Gleden ved den fargerike abstrakte kunsten på Mnuchin Gallery

Mnuchin-galleriet i New York viser for tiden The Joy of Color, en feirende gruppeutstilling av fargerik abstrakt kunst fra 1939 til 2018. Utstillingen gir et unikt innblikk i de mange måtene kunstnere bruker farge som både innhold og idé. Den viser verk av mange av de historisk viktige kunstnerne galleriet representerer, som Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis og Sam Gilliam, sammen med pionerer fra 1900-tallet som Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland og Jack Bush. Også med er malerier av viktige samtidskunstnere som Laura Owens og Sean Scully, samt relativt nye navn som Sarah Crowner og Nathlie Provosty. For noen newyorkere kan denne utstillingen være den perfekte anledning til å vende tilbake til Mnuchin-lokalet. Tilbake i 2016 publiserte New York Magazines kunstkritiker Jerry Saltz et utbrudd med tittelen «Hvorfor jeg ikke går til Mnuchin-galleriet lenger.» Han oppga Steven Mnuchin – sønn av gallerieier Robert Mnuchin – som ble utnevnt til leder for kampanjefinansiering for daværende presidentkandidat Donald Trump, som årsak. Siden den artikkelen kom ut, ble Steven Mnuchin utnevnt til USAs finansminister. Av grunner som ikke har noe med kunst å gjøre, men alt med ideologi, oppfordret Saltz sine lesere til å straffe kunstselgeren for sønnens oppfattede politiske synder. Slike oppdiktede dramaer er latterlige, men likevel bør alle som ga etter for det sosiale presset, se på The Joy of Color som den perfekte unnskyldningen for å gi galleriet en ny sjanse. Utstillingen er mer som en vandring gjennom den moderne og samtidsdelen av et lite, men viktig museum enn en tur gjennom et kommersielt galleri. Verkene viser nettopp hvordan abstrakt kunst på sitt beste har evnen til å overskride smålig politikk og åpne nye dører for oppfatningen av hva som er vakkert og meningsfullt i denne verden.

Farge som strategi

The Joy of Color åpner med en enkel Calder-mobil hengende fra taket ved en trapp. Røde, gule, hvite og grå abstrakte former snurrer forsiktig i brisene som skapes av våre bevegelser og pust. Calder brukte farge for å få folk til å tenke på «ideen om løse legemer som svever i rommet.» Disse lekne fargede formene gir noe å glede seg over mens man funderer over universelle spørsmål som fysikk og mekanikk. Bak mobilen flankeres en bueåpning av to små malerier. Til venstre er «Lode» (2018) av Nathlie Provosty. Til høyre er et untitlet fargefelt av Mark Rothko, ca. 1959. Begge komposisjonene er strukturerte, flate og rektangulære. Begge bruker subtile fargeforskyvninger for å invitere betrakteren inn i en ettertenksom opplevelse. Farge er her ikke så mye innhold som en inngangsport til en sanselig møte med vårt indre vesen. Provosty-maleriet spesielt, med sine subtile nyanser av gult, viser nyanserte forskjeller mellom tilsynelatende like ting – bare ved å generalisere kan vi kalle det en monokrom. Ikke alle gule er like.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olje på linlerret på aluminiumsplate. 48,3 x 38,1 cm (19 x 15 tommer). © Nathlie Provosty. Med tillatelse fra Mnuchin Gallery

Andre malerier i utstillingen som bruker farge som strategi for å engasjere andre typer innhold inkluderer «Aleph Series V» (1960) av Morris Louis, «Landline Green Bolt» (2018) av Sean Scully, et untitlet maleri av Laura Owens fra 2006, og et untitlet lerret av Joan Mitchell fra 1958. Louis-maleriet fanger blikket vårt med vibrerende farger langs kanten, men når fargene smelter sammen til mørke i midten, blir vi mer oppmerksomme på overflaten: det ugrunnede lerretet blir ett med malingen, akkurat som fargene og formene smelter sammen – alt flyter sammen til ett. Scully-maleriet bruker farge for å engasjere oss i betraktning av penselstrøk og teksturer, en invitasjon til å sette pris på malingens materielle egenskaper. Owens-maleriet bruker farge som en følelsesmessig utløser. Den jubelende paletten speiler de figurative aspektene ved verket, som gleder seg over kvinnelighet, åpenhet og natur. Til slutt viser de voldsomme penselstrøkene på Mitchell-lerretet hvordan farge kan bli synonymt med stemning, og uttrykke den innerste angst i menneskets ånd.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olje på aluminium. 215,9 x 190,5 cm (85 x 75 tommer). © Sean Scully. Med tillatelse fra Mnuchin Gallery

Farge som rom

Mange malerier i The Joy of Color bruker farge i en mer formell forstand, og viser farge som en effektiv skaper og avgrenser av synlig rom. «Nature’s Red Impressions» (1968) av Alma Thomas gir en episk forklaring på dette begrepet. På avstand erklærer fargene en lineær struktur som deler den visuelle arkitekturen i vertikale søyler. Ved nærmere ettersyn sprekker søylene opp i en mengde organiske former. Det hvite rommet mellom formene og søylene hevder seg som en verden utenfor overflaten. Liknende magi virker i «Strawberry» (1970) av Jack Bush. En massiv, rosa «U»-form gjenspeiler i sin farge maleriets tittel, mens en lysere rosa bakgrunn med mørke flekker skaper dybde. En komplementær fargelinje langs bunnen av lerretet både flater ut rommet og lurer øyet til å oppfatte en kombinasjon av horisontlinje og en bevegelsesrik parade av geometriske former.

Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. Akryl på lerret. 129,5 x 125,7 cm (51 x 49 1/2 tommer). © Alma Thomas. Med tillatelse fra Mnuchin Gallery

Blant de mest iøynefallende romkomposisjonene i utstillingen er «Elberta» (1975) av Helen Frankenthaler, «Mysteries: Aglow» (2002) av Kenneth Noland, og «The Wave (Urszula)» (2014) av Sarah Crowner. Frankenthaler skaper stor åpenhet i sitt gjennomfargede maleri, og åpner øyet for et vidstrakt og lysende visuelt univers; Noland oppnår motsatt effekt ved å forenkle og sentrere rommet med sin velkjente måltavlekomposisjon; Crowner organiserer rommet i harmonisk dissonans med vibrerende, biomorfe røde og oransje bølgeformer. Likevel er den mest dyptgripende romskaping gitt av «Atmosphere» (1972) av Sam Gilliam. Hans kjennetegnsteknikk med å skråskjære kantene på overflaten lar fargene skape rom utover verkets fysiske grenser. Maleriet inviterer oss til å undre oss over hva som ligger utenfor det vi kan se – en viktig sak for oss i vår tid, og noe kanskje selv herr Saltz burde ta turen til galleriet for å tenke over. The Joy of Color vises til og med 8. desember 2018.

Utvalgt bilde: The Joy of Color - gruppeutstilling ved Mnuchin Gallery, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Med tillatelse fra Mnuchin Gallery
Av Phillip Barcio