Met utforsker den dype arven etter abstrakt ekspresjonisme

Met Fifth Avenue i New York åpnet Epic Abstraction: Pollock to Herrera denne uken. Utstillingen har mer enn 50 store verk av noen av de mest fengslende abstrakte kunstnerne fra det siste århundret, og den får navnet sitt fordi den utforsker virkningen av grandios skala. Grandiositet uttrykkes noen ganger gjennom massive kunstverk — som den galleri-dominerende Louise Nevelson-skulpturen "Mrs. N’s Palace" (1964–77) — noen ganger gjennom massive ideer — som det å bruke automatisk tegning for å lage malerier som kanaliserer hemmelighetene til det ubevisste sinnet — og noen ganger gjennom teknisk metode, som med det enormt komplekse assemblage-arbeidet til Thornton Dial. I mellomtiden refererer undertittelen til utstillingen, Pollock to Herrera, til to generelle ideer. Den første er teorien om at arbeidet Jackson Pollock gjorde på 1940-tallet, tiåret der kurateringen begynner, betydde en sjøforandring i verden av abstrakt kunst: et øyeblikk da større virkelig begynte å bli ansett som bedre. For det andre at arbeidet til relativt undervurderte kunstnere som Carmen Herrera — den kubanskfødte minimalistiske kunstneren som, i en alder av 101, fikk sin første retrospektivutstilling på Whitney Museum of American Art i 2016 — er like viktig som arbeidet til de kjente superstjernene. Faktisk er det verk på visning av mange underutstilte kunstnere, som den nevnte funnet-objekt assemblage-kunstneren Thornton Dial; den beryktede Gutai Group-medlemmet Kazuo Shiraga, som skapte det banebrytende (bokstavelig talt) performanceverket "Challenging the Mud" (1955); og den innovative ungarske abstrakte maleren Ilona Keserü. Kurateringen strekker seg også til nåtiden med verk av yngre abstrakte kunstnere som Chakaia Booker og Mark Bradford. Den andre kjerneantagelsen kuratorene uttaler i sin didaktikk for utstillingen, er at eksistensiell angst var den drivende kraften som inspirerte abstrakte kunstnere til å begynne å lage episke verk for 70 år siden. Utstillingen kan da få deg til å spørre: har episk abstraksjon gjort noe for å lindre vår angst? Eller har den bare hjulpet oss med å akseptere eksistensiell angst som grunnleggende for vår menneskelige tilstand?

Et sted i historien

Rullekallet av kjente kunstnere inkludert i Epic Abstraction vil få enhver kunsthistorieentusiast til å bli begeistret: i tillegg til gigantene nevnt ovenfor, finnes det verk av Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold, og Morris Louis. Og det finnes mange eksempler på verk av kunstnere som vil være nye for de fleste besøkende, som den japanske kalligrafiske abstraksjonisten Inoue Yūichi, den filippinske abstrakte kunstneren Alfonso Ossorio, minimalistskulptøren Anne Truitt, og den argentinske kromatiske genien Alejandro Puente. Likevel, bortsett fra omfanget av dette historiske angrepet, er det jeg fant mest episk med kurateringen hvordan to verk spesielt faktisk undergraver den fortellingen som skjuler seg innen undertittelen til utstillingen. Ved å liste Pollock og Herrera og skille dem fra alle de andre kunstnerne, virker det for meg som om kuratorene antyder at Abstrakt ekspresjonisme og Minimalisme er de mest innflytelsesrike bevegelsene som vurderes, og at maleri er det primære fokuset for utstillingen. Men verkene, metodene og prestasjonene til Pollock og Herrera, så fantastiske som de er, er ikke engang i nærheten av å være de mest episke i denne utstillingen.

Den æren, etter min mening, går til Louise Nevelson og Thornton Dial. Nevelson-skulpturen som er utstilt, vil få seere som aldri har møtt hennes arbeid før til å spørre seg hvorfor i all verden noen snakker om Pollock når Nevelson var hans samtidige. Hennes arbeid er mer teknisk strengt, mer konseptuelt interessant, og mer relevant for ånden i New York, hvor både hun og Pollock arbeidet. Pollock, for alle praktiske formål, brøt litt ny grunn ved å låne og perfeksjonere ideene og metodene til andre kunstnere. Så etter å ha blitt berømt for å ta det neste logiske steget, fordi han var venn med en innflytelsesrik kritiker, selvdestruerte Pollock. Maleriene hans er fengslende, men Nevelson oppnådde mye mer enn Pollock, var mer original, og arbeidet i mye lengre tid, og etterlot seg en langt mer interessant og tankevekkende arv av kunst og ideer.

En lenge savnet stemme

Så er det Thornton Dial. Hans "Shadows of the Field" (2008) er, etter mine øyne og mitt sinn, det mest gripende verket i utstillingen. Dens episke natur er inneholdt i materialene, konstruksjonen, fargene og de skjulte verdenene — både fysiske og metafysiske — som lurer innenfor formen. Samlet fra funnet og kastet avfallsmateriale, er stykket ment å fremkalle arven etter andelsbruk, det urettferdige og ofte brutale systemet for jordbruk som Dial ble født inn i i 1928. En massiv samling av snor, syntetisk bomullsvatt, jute, metallplater, klutrester og metall, har det en fysisk tilstedeværelse av utmattelse. Det legemliggjør sammensmeltingen av hardhet og sårbarhet. Laget da kunstneren var 80 år gammel, motbeviser det også hans selvlærte hånd. Faktisk, mens Pollock ble rik og drakk seg selv i hjel, levde Dial i fattigdom, og jobbet seg til beinet bare for å overleve i et rasistisk sosialt system som holdt de fleste svarte amerikanere ute fra museer, ikke bare som kunstnere, men til og med som betalende besøkende.

Kanskje vil det, etter hvert som denne utstillingen går fremover i tid, dukke opp andre definisjoner av hva som er episk, og andre enda mer kraftfulle og mer fascinerende verk vil komme inn i kampen — utstillingsdatoene er tross alt åpne, og verkene som vises, hentet fra den permanente samlingen til The Met, vil bli byttet ut periodisk. Men for nå, "Shadows of the Field," som er et av ti verk av Dial som Met nylig har anskaffet, gir den mest episke uttalelsen. Den sier at en utrent svart andelsbonde fra Sør laget noen av de mest kraftfulle og meningsfulle abstrakte kunstverkene de siste 70 årene, og overgikk arbeidet til kunstnere som hadde langt mer privilegium og mulighet enn ham. Den signaliserer også at selv om angst kanskje er en uunngåelig del av vår menneskelige tilstand, kan kunsten som strømmer fra den være, og ofte er, en frelsende nåde.

Utvalgt bilde: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Malt tre, speil, 140 x 239 x 180 tommer (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, Gave fra kunstneren, 1985 © 2018 Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Av Phillip Barcio