Hvordan Aaron Siskind Fant Abstraksjon på Gatene
Aaron Siskind var en av de mest innflytelsesrike fotografene i sin generasjon. Denne innflytelsen kom delvis til uttrykk gjennom de ulike undervisningsstillingene Siskind hadde ved noen av de mest anerkjente designskolene i USA, som Black Mountain College, Chicago Institute of Design (også kjent som New Bauhaus) og Rhode Island School of Design. Men allerede før han viet seg til undervisning, hadde Siskind etablert seg som en pioner innen abstrakt fotografi. Han tok opp tråden der eksperimentelle fotografer som Paul Strand, Alvin Langdon Coburn og Jaroslav Rössler slapp, og forvandlet oppfatningen av hva fotografimediet kunne oppnå. I stedet for bare å dokumentere den objektive verden, brukte han mediet til å uttrykke det indre selv og fange det han kalte «objektenes drama».
Virkelighetens formaliteter
Aaron Siskind planla å leve som forfatter da han oppdaget fotografi, nærmest ved en tilfeldighet. Han fikk sitt første kamera som bryllupsgave i 1929, da han var 25 år gammel. Selv om han kom sent til mediet, ble han straks inspirert av dets mulighet til å uttrykke følelser. På bare noen få år gjorde han seg bemerket som en av de fremste dokumentarfotografene i sin generasjon. Hans tidlige talenter kommer tydelig fram i en fotobok han bidro til, kalt The Harlem Document. Boken ble laget av Siskind og flere andre medlemmer av New York Photo League for å formidle livet til de fattige byboerne i Harlem, New York, på 1930-tallet.
Det som skilte Aaron Siskind fra hans medvirkende på The Harlem Document, var hans instinkt for å komponere et bilde. Han tok seg tid til å vurdere ulike perspektiver, i søken etter en komposisjon som ikke bare fanget livets ytre, men også den underliggende følelsen og tyngden i menneskelig erfaring. I hans fotografier av mennesker og bygninger kan man tydelig se hans blikk for det uttrykksfulle potensialet i skyggespill, lys og mørke, og andre formale estetiske og designmessige elementer. Om viktigheten av å bruke tid på å finne det perfekte bildet, sa Siskind en gang: «grupper og omgrupper mens du skifter posisjon. Forholdene trer gradvis fram og noen ganger gjør de seg gjeldende med endelig kraft. Og det er ditt bilde.»
Aaron Siskind - Chicago 22, 1949, foto: Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation
Den abstrakte ekspresjonistiske fotografen
På begynnelsen av 1940-tallet endret Aaron Siskind gradvis fokus i sine fotografiske prosjekter. I stedet for å dokumentere menneskesamfunnet begynte han å ta nærbilder av hverdagslige gjenstander og overflater han fant på gatene. Komposisjonene hans var bevisst abstrakte. Gjennom dem søkte han å formidle ikke bare de fysiske egenskapene til motivene, men også deres evne til å vekke følelser. I 1945 ga han ut en samling av disse verkene kalt The Drama of Objects. Bildene stod i samtale med arbeidet til en gruppe malere i New York som året etter ble kjent som abstrakte ekspresjonister. Mange av dem, som Willem de Kooning, Mark Rothko og Robert Motherwell, ble venner av Siskind etter å ha sett dette arbeidet.
I sine abstrakte verk forsøkte Siskind å inkludere de samme formale estetiske kvalitetene man finner i et abstrakt ekspresjonistisk maleri. Selv om bildene var flate på en fotografisk flate, formidlet han likevel struktur, dybde og perspektiv. Selv om merkene ikke var laget av hans egne bevegelser, uttrykte han likevel energi og kraften i fysiske bevegelser. Selv om han ikke skapte linjene, formene, rytmene og mønstrene i bildene, uttrykte han likevel lyrikken i deres samspill ved å harmonisk finne den perfekte komposisjonen. Og selv om hans abstrakte fotografier hadde tydelig innhold, undergravde han dette innholdet ved å tilby nye tolkninger basert på følelsene bildene vekket.
Aaron Siskind - Rome 62, 1967, foto: Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation
Den nye dokumentaren
Frem til sin død i 1991 utvidet Aaron Siskind sitt virke, og gravde stadig dypere i fotografiets muligheter til å kommunisere på et abstrakt nivå. På slutten av 1950-tallet laget han en serie han kalte Pleasures and Terrors of Levitation. Serien består av høyhastighetsbilder av skyggefulle menneskefigurer frosset i luften i atletiske positurer mot skarpe hvite bakgrunner. På 1970-tallet startet han en ny serie kalt Homage to Franz Kline. Siskind hadde vært venn med den abstrakte ekspresjonistiske maleren Franz Kline fra tidlig på 1950-tallet til Kline døde i 1962, og han hadde beundret kraften i de ikoniske bildene Kline ble kjent for. I Homage to Franz Kline fotograferte Siskind virkelige merker som graffiti på en måte som gjentok de bevegelsene Kline gjorde, og viste lignende drypp og sprut.
Men i stedet for å ta noe bort fra Kline, viser fotografiene Aaron Siskind tok av graffiti den sanne dybden i Klines talent. Graffiti springer ut av lidenskap, og krever fart og list. Kline oppnådde den samme estetikken over tid, på en nøye og omstendelig måte. Hans arbeidsmåte var grundig og krevende, ikke rask og rotete. At han konsekvent klarte å formidle den samme energien, lidenskapen og styrken i sitt atelier som i et rasende malingssprut på en bakgatevegg, er forbløffende. Som fotografiene Siskind tok av menneskekropper i bevegelse, fanget bildene i Homage to Franz Kline følelsen av at abstraksjon er skjult i det dagligdagse. Disse fotografiene var ikke abstraksjoner. De var dokumentariske. De var avbildende. Men de var en ny type dokumentar. De leses som moderne hieroglyfer: stiliserte symboler som kombinerer natur og fortelling; avbildninger av abstraksjon som har mening utover sitt ytre.
Aaron Siskind - Pleasures and Terrors of Levitation 32, 1965 (venstre) og Aaron Siskind - Pleasures and Terrors of Levitation 63, 1962 (høyre), foto: Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation
Utvalgt bilde: Aaron Siskind - Seaweed 11 (detalj), 1947, foto: Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
