Banebrytende, men Glemt - Kunsten til Mark Tobey

Denne sommeren viser Peggy Guggenheim-samlingen i Venezia, Italia, den første store europeiske retrospektive utstillingen av maleriene til Mark Tobey på mer enn 20 år. Utstillingen, med tittelen Mark Tobey: Threading Light, inkluderer 66 store verk skapt av Tobey fra slutten av 1920-tallet til tidlig på 1970-tallet. Utvalget av arbeider forsøker å fremheve de ulike utviklingene Tobey gikk gjennom i sin karriere mens han søkte etter måter å uttrykke menneskets universelle eksistens på. Etter å ha startet sin karriere som kommersiell illustratør og portrettkunstner, gikk han over til maleri i 30-årene. Han begynte med figurative arbeider, men fant snart seg selv engasjert i den modernistiske samtalen om hvordan man kunne utvikle nye estetiske synspunkter. Hans endelige prestasjoner på dette området var enorme, noe som gjør det desto mer merkelig at så mange i dag enten helt har glemt Tobey eller aldri har hørt om ham. Ikke så lenge siden ble han regnet som en av de viktigste og mest innflytelsesrike malerne i verden. Det gjør tidspunktet og stedet for denne nåværende utstillingen spesielt passende. Den er lagt til samtidig med Venezia-biennalen 2017, en subtil påminnelse om at det var på en tidligere Venezia-biennale i 1958 at Mark Tobey skrev historie. Tobey representerte USA på den messen sammen med Mark Rothko. Men mens Rothko kanskje nyter langt mer berømmelse i USA i dag, var det et Tobey-maleri med tittelen Capricorn som vant Venezia bys pris for maleri i 1958 – for øvrig første gang siden den første Venezia-biennalen i 1895 at gullprisen gikk til en amerikansk maler.

Et åpent sinn

Mark Tobey ble født i den amerikanske midtvestbyen Centerville, Wisconsin, i 1890. Selv om han snart forlot Wisconsin, husket han det kjærlig og refererte ofte til landskapet der i sine tidlige malerier. Men i motsetning til mange amerikanske abstrakte malere i hans generasjon som foretrakk å bo og arbeide helt i New York, valgte Mark Tobey å bo og arbeide i Seattle store deler av sitt voksne liv. Det var kanskje dette skjebnesvangre valget som førte til mye av friheten og åpenheten som preget hans utvikling som kunstner. En annen hyppig Seattle-beboer, kampsportutøveren Bruce Lee, hadde en lignende livsinnstilling som Mark Tobey. Lee grunnla en kampstil kalt Jeet Kun Do, som han beskrev som «stilen uten stil», noe som betyr at en fighter bør forkaste dogmer og være åpen for å lære alt mulig, deretter beholde det som fungerer og forkaste det som ikke gjør det. «Stilen uten stil» vokste fram fra læresetninger Lee først lærte mens han studerte zenbuddhisme, og den ligner slående på tilnærmingen Mark Tobey utviklet til maleri mange år tidligere.

Tobey reiste først til Asia på 1930-tallet. Den reisen kom i en tid da han slet som maler med å finne ut hva han skulle gjøre med rom. Han kunne ikke bestemme seg for om han skulle forsøke å oppnå dybde og dimensjon i verkene sine eller forkaste det og i stedet omfavne flathet. Under besøk i Japan, Shanghai og Hongkong fikk han en ny og dyp forståelse av de ulike måtene asiatiske kunstnere har behandlet rom i kunsten sin gjennom historien. Han hadde tidligere allerede lært teknikkene i kinesisk kalligrafi mens han bodde i Seattle på 1920-tallet, men denne reisen ga ham en mer fullstendig bevissthet om hvordan skrift og symbolikk passer inn i de større estetiske tilnærmingene i asiatisk kunst. Denne åpenbaringen åpnet Tobey for ideen om at han ikke bare skulle studere hvordan hans egen kultur lager kunst, men heller åpne seg for å lære alt mulig om hvordan alle forskjellige kulturer lager kunst.

Mark Tobey - Crystallizations, 1944, Iris og B. Gerald Cantor-senteret for visuell kunst ved Stanford University, Mabel Ashley Kizer-fondet, gave fra Mellita og Rex Vaughan, og fondet for moderne og samtidsinnkjøp

Maleri overalt

Kort tid etter hjemkomsten fra Asia skapte Tobey et av sine mest innflytelsesrike malerier, med tittelen Broadway. Det er et noe figurativt uttrykk for formene, fargene og lysene på den berømte gaten i New York. Men det er transformerende i sin tilnærming. Komposisjonen består av hundrevis av små, gestiske, hvite merker. Likheten med skrift er tydelig, men merkene staver ikke noe konkret, og de representerer heller ikke direkte virkelige former. De er stemningsfulle og poetiske. Maleriet regnes i dag som forløperen til en estetisk stil Mark Tobey fortsatte å forfølge på ulike måter gjennom hele sin karriere, som han kalte «hvit skrift».

Broadway ble malt i 1936. I årene som fulgte fortsatte Tobey å utvikle tilnærmingen som definerte dette verket. Han abstraherte sine kalligrafiske merker til det ugjenkjennelige og forkastet snart alle figurative former. Han ble opptatt av å formidle følelser mer enn bare bilder. Viktigst av alt gjorde han det til en regel å dekke hele overflaten på lerretene sine med komposisjoner som ikke ga noen spesiell del av flaten forrang. Denne ideen ble senere fremhevet av kunstkritikeren Clement Greenberg da han beskrev «all-over-bildene» Jackson Pollock laget på 1940-tallet. Men det var Mark Tobey, hvis malerier Pollock hadde sett år tidligere, som banet vei for denne tilnærmingen.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Museum of Modern Art, New York

Skolen uten skole

Mark Tobey kjente utvilsomt Jackson Pollock og alle de andre kunstnerne i New York-skolen. Verk av Tobey var med i utstillingen Fourteen Americans i 1946 ved Museum of Modern Art i New York, en utstilling som også inkluderte Arshile Gorky og Robert Motherwell. Men mens disse New York-kunstnerne og deres forkjemper Greenberg omfavnet myten om at de var en del av fremveksten av en type iboende amerikansk kunst, avviste Tobey dette. Han insisterte på at kunst ikke burde defineres i så snevre termer, eller begrenses av smålige forestillinger som nasjonalisme, politikk, kultur eller geografi. Han nektet å knytte seg til ideen om New York-skolen, selv om hans arbeid så tydelig var en forløper for ideene til dens medlemmer.

I stedet tok Tobey i bruk samme tilnærming som Bruce Lee senere beskrev. Kall det Skolen uten skole. Tobey reiste, leste, eksperimenterte, lærte så mange forskjellige tilnærminger han kunne og beholdt det som fungerte og forkastet det som ikke gjorde det. Han studerte til og med zenbuddhisme og mestret japansk Sumi-e (svart blekk) maleri. Hans åpenhet og søken er tydelig i utvalget av verk som inngår i Mark Tobey: Threading Light, som også inkluderer noen av hans Sumi-e-verk samt ulike malerier som utviklet seg fra teknikken, som City Reflections, som direkte inkorporerer sprutet svart blekk, og Lumber Barons, som mer forsiktig refererer til Sumi-e på en måte som er mer knyttet til hvit skrift.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Museum of Modern Art, NY, The Sidney and Harriet Janis Collection

Et universelt estetisk språk

Bortsett fra hans forakt for nasjonalistiske eller regionale merkelapper, er en annen viktig grunn til at noen kritikere mener Mark Tobey til slutt ble glemt av mange skribenter innen amerikansk kunsthistorie hans åpenbare åndelighet. Ikke for å si at den amerikanske kunstverdenen er et åndelig tomrom: det er åpenbart ikke sant. Men den spesielle formen for åndelighet Tobey sto for, satte ham i konflikt med omtrent alle, fra kunstnere, kuratorer, gallerister og kritikere til folk utenfor kunstverdenen. Tobey tilhørte en tro kjent som Bahá'í. Kjernen i den monoteistiske Bahá'í-religionen er en vedvarende respekt for verdien og betydningen av alle menneskelige religioner, og målet for medlemmene er varig fred gjennom enhet blant alle mennesker. Det kan høres lite kontroversielt ut for en fornuftig person, men religionen insisterer også på at alle religioner stammer fra en enkelt guddommelig kilde, og at alle profeter er like manifestasjoner av samme guddom, tro som motsier kjerneprinsippene i nesten alle store religioner, spesielt kristendom, jødedom og islam.

Når det gjelder den amerikanske kunstverdenen, er det greit å snakke om ånd, som Wassily Kandinsky og Piet Mondrian absolutt gjorde; og det er bra å snakke om universalisme, som Agnes Martin og mange andre gjorde; og det er flott å snakke om overskridelse og ettertanke som Mark Rothko gjorde. Men ordet religion skremmer folk. Amerikanske institusjoner unngår ting som kan true dem kommersielt. Og selv om ting kanskje er annerledes nå, ble åpenbare religiøse agendaer på midten av 1900-tallet vanligvis ikke ansett som bra for forretning. Men Mark Tobey brydde seg aldri om det. Han nølte ikke med å ta opp sine religiøse overbevisninger, og han erklærte ofte at hans mål var å bruke kunsten sin som en måte å bidra til å skape et universelt språk som kunne hjelpe menneskeheten til å oppnå enhet og fred. Men selvfølgelig er det bare spekulasjon om dette er grunnen til at han har blitt oversett i USA. Heldigvis, til tross for avvisningen fra hjemlandet, hadde Tobey en lang og fruktbar karriere andre steder, spesielt i Europa, hvor han ble æret i sin levetid og hvor han i dag regnes som opphavsmannen til bevegelser som Tachisme og Art Informel. Mark Tobey: Threading Light vises på Peggy Guggenheim-samlingen i Venezia, Italia, fram til 10. september 2017.

Mark Tobey - World, 1959, Privat samling, New York

Fremhevet bilde: Mark Tobey - Untitled, Sumi-tegning (detalj), 1944, The Martha Jackson Collection ved The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Av Phillip Barcio