5 Abstrakcyjnych Dzieł Sztuki z Wystawy 'Dusza Narodu' Artystów Afroamerykańskich

Monumentalna wystawa Soul of a Nation: Sztuka w Erze Czarnej Władzy została otwarta w tym miesiącu w Brooklyn Museum w Nowym Jorku. To trzecie miejsce, w którym prezentowana jest ta niezwykła ekspozycja, która miała premierę w Tate Modern w 2017 roku, a następnie trafiła do Crystal Bridges Museum of American Art w Bentonville w Arkansas. Wystawa prezentuje ponad 150 dzieł stworzonych przez ponad 60 artystów. Obejmuje ogromny zakres mediów — od malarstwa, rysunku i rzeźby po tkaniny i stroje — oraz obejmuje liczne stanowiska estetyczne — od prostego przedstawienia po Pop Art i czystą abstrakcję. Gdy wystawa po raz pierwszy pojawiła się w Tate, miałem zaszczyt porozmawiać z Geraldem Williamsem, współzałożycielem AFRICOBRA, wpływowego kolektywu czarnoskórych artystów, którego prace stanowią ważny element wystawy. Williams miał fascynujące spostrzeżenia na temat decyzji kuratorów, by uwzględnić tak wiele abstrakcyjnych dzieł w pokazie. Był ciekaw, co widzowie powiedzą o tym, jak te prace wzbogacają dyskusję. Wiele modernistycznych stanowisk abstrakcyjnych jest mocno zakorzenionych w historycznych, ponadnarodowych czarnych estetykach. A jednak tak często w czasach świetności modernizmu czarnoskórzy artyści abstrakcyjni byli ignorowani przez galerie prowadzone przez białych z powodu jawnych lub subtelnych uprzedzeń albo wykluczani z galerii prowadzonych przez czarnoskórych, ponieważ ich prace nie odnosiły się dosłownie do życia czarnoskórych. To ogromna przyjemność widzieć tak wielu abstrakcyjnych artystów w Soul of a Nation. Gdy wystawa osiedla się w swoim nowym tymczasowym domu w Brooklynie, przedstawiamy pięć abstrakcyjnych dzieł, na które warto zwrócić uwagę, jeśli zdecydujesz się odwiedzić wystawę, która będzie dostępna do 3 lutego 2019 roku.

Wadsworth A. Jarrell, Rewolucjonistka (Angela Davis), 1971

Jeden z pięciu założycieli AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell odegrał kluczową rolę w kształtowaniu filozofii grupy. Filozofia ta została przedstawiona w manifeście z 1969 roku Dziesięciu w Poszukiwaniu Narodu. Według manifestu AFRICOBRA dążyła do tworzenia dzieł, które osiągają: „1. definicję — obrazy odnoszące się do przeszłości; 2. identyfikację — obrazy odnoszące się do teraźniejszości; oraz 3. kierunek — obrazy patrzące w przyszłość”. Kluczowymi elementami wizualnymi ich stylu były użycie tekstu, świetliste „cool-aid” kolory oraz mieszanka abstrakcyjnych wzorów i pozytywnych portretów czarnoskórych ludzi. „Rewolucjonistka (Angela Davis)” spektakularnie oddaje każdy z tych aspektów. Dodatkowo przywołuje wczesne ruchy modernistyczne, takie jak futuryzm i rajonizm, dzięki dynamicznym ostrym kątom, oraz postimpresjonistyczne ruchy, takie jak dywizjonizm, poprzez mobilizację komplementarnych kształtów i relacji kolorystycznych.

Wadsworth A. Jarrell (Amerykanin, ur. 1929). Rewolucjonistka (Angela Davis), 1971. Akryl i techniki mieszane na płótnie, 64 x 51 cali (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, dar R. M. Atwatera, Anny Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Josepha Fiebiger, Belle Campbell Harris i Emmy L. Hyde, w ramach wymiany, Fundusz Zakupowy, Fundusz Mary Smith Dorward, Fundusz Dicka S. Ramsay oraz Fundusz Carlla H. de Silver, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Zdjęcie: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Pojawienie się Soul of a Nation w Brooklynie jest pewnego rodzaju powrotem do domu dla Williama T. Williamsa. Jeden z najbardziej uznanych i szanowanych współczesnych amerykańskich malarzy abstrakcyjnych, Williams wykładał sztukę na Brooklyn College od 1971 roku — dwa lata po namalowaniu „Trane”. Ta żywa, geometryczna kompozycja nosi imię amerykańskiego kompozytora i muzyka jazzowego Johna Coltrane’a. Dynamiczny charakter dzieła przywodzi na myśl żywy, intuicyjny i całkowicie wolny dźwięk, z którego Coltrane był znany. Jednak ta praca odnosi się także do osobistej historii, o której Williams mówił. Pochodzi z rodziny tworzącej kołdry. Kołdry, które tworzyli jego przodkowie, charakteryzowały się kolorowymi, liniowymi, geometrycznymi wzorami. „Trane” jest częściowo hołdem dla rodziny, częściowo ukłonem w stronę muzycznej legendy, a częściowo wyrazem wyjątkowej abstrakcyjnej wizji, którą Williams przekazuje w swoich pracach.

William T. Williams (Amerykanin, ur. 1942). Trane, 1969. Akryl na płótnie, 108 x 84 cale (274,3 x 213,4 cm).
Muzeum Studio w Harlemie, Nowy Jork. © William T. Williams. Za zgodą Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nowy Jork

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Chociaż Frank Bowling urodził się w Gujanie i posiada brytyjskie obywatelstwo, jego wkład w amerykańską sztukę abstrakcyjną jest głęboki. Bowling przybył do Nowego Jorku w połowie lat 60. i szybko stał się jednym z czołowych przedstawicieli lirycznej abstrakcji. Większość jego prac zajmuje wizualną przestrzeń gdzieś pomiędzy Ekspresjonizmem abstrakcyjnym a malarstwem pola barwnego. Od czasu do czasu w jego obrazach pojawiają się figuralne motywy, jak widmowe kontury kontynentów. „Texas Louise” to monumentalne dzieło, które otacza widza swoim świecącym, fakturowanym czerwonym odcieniem. Zostało namalowane w tym samym roku, w którym Bowling opublikował artykuł Nie wystarczy powiedzieć, że czarne jest piękne w ARTnews. Tekst ten porusza złożone poglądy Bowinga i wielu artystów na etykiety takie jak „czarna sztuka”, „czarni artyści” czy też „sztuka abstrakcyjna” i „artyści abstrakcyjni”. Warto przeczytać ten esej ponownie, zwłaszcza jeśli planujesz odwiedzić tę wystawę i zobaczyć to ważne dzieło.

Frank Bowling (Amerykanin, ur. 1936). Texas Louise, 1971. Akryl na płótnie, 111 x 261 3⁄4 cala (282 x 665 cm).
Za zgodą kolekcji Rennie, Vancouver. © Frank Bowling. Zdjęcie dzięki uprzejmości artysty i Hales Gallery.

Norman Lewis, Procesja (znana też jako Procesjonal), 1965

„Procesja (znana też jako Procesjonal)” jest symbolem charakterystycznej zdolności Normana Lewisa do łączenia metod abstrakcji z symboliką lub koncepcjami filozoficznymi. Lewis zaczynał jako malarz figuratywny. Jego abstrakcje często wywodziły się z realistycznego punktu wyjścia. Ten obraz cechują emocjonalne, gesturalne, kaligraficzne pociągnięcia pędzla. Tytuł i obraz przywodzą na myśl szereg idących ludzi, sugerując być może ideę pogrzebu. Integralną częścią każdej figuratywnej interpretacji dzieła jest pytanie, czy te pociągnięcia pędzla mają sugerować ludzi, to czy są to ludzie biali, czarni, czy oboje? Ten obraz może symbolizować śmierć przekonania o istnieniu różnic albo procesję ku bardziej oświeconej epoce.

Norman Lewis (1909-1979), Procesja (znana też jako Procesjonal), 1965. Olej na płótnie, 38 3/8 x 57 5/8 cala (97,5 x 146,4 cm).
Własność prywatna; © Spadkobiercy Normana W. Lewisa; Za zgodą Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nowy Jork, NY

Jack Whitten, Hołd dla Malcolma, 1970

Urodzony na wiejskiej Alabamie w 1939 roku, Jack Whitten mawiał, że dorastał w „amerykańskim apartheidzie”. Jego abstrakcyjny styl był zakorzeniony w symbolice. Służył jako środek, za pomocą którego artysta mógł zmierzyć się ze swoimi uczuciami dotyczącymi kultury, polityki i osobistych zmagań. Whitten zmarł w styczniu 2018 roku, ale zdążył jeszcze zobaczyć swoje surowe i potężne dzieło „Hołd dla Malcolma” wiszące w Tate Modern. Wspominając jego powstanie w dniach tuż po zamachu na Malcolma X, Whitten powiedział: „Obraz dla Malcolma to symboliczna abstrakcja. Malcolm X rozumiał uniwersalny aspekt walki, w której uczestniczył. To przejście do uniwersalnego dało mu większą siłę. Ten obraz musiał być ciemny. Musiał być ponury. Musiał być głęboki.”

Jack Whitten (1939 - 2018). Hołd dla Malcolma, 1970. Akryl na płótnie, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 cala (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Za zgodą spadkobierców artysty i Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Zdjęcie: Christopher Burke)

Zdjęcie główne: Soul of a Nation: Sztuka w Erze Czarnej Władzy. Widok instalacji w Brooklyn Museum w Nowym Jorku

Autor: Phillip Barcio