Mitchell-Innes og Nash hyller kunsten til Julian Stanczak

Maleren Julian Stanczak døde tidligere i år i hjembyen sin Cleveland, Ohio, i en alder av 88 år. Før hans død hadde Mitchell-Innes og Nash i New York planlagt det som ville ha vært den andre separatutstillingen av hans arbeid i galleriet. Den utstillingen åpnet 18. mai, mindre enn to måneder etter at Stanczak gikk bort, og den har blitt mer enn bare en annen utstilling. Det er en feiring av arbeidet og livet til en virkelig elsket og innflytelsesrik kunstner. Undertittelen til utstillingen er The Life of the Surface, Paintings 1970-1975. Som indikert inneholder den kun verk laget i en femårsperiode på 70-tallet. Men enda viktigere er referansen til livet Stanczak brakte til sitt arbeid, og til kunstverdenen generelt. Som en av forfederne til det som til slutt ble kjent som Op Art, var Stanczak en pioner som oppdaget de ekstraordinære tingene som kan oppnås ved å bruke bare de enkle elementene av farge og linje.

Uhellig oppfinnelse av Op Art

I dag forstås begrepet Op Art av de fleste kunstelskere, kuratorer, lærere og samlere som en type psykedelisk, geometrisk kunst som lurer øyet til å oppfatte bevegelse, rom og lys der det egentlig ikke finnes. Bevegelsen er vanligvis knyttet til en håndfull kjente kunstnere som Bridget Riley og Victor Vasarely, som i de tidlige dager var dens mest profilerte forkjempere. Og samtidspublikummet har en tendens til å oppfatte det som en sammenhengende bevegelse, en der kunstnerne involvert hadde en forstått agenda, eller i det minste beveget seg i en sammenhengende estetisk retning.

Men sannheten om Op Art er langt mindre glamorøs enn det. Begrepet Op Art oppsto fra tittelen på en utstilling av arbeidet til ingen ringere enn Julian Stanczak. Utstillingen var hans første i New York, og ble holdt i Martha Jackson Gallery i 1964. Martha Jackson selv ga utstillingen tittelen Julian Stanczak: Optical Paintings. Da han reiste til New York fra hjemmet sitt i Cleveland for å se utstillingen, fikk Stanczak vite om tittelen for første gang da han så den skrevet på gallerivinduet. I et intervju fra 2011 husket Stanczak: “Jeg sa, ‘Å Gud, hvor får du det fra? Martha, hvordan kan du si optisk?’” Jackson prøvde å roe ham ned ved å svare: “Hei, Julian, dette er noe for kunstkritikerne å tygge på.” Og tygge gjorde de. Faktisk, en ung skulptør ved navn Donald Judd som skrev kritikk for Arts magazine på den tiden, anmeldte utstillingen og i referanse til tittelen myntet han uttrykket Op Art i sin anmeldelse.

Julian Stanczak - Statisk Blå, 1973, Akryl på lerret, 48x120 tommer

Farge og linje

I ettertid virker det faktisk latterlig å utpeke én bestemt type maleri og kalle det optisk. Ordet optisk relaterer seg til ethvert fenomen som eksisterer innenfor det synlige lysspekteret. Men i konteksten av maleriene som ble inkludert i den første Julian Stanczak-utstillingen på Martha Jackson Gallery, ble begrepet tolket ikke bare som å referere til det som er synlig, men snarere som å ha noe å gjøre med optiske illusjoner. Stanczak benyttet kombinasjonen av farge og linje for å gi inntrykk av dybde og bevegelse, og for å antyde at lys strømmet ut fra overflaten av verket. Men ingenting ved verket var et forsøk på å lure noen. Det var rett og slett en undersøkelse av mulighetene for hva farge og linje kunne oppnå på egen hånd.

Hans første tiltrekning til elementene av farge og linje begynte for Stanczak tiår før den første utstillingen i New York, da han var en ung mann i en flyktningleir i Uganda under andre verdenskrig. Han hadde mistet bruken av sin dominerende høyre arm mens han arbeidet i en arbeidsleir, og deretter fikk han den ytterligere skadet av inkompetente armeleger. Skaden satte en stopper for drømmen hans om å bli musiker, så da han kom til Afrika og la merke til skjønnheten og fargene, tok han muligheten til å lære å tegne og male med venstre hånd. Arbeidet hans fra den tiden er ekstraordinært, og viser at selv med sin ikke-dominante hånd hadde han en uvanlig evne til å male fra virkeligheten. Men han hadde ingen ønsker om å male det han hadde sett og opplevd. I stedet søkte han abstrakte emner som kunne hjelpe ham å glemme fortiden og male noe universelt.

Julian Stanczak - Livet til overflaten, malerier 1970 – 1975, installasjonsvisning på Mitchell-Innes og Nash NY, 2017

Kommer til Ohio

Så snart han var i stand til det, kom Stanczak til Amerika hvor han ble med medlemmer av familien sin som bodde i Ohio. Han fant byen Cleveland godt egnet til sine kunstneriske ambisjoner, og oppdaget der et livlig symfoniorkester og kunstmuseum. Han meldte seg på kunstklasser ved Art Academy of Cincinnati, og det var der han virkelig begynte å fokusere spesifikt på fargeelementet. Men han fant raskt ut at ingen på skolen hans kunne lære ham alt han ønsket å vite. Stanczak sa: “Jeg likte fargen. Og jeg ville vite mer om det. Og ingen svarte på spørsmålene mine. Så jeg hørte at Albers er en ekspert. Og hvor underviser han? Oppe på Yale. Så jeg drar til Yale."

Ved å referere til Albers, mente Stanczak Joseph Albers, en av de fremste modernistiske ekspertene på farge. Joseph Albers og hans kone Anni var innflytelsesrike lærere ved Bauhaus før andre verdenskrig. Da nazistene tvang Bauhaus til å stenge, reiste de til Nord-Carolina etter invitasjon for å undervise ved Black Mountain College. Senere flyttet de til Yale. Da han hørte at Albers var den fremste eksperten på farge i verden, søkte Stanczak om opptak til Yale for videreutdanning. Og mens han studerte under Albers, ble han overbevist om at alt han hadde lengtet etter å uttrykke, faktisk kunne uttrykkes med farge, sammen med den enkle tillegg av linje.

Julian Stanczak - Livet til overflaten, malerier 1970 – 1975, installasjonsvisning på Mitchell-Innes og Nash NY, 2017

Det responsive øyet

To år etter hans første utstilling på Martha Jackson Gallery, den som førte til myntingen av begrepet Op Art, arrangerte Museum of Modern Art i New York sin ambisiøse utstilling av geometrisk abstrakt kunst kalt The Responsive Eye. Julian Stanczak var inkludert i utstillingen, sammen med hans lærer ved Yale, Joseph Albers, den før nevnte Bridget Riley og Victor Vasarely, samt 95 andre kunstnere fra 15 land. Den utstillingen har siden blitt berømt for å introdusere Op Art for den bredere offentlige fantasien. Men på den tiden brukte ikke MoMA begrepet Op Art for å referere til arbeidet i utstillingen. I stedet brukte museet begreper som persepsjon for å fremheve deres utforskning av de nye måtene kunstnere brukte geometri, farge, overflate, linje og lys for å undersøke hvordan folk ser.

Som William C. Seits, som ledet utstillingen The Responsive Eye, sa i pressemeldingen for utstillingen, “disse verkene eksisterer mindre som objekter som skal undersøkes enn som generatorer av perseptuelle responser i øyet og sinnet til betrakteren. Ved å bruke bare linjer, bånd og mønstre, flate områder av farge, hvitt, grått eller svart eller rent kuttet tre, glass, metall og plast, etablerer perseptuelle kunstnere et nytt forhold mellom observatøren og et kunstverk. Disse nye typene subjektive opplevelser...er helt reelle for øyet selv om de ikke eksisterer fysisk i verket selv.” The Responsive Eye ga et enormt løft til karrieren til Julian Stanczak, så vel som til mange andre kunstnere i utstillingen. Men Stanczak flyttet ikke til New York, hvor han lett kunne ha nyte enorm berømmelse. I stedet forble han basert i Cleveland, hvor han var professor i maleri i 38 år ved Cleveland Institute of Art.

Julian Stanczak - Livet til overflaten, malerier 1970 – 1975, installasjonsvisning på Mitchell-Innes og Nash NY, 2017

Husker Julian Stanczak

Fra sitt hjem i Cleveland, borte fra kunstverdenens hovedsteder, fortsatte Stanczak å utforske farge og lys i maleriene sine resten av livet. Hans møysommelige prosess med å legge lag av maling med venstre hånd, som ikke var hans dominante hånd, var tidkrevende og arbeidskrevende. Men i prosessen fant han glede og frigjøring, begge deler som stråler i store mengder fra verkene hans. Gjennom tiårene ble maleriene hans anskaffet av nesten 100 museer over hele verden, selv om han stort sett ble ignorert av gallerier i New York.

Men til slutt, i 2004, kom Stanczak tilbake til New York med to påfølgende separatutstillinger på Stefan Stux Gallery. Og i løpet av det neste tiåret deltok han i flere gruppeutstillinger i byen, og ble gradvis igjen fremtredende i bevisstheten til kunstkjøpende publikum. Så i 2014 fikk han sin første utstilling hos Mitchell-Innes & Nash. Den nåværende posthume utstillingen av hans verk har en perfekt undertittel, ettersom Stanczak faktisk tilbrakte et liv med å gi liv til overflatene på maleriene sine. Den varer bare til 24. juni 2017, så skynd deg hvis du vil se den. Men hvis du går glipp av den, ikke bekymre deg. Etter hvert som verden innser geniet den har mistet, vil det sannsynligvis bare være den første utstillingen som feirer arven etter denne mesteren av farge og linje.

Fremhevet bilde: Julian Stanczak - The Life of the Surface, Malerier 1970 – 1975, installasjonsvisning på Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Alle bilder er levert av Mitchell-Innes og Nash

Av Phillip Barcio