får meg til å undre om kanskje biologisk alder ikke bør være det eneste målet for "eldre" i kunsten. Som Herold demonstrerer, er det noen ganger med tidens gang at de beste ideene og de mest kraftfulle verkene dukker opp fra en kunstner, og den fulle betydningen og potensialet av tidligere arbeid endelig blir avslørt.
En sen inngang
Georg Herold ble født i 1947 i Jena, Tyskland, en universitetsby med omtrent 100 000 innbyggere. Hans tidlige opplæring var som smedlærling, etter hvilket han gikk på universitetet og begynte å studere seriøst for å bli kunstner. Han studerte først ved Kunst- og designuniversitetet i Halle, i byen Halle, i nærheten av der han vokste opp. Deretter flyttet han til den sørlige delen av landet, til München, hvor han gikk på Akademiet for fine kunst fra 1974 til 1976. Neste stopp var nordover til Hamburg, hvor han studerte ved Universitetet for fine kunst under Sigmar Polke fra 1977 til 1981. Mens han var i Hamburg, ble Herold kjent med flere andre studentkunstnere, mest fremtredende blant dem Martin Kippenberger og Albert Oehlen, som allerede hadde begynt å gjøre seg bemerket med sin punktilnærming til kunstproduksjon.
Sammen med disse nye ville kunstnerne ble Herold omtalt som en av de fremvoksende "bad boys" i den tyske kunstscenen på 1980-tallet. Da han ble uteksaminert fra universitetet, var Herold 34 år. Likevel ble han ansett som en del av den nye, unge og frekke generasjonen. En av "bad boys" overlevde ikke lenge. Kippenberger døde i 1997, 44 år gammel, men i sin korte karriere vokste han til å utstråle enorm innflytelse over kunstverdenen, og nesten alene gjenoppfant hva det betydde å være en samtidskunstner. Oehlen er fortsatt aktiv i dag som kunstner og lærer. Hans abstrakte malerier er elsket, og hans undersøkelser av prosessen har vist seg å være enormt innflytelsesrike for kommende generasjoner av kunstnere. Og så er det Herold, den eldste av "bad boys". Han tok lengst tid å modnes, og på noen måter har han motstått kategorisering lengst. Som han en gang sa: "Jeg har til hensikt å nå en tilstand som er tvetydig og tillater alle slags tolkninger." Tro mot dette målet, motsetter hans verk enhver og all kategorisering, og ingen enkeltverk innen det har ennå blitt diagnostisert med suksess.
Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York
Holder med det
Det første kunstverket Georg Herold huskes for, var en tynn trelist, typen som brukes i konstruksjon, skrudd til veggen. Han kalte stykket Präsentation der ersten Latte, eller Presentasjon av den første planken. Verket ble produsert i 1977, mens han fortsatt var på skolen, for en oppgave i en klasse undervist av Sigmar Polke. Verket var, i strenge formelle termer, ubestridelig. Det representerte linje og form. Som et tredimensjonalt objekt hengende på veggen, utfordret det rollene til maleri og skulptur. Det var både minimalistisk og konseptuelt. Dets tittel antydet noe seremonielt. Dets historie som materiale antydet at det var en komponent av noe større som skulle komme. Dets status som et funnet objekt påkalte Marcel Duchamp og Robert Rauschenberg. Men det var også noe lunefullt ved det, og kanskje noe absurd.
Men med tiden ville tittelen på det første stykket vise seg å være profetisk. Herold har gang på gang vendt tilbake til materialet av byggeplanker. Han har brukt dem i større skulpturer, han har hengt dem på veggen i forskjellige konfigurasjoner, han har brukt dem som støtter for malerier og andre verk, og han har brukt dem som råmaterialer i konstruksjonen av en serie med gripende, figurative skulpturer. For å konstruere disse formene binder Herold byggeplankene sammen med tråd og skruer. Han strekker deretter lerret over de bundne stokkene for å skape en slags kokong over formen av en menneskekropp. Han lar lerretet tørke og krympe over tid, så maler og lakkere han formen. I noen tilfeller lager han deretter begrensede utgaver av bronseavstøpninger av formene. Sett i konteksten av hans tidlige arbeid i den klassen med Sigmar Polke, er disse figurative formene poetiske i sin dybde av potensielle betydninger. Men selv uten kunnskap om deres materielle essens, fremkaller deres tilstedeværelse et spekter av følelser, fra lidelse til sensualitet. De er både humaniserende og avhumaniserende, og kaller frem utallige tolkninger, fra bilder av dans til bilder av død.
Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved
Kaviar og murstein
Et annet verk Herold er blitt kjent for, er en serie malerier der fiskeegg brukes som det primære mediet. Disse abstrakte kaviar-maleriene har en rolig, naturlig kvalitet i stil med koreanske dansaekhwa-malerier. De er nesten monokromatiske, lett teksturerte og vakre. Men det er mediet deres som reiser spørsmål. De millionene, kanskje milliardene av fiskeegg som gikk inn i deres skapelse, betyr at de er bokstavelige slaktefelt. De representerer potensielt bokstavelig talt bortkastet potensial. På den annen side er kaviar bare mat, og ikke akkurat nødvendig mat heller. Det er en kostbar luksus. Det er potensielt mye å diskutere om hvilket budskap disse maleriene sender om handel, kunst og utnyttelse. På den annen side, kanskje er det ingenting å si. Kanskje er de bare pene malerier.
Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin
Et annet materiale som Herold ofte vender tilbake til, er murstein. Han fester murstein direkte til de strakte lerretsoverflatene på maleriene sine. Vekten av mursteinene trekker ofte ned på overflaten, strekker den og lager rynker og bølger i stoffet. Utseendet er ofte som et delvis ødelagt kunstverk. Det er en spenning iboende i stykket ettersom seerne ser på og lurer på om mursteinene til slutt vil falle. Disse stykkene virker som katastrofer som venter på å skje. De er også fascinerende undersøkelser av materialitet, tekstur, dimensjonalitet og rom. De er morsomme, og på en måte har de til og med en spottende måte over seg. De er også sublimt tvetydige. Det er en stor kløft mellom hva de viser oss og hva de forteller oss. Igjen, de er bare en konstruksjon, et nytt skritt fremover fra presentasjonen av den første planken. Mest bemerkelsesverdig er de friske. De er fortsatt bevis på at Georg Herold ikke er en kunstner som fortjener å bli merket som en del av noen eldre generasjon. Respektfullt, faktisk, ingen levende kunstner er.
Georg Herold ved Kunstmuseum Bonn er å se til 7. januar 2018.
Fremhevet bilde: Georg Herold - Herrenperspektive (Men's Perspective), 2002, Skulptur av takbjelker, glass og snor, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
