Georg Herold og Det Luminøse Vest ved Kunstmuseum Bonn

De fleste vil sannsynligvis plassere Georg Herold i den såkalte «eldre generasjonen». Han er tross alt 70 år gammel. Og faktisk ga Kunstmuseum Bonn ham for syv år siden offisielt dette uheldige og noe meningsløse merket da de inkluderte ham i en ambisiøs gruppeutstilling kalt The Luminous West. Den utstillingen viste verk av 33 kunstnere, alle fra Rhinland / Nord-Rhein-Westfalen-regionen i Tyskland. Målet med utstillingen var å etablere en sammenhengende visjon av den estetiske arven fra denne delen av Tyskland, og knytte den til en forutsigende undersøkelse av hva regionens fremtid kunne bringe. For å gjennomføre denne monumentale oppgaven tok museet i bruk en unik kuratorisk tilnærming. Først ga de sitt fempersoners akademiske team i oppdrag å velge ut 19 kunstnere som representerte, i deres ord, «den eldre generasjonen». Teamet begynte med det de kalte «den historiske kjernen» i regionen, som besto av fem kunstnere: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter og Blinky Palermo. Deretter valgte de 14 flere «eldre» kunstnere, blant dem Georg Herold. Deretter inviterte museet disse såkalte «eldre» kunstnerne, eller i det minste de som fortsatt var i live, til å anbefale kunstnere fra «den yngre generasjonen» som de mente fortjente å bli inkludert i utstillingen. Siden han var 63 på den tiden, virker det kanskje ikke som en fornærmelse at Georg Herold ble valgt som representant for den eldre generasjonen. Men likevel virker noe ved den betegnelsen feil. Det er ikke så lenge siden Herold var helt ny på scenen. Og den dag i dag er hans arbeid fortsatt fascinerende, friskt, vittig, respektløst og provoserende – i mange tilfeller langt mer enn de kronologisk yngre kunstnerne som angivelig representerte fremtiden i The Luminous West. Dette blir tydeliggjort av den nye monografiske Georg Herold-utstillingen som nå vises i samme rom, Kunstmuseum Bonn. Arbeidene er fortsatt dynamiske og fortsetter å representere det fremste innen kunsten. Det får meg til å undres om kanskje biologisk alder ikke bør være det eneste målet på «eldre» i kunsten. Som Herold viser, er det noen ganger med tidens gang at de beste ideene og de mest kraftfulle verkene kommer frem fra en kunstner, og den fulle betydningen og potensialet i tidligere arbeider endelig blir åpenbart.

En sen debut

Georg Herold ble født i 1947 i Jena, Tyskland, en universitetsby med omtrent 100 000 innbyggere. Hans tidlige opplæring var som smedlærling, før han begynte på universitetet og tok kunststudier på alvor. Han studerte først ved Kunst- og designhøyskolen i Halle, i byen Halle, nær der han vokste opp. Deretter flyttet han til den sørlige delen av landet, til München, hvor han gikk på Kunstakademiet fra 1974 til 1976. Deretter dro han nordover til Hamburg, hvor han studerte ved Kunsthøyskolen under Sigmar Polke fra 1977 til 1981. Mens han var i Hamburg, ble Herold kjent med flere andre studentkunstnere, mest fremtredende blant dem Martin Kippenberger og Albert Oehlen, som allerede hadde begynt å gjøre seg bemerket med sin punk-tilnærming til kunst.

Sammen med disse nye ville ble Herold kalt en av de fremvoksende «bad boys» i det tyske kunstmiljøet på 1980-tallet. Da han var ferdig med studiene, var Herold 34 år gammel. Likevel ble han regnet som en del av den nye, unge og frekke generasjonen. En av «bad boys» overlevde ikke lenge. Kippenberger døde i 1997, 44 år gammel, men i sin korte karriere fikk han enorm innflytelse på kunstverdenen og gjenoppfant nesten på egen hånd hva det betydde å være en samtidskunstner. Oehlen er fortsatt aktiv i dag som kunstner og lærer. Hans abstrakte malerier er høyt elsket, og hans undersøkelser av prosess har vist seg å ha stor innflytelse på nye generasjoner kunstnere. Og så er det Herold, den eldste av «bad boys». Han tok lengst tid på å modnes, og på mange måter har han motstått kategorisering lengst. Som han en gang sa, «Jeg har til hensikt å nå en tilstand som er tvetydig og tillater alle slags tolkninger.» Tro mot dette målet, trosser hans livsverk enhver form for kategorisering, og ikke ett enkelt verk i det har hittil blitt entydig tolket.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, kaviar, lakk, blekk på lerret, 80 × 109,9 cm, foto: Magenta Plains, New York

Å holde fast

Det første kunstverket Georg Herold huskes for, var en tynn trelist, den typen som brukes i bygging, skrudd fast på veggen. Han kalte stykket Präsentation der ersten Latte, eller Presentasjon av den første planken. Verket ble laget i 1977, mens han fortsatt gikk på skole, som en oppgave i en klasse ledet av Sigmar Polke. Verket var, i strengt formelle termer, ubestridelig. Det representerte linje og form. Som et tredimensjonalt objekt hengende på veggen utfordret det maleriets og skulpturens roller. Det var både minimalistisk og konseptuelt. Tittelen antydet noe seremonielt. Materialets historie antydet at det var en del av noe større som skulle komme. Statusen som et funnet objekt hentydet til Marcel Duchamp og Robert Rauschenberg. Men det var også noe lunefullt ved det, og kanskje noe absurd.

Men med tiden skulle tittelen på det første stykket vise seg å være profetisk. Herold har gang på gang vendt tilbake til materialet byggplanker. Han har brukt dem i større skulpturer, hengt dem på veggen i ulike konfigurasjoner, brukt dem som støtte for malerier og andre verk, og brukt dem som råmateriale i konstruksjonen av en serie gripende, figurative skulpturer. For å lage disse formene binder Herold byggplanker sammen med tråd og skruer. Deretter strekker han lerret over de bundne stokkene for å skape en slags kokong over formen av en menneskekropp. Han lar lerretet tørke og krympe over tid, før han maler og lakkerer formen. I noen tilfeller lager han deretter bronsegjutninger i begrenset opplag av formene. Sett i sammenheng med hans tidlige arbeid i klassen hos Sigmar Polke, er disse figurative formene poetiske i sin dybde av mulige betydninger. Men selv uten kjennskap til deres materielle essens, vekker deres tilstedeværelse en rekke følelser, fra lidelse til sanselighet. De er både menneskeliggjørende og umenneskeliggjørende, og kaller frem utallige tolkninger, fra bilder av dans til bilder av død.

Georg Herold - Untitled, 2011, planke, lerret, lakk, tråd og skruer, 115 x 510 x 65 cm, bilde © Saatchi Gallery, alle rettigheter forbeholdt

Kaviar og murstein

En annen serie verk som Herold er blitt kjent for, er en serie malerier hvor fiskeegg brukes som hovedmedium. Disse abstrakte kaviarmaleriene har en rolig, naturlig kvalitet i stil med koreanske dansaekhwa-malerier. De er nesten monokromatiske, lett teksturerte og vakre. Men det er mediet som reiser spørsmål. Millionene, kanskje milliardene, av fiskeegg som gikk med til å lage dem, gjør dem til bokstavelige slaktefelt. De kan potensielt representere bokstavelig tapt potensial. På den annen side er kaviar bare mat, og ikke akkurat nødvendig mat heller. Det er en kostbar luksus. Det er mye å diskutere om hva disse maleriene kan si om handel, kunst og utnyttelse. Eller kanskje det ikke er noe å si. Kanskje de bare er pene malerier.

Georg Herold - Untitled, 2011, kaviar (nummerert), akryl, lakk på lerret, 2 deler, hver 350 x 203 cm, bilde med tillatelse fra Galerie Bärbel Grässlin

Et annet materiale Herold ofte vender tilbake til, er murstein. Han fester murstein direkte på de oppstrukne lerretsflatene i maleriene sine. Mursteinenes vekt trekker ofte nedover flaten, strekker den og lager rynker og bølger i stoffet. Utseendet er ofte som et delvis ødelagt kunstverk. Det er en spenning i stykket mens betrakterne ser på og lurer på om mursteinene til slutt vil falle ned. Disse verkene virker som katastrofer som venter på å skje. De er også fascinerende undersøkelser av materialitet, tekstur, tredimensjonalitet og rom. De er morsomme, og på en måte har de til og med en hånlig holdning. De er også sublimt tvetydige. Det er et stort gap mellom hva de viser oss og hva de forteller oss. Men igjen, de er bare en konstruksjon, et nytt steg videre fra presentasjonen av den første planken. Fremfor alt er de friske. De er fortsatt bevis på at Georg Herold ikke er en kunstner som fortjener å bli merket som en del av noen eldre generasjon. Med respekt, faktisk, ingen levende kunstner gjør det.

Georg Herold ved Kunstmuseum Bonn vises til 7. januar 2018.

Forsidebilde: Georg Herold - Herrenperspektive (Mannsperspektiv), 2002, skulptur av taklekter, glass og snøre, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio