Gleden ved den fargerike abstrakte kunsten på Mnuchin Gallery
Mnuchin Gallery i New York viser for tiden The Joy of Color, en feirende gruppeutstilling av fargerik abstrakt kunst fra 1939 til 2018. Utstillingen gir et unikt innblikk i de mange måtene kunstnere mobiliserer farge som både innhold og konsept. Den inneholder verk av mange av de historisk viktige kunstnerne galleriet representerer, som Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis og Sam Gilliam, sammen med banebrytende kunstnere fra 1900-tallet som Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland og Jack Bush. Også inkludert er malerier av viktige samtidskunstnere som Laura Owens og Sean Scully, samt relativt nye talenter som Sarah Crowner og Nathlie Provosty. For noen New Yorkere kan denne utstillingen representere den perfekte muligheten til å returnere til Mnuchin-rommet. Tilbake i 2016 publiserte kunstkritiker Jerry Saltz fra New York Magazine en tirade med tittelen "Hvorfor jeg ikke lenger skal gå til Mnuchin Gallery." Han siterte Steven Mnuchin—sønn av gallerieier Robert Mnuchin—som ble utnevnt til kampanjefinansieringssjef for den daværende presidentkandidaten Donald Trump som sin grunn. Siden det stykket ble publisert, ble Steven Mnuchin utnevnt til USAs finansminister. Av grunner som ikke har noe med kunst å gjøre, og alt med ideologi, oppfordret Saltz leserne sine til å straffe den kunstselgende faren for de oppfattede politiske syndene til sønnen. Slike fabrikkerte dramaer er latterlige, men likevel, alle som ga etter for det sosiale presset som ble skapt, bør vurdere The Joy of Color som den perfekte unnskyldningen for å gi galleriet en ny sjanse. Utstillingen er mer som en spasertur gjennom den moderne og samtidsdelen av et lite, men viktig museum enn en spasertur gjennom et kommersielt galleri. Verkene demonstrerer nøyaktig hvordan abstrakt kunst på sitt beste har kapasitet til å overskride smålig politikk og åpne nye dører til oppfatningen av hva som er vakkert og meningsfullt i denne verden.
Farge som strategi
Gleden av farge åpner med en beskjeden Calder-mobil hengende fra taket ved en trapp. Røde, gule, hvite og grå abstrakte former snurrer forsiktig i brisen som våre kropper og åndedrag lager. Calder brukte farge for å få folk til å tenke på "ideen om frakoblede kropper som flyter i rommet." Disse lekne fargede formene tilbyr noe å glede seg over mens man kontemplerer universelle spørsmål som fysikk og mekanikk. Utover mobilen flankerer to små malerier hver side av en buegang. Til venstre er "Lode" (2018) av Nathlie Provosty. Til høyre er et untitled fargefelt av Mark Rothko, ca. 1959. Begge komposisjonene er strukturerte, flate og rektangulære. Begge bruker subtile skift i farge for å invitere betrakteren inn i en kontemplativ opplevelse. Farge er ikke innhold her så mye som det er et inngangspunkt til en perseptuell møte med vårt indre vesen. Provosty-maleriet spesielt, med sine subtile variasjoner av gult, avdekker nyanserte forskjeller mellom tilsynelatende like ting—bare ved å generalisere kan vi kalle det en monokrom. Hver gul er ikke den samme.
Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olje på lin på aluminiumsplate. 19 x 15 tommer (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Med vennlig hilsen Mnuchin Gallery
Andre malerier i utstillingen som bruker farge som en strategi for å engasjere andre typer innhold inkluderer "Aleph Series V" (1960) av Morris Louis, "Landline Green Bolt" (2018) av Sean Scully, et uten tittel maleri av Laura Owens fra 2006, og et uten tittel lerret fra Joan Mitchell fra 1958. Louis-maleriet tiltrekker våre øyne med vibrerende fargeforhold rundt kanten, men når fargene smelter inn i mørket i sentrum, blir vi mer oppmerksomme på overflaten: det ugrunnet lerretet blir ett med malingen akkurat som fargene og formene blir ett med hverandre - alt smelter sammen til ett. Scully-maleriet bruker farge for å engasjere oss i en vurdering av penselstrøk og teksturer, en invitasjon til å sette pris på de materielle kvalitetene til malingen. Owens-maleriet bruker farge som en følelsesmessig utløser. Den jubilerende paletten speiler de figurative aspektene av verket, som gleder seg over femininitet, åpenhet og natur. Til slutt viser de tumultuariske penselstrøkene på Mitchell-lerretet oss hvordan farge kan bli synonymt med humør, og uttrykke den dypeste angsten i den menneskelige ånd.
Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olje på aluminium. 85 x 75 tommer (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Med vennlig hilsen Mnuchin Gallery
Farge som rom
Mange malerier i The Joy of Color bruker farge i en mer formell forstand, og viser farge som en effektiv skaper og avgrenser av visuell plass. "Nature’s Red Impressions" (1968) av Alma Thomas tilbyr en episk forklaring av dette konseptet. Fra avstand erklærer fargene en lineær struktur, som deler den visuelle arkitekturen i vertikale stenger. Ved nærmere undersøkelse brister søylene inn i en mengde organiske former. Det hvite rommet mellom formene og søylene hevder seg som en verden utenfor overflaten. Lignende magi er i arbeid i "Strawberry" (1970) av Jack Bush. En massiv, rosa "U"-form ekkoer med sin nyanse tittelen på maleriet, mens en lysere rosa bakgrunn prikket med mørke flekker etablerer dimensjonalitet. En komplementær fargebånd langs bunnen av lerretet både flater ut rommet og lurer øyet til å sanse en kombinasjon av horisontlinje og en kinetisk parade av geometriske former.
Alma Thomas - Naturens røde inntrykk, 1968. Akryl på lerret. 51 x 49 1/2 tommer (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Med vennlig hilsen Mnuchin Gallery
Blant de mest iøynefallende romlige komposisjonene i utstillingen er "Elberta" (1975) av Helen Frankenthaler, "Mysteries: Aglow" (2002) av Kenneth Noland, og "The Wave (Urszula)" (2014) av Sarah Crowner. Frankenthaler skaper stor åpenhet i sitt soak-stained maleri, som åpner øyet for et ekspansivt og lysende visuelt univers; Noland oppnår det motsatte, ved å forenkle og sentralisere rommet med sin kjente bullseye-komposisjon; Crowner organiserer rommet i harmonisk dissonans med vibrerende, biomorfe røde og oransje bølgeformer. Likevel kommer den mest dyptgripende skapelsen av rom fra "Atmosphere" (1972) av Sam Gilliam. Hans signaturteknikk med å skråkantene på overflaten hans lar fargene skape rom utover de fysiske grensene til verket. Maleriet inviterer oss til å undre oss over hva som ligger utenfor grensene for det vi kan se—en vital bekymring for oss i denne tiden, og en som kanskje til og med Mr. Saltz ville ønske å stikke innom galleriet for å vurdere. The Joy of Color er å se frem til 8. desember 2018.
Fremhevet bilde: The Joy of Color - gruppeutstilling på Mnuchin Gallery, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Med tillatelse fra Mnuchin Gallery
Av Phillip Barcio
