Husker de abstrakte tekstildesignene til Lucienne Day
Det er en sjelden prestasjon for en industridesigner å så vel fange tidens ånd at deres design ikke bare ender opp på forbruksvarer, men også blir stilt ut i kunstgallerier og museer. På toppen av denne korte listen står navnet Lucienne Day. I nesten tre tiår midt på 1900-tallet dominerte Day markedet for funksjonelle tekstiler, og oversatte vakkert modernistiske abstrakte billedspråk til nyttige produkter for hverdagslivet. Hun studerte aldri ved Bauhaus, men hennes arbeid var et forbilde for skolens ånd, som hevdet at kunst, arkitektur og design burde arbeide sammen på måter som er relevante for vanlige menneskers daglige liv. Day regnes som den første designeren som fikk sitt arbeid merket med begrepet «Samtidsdesign». Hun vant en stor pris ved Milano Triennalen i 1954, og i 1962 ble hun hedret av Det kongelige kunstakademiet med tittelen Royal Designer for Industry (RDI). Likevel var dette bare en fase i hennes fremragende karriere. Da hun trakk seg fra designbransjen i 1975, begynte Day en ny karriere som abstrakt kunstner, og skapte en ny kunstform hun kalte «Silkemosaikk». I dag blir hennes design oppdaget av en ny generasjon. Hennes klassiske modernistiske mønstre blir gjenutgitt og tolket på nytt for bruk på moderne møbler. Samtidig turnerer utstillingen Lucienne Day: Living Design i Storbritannia, og feirer arven etter denne unike kunstneren med arkivbilder som dokumenterer hennes liv og arbeid.
Å bli Lucienne Day
Désirée Lucienne Lisbeth Dulcie Conradi ble født i Surrey, England, i 1917. Hun sa at hun tidlig var klar over at hun ønsket å studere kunst, men at hun også visste at hun ikke ville leve livet som maler. I stedet ønsket hun å lage ting som kunne nytes og brukes av vanlige folk. Da hun begynte ved Croydon kunstskole som 17-åring, fokuserte hun studiene på tekstilkunst. Som 20-åring, da hun byttet til Royal College of Art, begynte hun å studere verkene til modernistiske abstrakte kunstnere, og begynte å forestille seg hvordan deres teorier og billedspråk kunne oversettes til mønstre og design som kunne brukes på masseproduserte tekstiler, som klær, tepper, gardiner og håndklær.
Lucienne Day: Living Design-utstillingen. © 2018 Arts University Bournemouth
Likevel var Day ikke i godt selskap på den tiden. De fleste designere i hennes generasjon i Storbritannia holdt fast ved tradisjonelle designmetoder, og hadde ingen interesse av å blande sitt arbeid med billedkunsten. Det var først i hennes siste studieår at hun møtte en likesinnet, under en skolefest. En aspirerende møbeldesigner ved navn Robin Day, som hadde fullført RCA to år tidligere, kom tilbake for å delta på festen med venner. Han møtte Lucienne der, og de to innså umiddelbart deres felles beundring for modernistisk design og abstrakt kunst. De giftet seg to år senere, og flyttet inn i et hjem fylt med møbler og tekstiler de laget selv. Deres yrkesambisjoner måtte likevel vente, for Europa var i krig. Mangel på ressurser og andre krigsrelaterte problemer gjorde det umulig å starte en bedrift. Men i 1949 snudde lykken for dem. Lucienne fikk en kontrakt med Heal Fabrics, som til slutt resulterte i internasjonal lansering av mer enn 70 av hennes design, og Robin fikk et partnerskap som førte til at han skapte prisvinnende design for prestisjetunge oppdragsgivere som Royal Festival Hall og OL i Mexico 1968.
Lucienne Day: Living Design-utstillingen. © 2018 Arts University Bournemouth
Å definere tidens estetikk
Det mest kjente og populære designet Lucienne Day skapte, var også et av hennes første. Kalt «Calyx», minner designet om de biomorfe formene brukt i skulpturer av Alexander Calder, og de lekne, bølgende linjene brukt i malerier av Paul Klee. Formene i designet svever i et nesten flatt tomrom, og vekker samtidig tradisjonelle blomsterdesign og banebrytende abstrakt kunst til live. «Calyx» var designet som ga Day gullmedaljen ved Milano Triennalen i 1951. Det ble så populært blant publikum at det solgte langt over forventningene. Suksessen befestet Day som den ledende stemmen i samtidsdesignbevegelsen, og gjorde det mulig for henne å utvide arbeidet til å omfatte håndtrykte tapeter, servietter, bordtekstiler, moteriktige klesstoffer og praktisk talt alle slags hjemmetekstiler man kan tenke seg. Samtidig, mens tidene endret seg og kunstverdenens estetiske tendenser skiftet, holdt Day seg oppdatert, og skapte maleriske design som minner om abstrakt ekspresjonisme, og optisk livlige geometriske mønstre som bringer tankene til arbeider av optiske kunstnere som Bridget Riley.
Lucienne Day: Living Design-utstillingen. © 2018 Arts University Bournemouth
Etter å ha trukket seg fra industridesign, forandret Day sitt kreative liv fullstendig. Hun ga opp tanken på masseproduksjon og begynte i stedet å håndsy silkeveggtepper – hennes «Silkemosaikker». Noen ganger figurative og andre ganger rent abstrakte, formidler disse verkene et personlig billedspråk mer særpreget enn noe Day hadde designet tidligere. I sitt industridesignarbeid var hun alltid nøye med å holde seg innenfor de billedspråkene som allerede var populære blant folk, og brakte tidens kunst inn i folks daglige liv. Med sine «Silkemosaikker» frigjorde hun seg derimot til å uttrykke noe mer personlig. Disse verkene viser en dyp og moden kunnskap om hvordan man blander former, farger, mønstre og figurer til kraftfulle abstrakte komposisjoner. Day designet dem med arkitektoniske omgivelser i tankene, noe som viser at hun også hadde utviklet et skarpt blikk for hvordan billedkunst samarbeider med bygde rom for å aktivere slike miljøer for menneskelig bruk. Lucienne Day døde i 2010, men hennes arv, som legemliggjorde ideen om å blande modernistisk abstraksjon med hverdagsliv, lever videre. Lucienne Day: Living Design vises fra 19. juli til 15. september i Coach House Gallery i Dublin Castle, Irland.
Fremhevet bilde: Lucienne Day: Living Design-utstillingen. © 2018 Arts University Bournemouth
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
