Banebrytende, men Glemt - Kunsten til Mark Tobey

Denne sommeren viser Peggy Guggenheim-samlingen i Venezia, Italia, den første store europeiske retrospektiven av maleriene til Mark Tobey på mer enn 20 år. Utstillingen, med tittelen Mark Tobey: Threading Light, inkluderer 66 store verk laget av Tobey fra slutten av 1920-tallet til tidlig på 1970-tallet. Utvalget av verk har som mål å fremheve de ulike utviklingene Tobey gikk gjennom i sin karriere mens han søkte etter måter å uttrykke universelle aspekter av menneskelig eksistens. Etter å ha startet sin karriere som kommersiell illustratør og portrettkunstner, gikk han over til maleri i 30-årene. Han begynte med figurativt arbeid, men fant snart seg selv engasjert i den modernistiske samtalen om hvordan man kan utvikle nye estetiske synspunkter. Hans endelige prestasjoner i denne henseende var enorme, noe som gjør det enda mer merkelig at så mange mennesker i dag enten har glemt Tobey helt eller aldri har hørt om ham. For ikke så lenge siden ble han ansett som en av de viktigste og mest innflytelsesrike malerne i verden. Dette faktumet gjør tidspunktet og stedet for denne nåværende utstillingen spesielt passende. Den er tidsmessig tilpasset 2017 Venezia-biennalen, en subtil påminnelse om at det var på en tidligere Venezia-biennale i 1958 at Mark Tobey skrev historie. Tobey representerte USA på den utstillingen sammen med Mark Rothko. Men mens Rothko kanskje nyter langt mer berømmelse i dag i USA, var det et Tobey-maleri med tittelen Capricorn som vant 1958 City of Venice-prisen for maleri—den første gangen, for øvrig, siden den første Venezia-biennalen i 1895 at gullprisen gikk til en amerikansk maler.

Et åpent sinn

Mark Tobey ble født i den midtvestlige amerikanske byen Centerville, Wisconsin, i 1890. Selv om han snart forlot Wisconsin, husket han det med glede og refererte ofte til landskapet i sine tidlige malerier. Men i motsetning til mange amerikanske abstrakte malere i sin generasjon som foretrakk å bo og arbeide utelukkende i New York, valgte Mark Tobey i stor grad å bo og arbeide i Seattle i løpet av sitt voksne liv. Det var kanskje det skjebnesvangre valget som førte til mye av friheten og åpenheten som definerte hans utvikling som kunstner. En annen hyppig Seattle-beboer, kampsportutøveren Bruce Lee, hadde et lignende syn på livet som Mark Tobey. Lee grunnla en tilnærming til kamp kalt Jeet Kun Do, som han beskrev som "stilen uten stil", noe som betyr at en kriger bør avvise dogmer og være åpen for å lære alt mulig, deretter beholde det som fungerer og kaste det som ikke gjør det. "Stilen uten stil" vokste ut av læresetninger Lee først lærte mens han studerte zenbuddhisme, og det er slående likt tilnærmingen Mark Tobey utviklet mot maling mange år tidligere.

Tobey reiste først til Asia på 1930-tallet. Den reisen kom i en tid da han slet som maler med å finne ut hva han skulle gjøre med rom. Han kunne ikke bestemme seg for om han skulle forsøke å oppnå dybde og dimensjon i verkene sine, eller om han skulle gi slipp på det og i stedet omfavne flathet. Mens han besøkte Japan, Shanghai og Hong Kong, fikk han en ny og dyp forståelse av de forskjellige måtene asiatiske kunstnere har behandlet rom i sitt arbeid gjennom historien. Han hadde tidligere allerede lært teknikkene til kinesisk kalligrafi mens han bodde i Seattle på 1920-tallet, men denne reisen eksponerte ham for en mer fullstendig bevissthet om hvordan skriving og symbolikk passer inn i de større estetiske tilnærmingene til asiatisk kunst. Denne åpenbaringen åpnet Tobey for ideen om at han ikke bare skulle studere måten hans kultur lager kunst på, men heller åpne seg for å lære alt mulig om måten alle forskjellige kulturer lager kunst på.

Mark Tobey - Krystalliseringer, 1944, Iris og B. Gerald Cantor Senter for Visuell Kunst ved Stanford Universitet, Mabel Ashley Kizer Fond, Gave fra Mellita og Rex Vaughan, og Moderne og Samtidsinnkjøpsfond

Overmaling

Kort tid etter at han kom tilbake fra Asia, skapte Tobey et av sine mest innflytelsesrike malerier, med tittelen Broadway. Det er en noe figurativ uttrykk for formene, fargene og lysene på den berømte gaten i New York. Men det er transformativt i sin tilnærming. Komposisjonen består av hundrevis av små, gestural, hvite merker. Likheten med skriving er klar, men merkene staver ikke noe konkret, og de representerer heller ikke direkte virkelige former. De er evokative og poetiske. Maleriet blir i dag sett på som forløperen til en estetisk stil Mark Tobey ville fortsette å forfølge variert gjennom sin karriere, som han kalte "hvit skriving."

Broadway ble malt i 1936. I de påfølgende årene fortsatte Tobey å utvikle tilnærmingen som definerte dette verket. Han abstraherte sine kalligrafiske merker til de ikke lenger var gjenkjennelige og forlot snart alle figurative former. Han ble forpliktet til å kommunisere følelser mer enn bare bilder. Mest viktig var det at han poengterte å dekke hele overflaten av lerretene sine med komposisjoner som ikke ga preferanse til noe bestemt område av overflaten. Den ideen ble senere fremhevet av kunstkritikeren Clement Greenberg da han beskrev de "all-over bildene" Jackson Pollock laget på 1940-tallet. Men det var Mark Tobey, hvis malerier Pollock hadde sett år tidligere, som var pioneren for denne tilnærmingen.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Museum of Modern Art, New York

Skolen uten skole

Mark Tobey var absolutt kjent med Jackson Pollock og alle de andre kunstnerne fra New York-skolen. Verk av Tobey ble inkludert i utstillingen i 1946 Fourteen Americans ved New York Museum of Modern Art, en utstilling som også inkluderte Arshile Gorky og Robert Motherwell. Men mens disse New York-kunstnerne og deres heier Greenberg omfavnet myten om at de var en del av fremveksten av en type iboende amerikansk kunst, avviste Tobey det konseptet. Han insisterte på at kunst ikke burde defineres i så smale termer, eller være begrenset av smålige forestillinger som nasjonalisme, politikk, kultur eller geografi. Han nektet å assosiere seg med ideen om New York-skolen, selv om arbeidet hans så tydelig var en forløper til ideene til medlemmene.

I stedet adopterte Tobey den samme tilnærmingen som Bruce Lee senere beskrev. Kall det Skolen for Ingen Skole. Tobey reiste, leste, eksperimenterte, lærte så mange forskjellige tilnærminger han kunne, og beholdt det som fungerte og forkastet det som ikke gjorde det. Han studerte til og med Zen-buddhisme og mestret japansk Sumi-e (svart blekk) maleri. Hans åpenhet og søken er tydelig i utvalget av verk som er inkludert i Mark Tobey: Threading Light, som til og med inkluderer noen av hans Sumi-e verk samt forskjellige malerier som utviklet seg fra teknikken, som City Reflections, som direkte inkorporerer sprutet svart blekk, og Lumber Barons, som mer delikat refererer til Sumi-e på en måte som er mer knyttet til hvit skriving.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Museum of Modern Art, NY, Sidney og Harriet Janis-samlingen

Et universelt estetisk språk

Bortsett fra hans forakt for nasjonalistiske eller regionale merkelapper, er en annen hovedgrunn til at noen kritikere mener Mark Tobey til slutt ble glemt av mange skribenter innen amerikansk kunsthistorie knyttet til hans åpenbare spiritualitet. Ikke for å si at den amerikanske kunstverdenen er et åndelig sted: åpenbart er ikke det sant. Men den spesielle typen spiritualitet Mark Tobey forkynte satte ham i konflikt med nesten alle, fra kunstnere, kuratorer, gallerister og kritikere til folk utenfor kunstverdenen. Tobey tilhørte en tro kjent som Bahá'í. Kjerneoverbevisningen i den monoteistiske Bahá'í-religionen er en vedvarende respekt for verdien og verdigheten av alle menneskelige religioner, og målet for medlemmene er varig fred gjennom enhet blant alle mennesker. Det høres kanskje ikke kontroversielt ut for en fornuftig person, men religionen insisterer også på at alle religioner kommer fra en enkelt guddommelig kilde, og at alle profeter er like manifestasjoner av den samme guddommeligheten, overbevisninger som strider mot kjerneprinsippene i nesten hver større religion, spesielt kristendommen, jødedommen og islam.

Når det gjelder den amerikanske kunstverdenen, er det fint å snakke om ånd, slik Wassily Kandinsky og Piet Mondrian absolutt gjorde; og det er bra å snakke om universalisme, slik Agnes Martin og så mange andre gjorde; og det er flott å snakke om transcendenser og kontemplasjon, slik Mark Rothko gjorde. Men ordet religion skremmer folk. Amerikanske institusjoner unngår ting som kan true dem kommersielt. Og selv om ting kan være annerledes nå, ble åpenbare religiøse agendaer på midten av 1900-tallet generelt ikke ansett som bra for forretning. Men Mark Tobey brydde seg aldri om det. Han nølte ikke med å ta opp sine religiøse overbevisninger, og ganske ofte proklamerte han at det var hans mål å bruke kunsten sin som en måte å bidra til skapelsen av et universelt språk som kunne hjelpe menneskeheten med å oppnå enhet og fred. Men selvfølgelig er det bare spekulasjoner om dette er grunnen til at han har blitt neglisjert i USA. Heldigvis, til tross for avvisningen fra hjemlandet, hadde Tobey en lang og fruktbar karriere andre steder, spesielt i Europa, hvor han ble beundret i sin levetid og hvor han i dag anses for å være opphavsmannen til bevegelser som Tachisme og Art Informel. Mark Tobey: Threading Light er utstilt ved Peggy Guggenheim Collection i Venezia, Italia, frem til 10. september 2017.

Mark Tobey - Verden, 1959, Privat samling, New York

Fremhevet bilde: Mark Tobey - Uten tittel, Sumi-tegning (detalj), 1944, The Martha Jackson Collection ved The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Av Phillip Barcio