Met utforsker den dype arven etter abstrakt ekspresjonisme

The Met Fifth Avenue i New York åpnet denne uken Epic Abstraction: Pollock to Herrera. Med mer enn 50 store verk av noen av de mest fengslende abstrakte kunstnerne fra det siste århundret, fortjener utstillingen sitt navn fordi den utforsker virkningen av storslått skala. Storslåtthet uttrykkes noen ganger gjennom massive kunstverk — som den galleri-dominerende skulpturen “Mrs. N’s Palace” (1964–77) av Louise Nevelson — noen ganger gjennom store ideer — som bruken av automatisk tegning for å skape malerier som kanaliserer det ubevisste sinnets hemmeligheter — og noen ganger gjennom teknisk metode, slik som i det enormt komplekse sammensatte arbeidet til Thornton Dial. Samtidig refererer undertittelen på utstillingen, Pollock to Herrera, til to generelle ideer. Den første er teorien om at arbeidet Jackson Pollock gjorde på 1940-tallet, tiåret utstillingen starter med, markerte et havskifte i abstrakt kunst: et øyeblikk da større virkelig begynte å bli sett på som bedre. For det andre at arbeidet til relativt underkjente kunstnere som Carmen Herrera — den cubanskfødte minimalistiske kunstneren som, i en alder av 101 år, fikk sin første retrospektive utstilling ved Whitney Museum of American Art i 2016 — er like viktig som arbeidet til de velkjente superstjernene. Faktisk vises det verk av mange underbelyste kunstnere, som den nevnte funn-objekt-samlekunstneren Thornton Dial; den beryktede Gutai-gruppemedlemmet Kazuo Shiraga, som skapte det banebrytende (bokstavelig talt) performanceverket “Challenging the Mud” (1955); og den nyskapende ungarske abstrakte maleren Ilona Keserü. Utstillingen strekker seg også til nåtiden med verk av yngre abstrakte kunstnere som Chakaia Booker og Mark Bradford. En annen grunnleggende antakelse kuratorene fremhever i sin forklaring for utstillingen, er at eksistensiell angst var drivkraften som inspirerte abstrakte kunstnere til å begynne å lage storslåtte verk for 70 år siden. Utstillingen kan dermed få deg til å spørre: har episk abstraksjon gjort noe for å lindre vår angst? Eller har den bare hjulpet oss til å akseptere eksistensiell uro som grunnleggende for vår menneskelige tilstand?

En plass i historien

Rekkefølgen av kjente kunstnere som inngår i Epic Abstraction vil begeistre enhver kunsthistorieentusiast: i tillegg til gigantene nevnt ovenfor, finnes det verk av Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold og Morris Louis. Og det finnes mange eksempler på verk av kunstnere som vil være nye for de fleste besøkende, som den japanske kalligrafiske abstraksjonskunstneren Inoue YÅ«ichi, den filippinske abstrakte kunstneren Alfonso Ossorio, minimalistiske skulptøren Anne Truitt og den argentinske fargegeniet Alejandro Puente. Likevel, bortsett fra omfanget av denne historiske overfloden, er det jeg fant mest episk med kurateringen hvordan to verk spesielt faktisk undergraver den fortellingen som skjuler seg i undertittelen på utstillingen. Ved å liste Pollock og Herrera og skille dem ut fra alle de andre kunstnerne, synes det for meg som om kuratorene antyder at abstrakt ekspresjonisme og minimalisme er de mest innflytelsesrike retningene som vurderes, og at maleri er hovedfokuset i utstillingen. Men arbeidet, metodene og prestasjonene til Pollock og Herrera, så fantastiske som de er, er ikke engang i nærheten av å være de mest episke i denne utstillingen.

Den æren, etter min mening, tilfaller Louise Nevelson og Thornton Dial. Nevelson-skulpturen som vises vil få de som aldri har sett hennes arbeid før til å spørre hvorfor i all verden noen snakker om Pollock når Nevelson var hans samtidige. Hennes arbeid er mer teknisk krevende, mer konseptuelt spennende og mer relevant for New Yorks ånd, hvor både hun og Pollock arbeidet. Pollock brøt, for alle praktiske formål, litt ny grunn ved å låne og perfeksjonere ideer og metoder fra andre kunstnere. Så, etter å ha blitt berømt for å ta det neste logiske steget, fordi han var venn med en innflytelsesrik kritiker, ødela Pollock seg selv. Hans malerier er fengslende, men Nevelson oppnådde mye mer enn Pollock, var mer original og arbeidet mye lenger, og etterlot seg en langt mer spennende og tankevekkende arv av kunst og ideer.

En lenge savnet stemme

Så er det Thornton Dial. Hans “Shadows of the Field” (2008) er, etter mitt syn og min tanke, et av de mest gripende verkene i utstillingen. Dets episke natur ligger i materialene, konstruksjonen, fargene og de skjulte verdener — både fysiske og metafysiske — som lurer i formen. Sammensatt av funnet og forkastet avfallsmateriale, er stykket ment å fremkalle arven etter andelsjordbruk, det urettferdige og ofte brutale jordbrukssystemet Dial ble født inn i i 1928. En massiv sammensetning av snøre, syntetisk bomullsvatt, sekkestoff, blikkplater, tøyfiller og metall, har det en fysisk tilstedeværelse av utmattelse. Det legemliggjør sammensmeltingen av hardhet og sårbarhet. Skapt da kunstneren var 80 år gammel, vitner det også om hans selvlærte håndverk. Mens Pollock ble rik og druknet seg selv i døden, levde Dial i fattigdom, arbeidet seg i hjel bare for å overleve i et rasistisk samfunnssystem som holdt de fleste svarte amerikanere ute av museer, ikke bare som kunstnere, men til og med som betalende besøkende.

Kanskje vil andre definisjoner av hva som er episk dukke opp etter hvert som denne utstillingen beveger seg fremover i tid, og andre enda mer kraftfulle og spennende verk vil komme til — utstillingsdatoene er tross alt åpne, og verkene som vises, hentet fra den faste samlingen til The Met, vil bli byttet ut med jevne mellomrom. Men for nå gir “Shadows of the Field,” som er ett av ti verk av Dial som Met nylig har anskaffet, det mest episke utsagnet. Det sier at en uskolert svart andelsbonde fra sør laget noen av de mest kraftfulle og meningsfulle abstrakte kunstverkene de siste 70 årene, og overgikk arbeidet til kunstnere som hadde langt mer privilegier og muligheter enn ham. Det signaliserer også at selv om angst kanskje virkelig er en uunngåelig del av vår menneskelige tilstand, kan kunsten som springer ut av den være, og ofte er, en frelsende nåde.

Utvalgt bilde: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Malt tre, speil, 140 x 239 x 180 tommer (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, gave fra kunstneren, 1985 © 2018 Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Av Phillip Barcio