5 Abstrakcyjnych Dzieł Sztuki z Wystawy 'Dusza Narodu' Artystów Afroamerykańskich

Monumentalna wystawa Dusza Narodu: Sztuka w Erze Czarnej Mocy otworzyła się w tym miesiącu w Brooklyn Museum w Nowym Jorku. To trzecia lokalizacja tej niezwykłej wystawy, która zadebiutowała w Tate Modern w 2017 roku, a następnie przeniosła się do Crystal Bridges Museum of American Art w Bentonville, Arkansas. Wystawa prezentuje ponad 150 prac stworzonych przez ponad 60 artystów. Obejmuje ogromny zakres mediów – od malarstwa, rysunku i rzeźby po tekstylia i odzież – i obejmuje liczne pozycje estetyczne – od prostego figurowania po Pop Art i czystą abstrakcję. Kiedy wystawa po raz pierwszy zadebiutowała w Tate, miałem przyjemność usiąść z Geraldem Williamsem, współzałożycielem AFRICOBRA, wpływowej czarnej grupy artystycznej, której prace są istotnym elementem wystawy. Williams miał wiele fascynujących rzeczy do powiedzenia na temat wyboru, jaki kuratorzy podjęli, aby uwzględnić tak wiele abstrakcyjnych prac w wystawie. Był ciekaw, co widzowie powiedzą na temat tego, jak te prace wnoszą do rozmowy. Tak wiele modernistycznych pozycji estetycznych w abstrakcji jest głęboko zakorzenionych w historycznych transnarodowych estetykach czarnych. A jednak tak często w czasach świetności modernizmu, czarni artyści abstrakcyjni byli ignorowani przez galerie prowadzone przez białych z powodu jawnych lub subtelnych uprzedzeń, lub wykluczani z galerii prowadzonych przez czarnych, ponieważ ich prace nie odnosiły się figuralnie do czarnego życia. To ogromna przyjemność widzieć tak wielu artystów abstrakcyjnych prezentowanych w Dusza Narodu. Gdy wystawa osiedla się w swoim nowym tymczasowym domu w Brooklynie, wyróżniamy pięć abstrakcyjnych prac, na które warto zwrócić uwagę, jeśli zdecydujesz się odwiedzić wystawę, która będzie czynna do 3 lutego 2019 roku.

Wadsworth A. Jarrell, Rewolucjonista (Angela Davis), 1971

Jednym z pięciu założycieli AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell był kluczowy w formowaniu filozofii grupy. Ta filozofia została nakreślona w manifeście z 1969 roku Ten In Search of a Nation. Zgodnie z manifestem, AFRICOBRA dążyło do tworzenia dzieł, które osiągnęły: „1. definicję—obrazy, które odnoszą się do przeszłości; 2. identyfikację—obrazy, które odnoszą się do teraźniejszości; oraz 3. kierunek—obrazy, które patrzą w przyszłość.” Kluczowymi elementami wizualnymi ich stylu były użycie tekstu, luminescencyjne kolory „cool-aid” oraz mieszanka abstrakcyjnych wzorów i pozytywnych portretów czarnoskórych ludzi. „Revolutionary (Angela Davis)” spektakularnie przekazuje każdy z tych aspektów. Dodatkowo, przywołuje wczesne ruchy modernistyczne, takie jak futuryzm i rayonizm, dzięki swoim dynamicznym ostrym kątom, oraz ruchy postimpresjonistyczne, takie jak dywizjonizm, dzięki mobilizacji komplementarnych kształtów i relacji kolorystycznych.

Wadsworth A. Jarrell (Amerykanin, ur. 1929). Rewolucyjny (Angela Davis), 1971. Akryl i mieszane media na płótnie, 64 x 51 in. (162,6 x 129,5 cm). Muzeum Brooklyn, Dar R. M. Atwatera, Anny Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Josepha Fiebigera, Belle Campbell Harris i Emmy L. Hyde, w ramach wymiany, Fundusz Zakupu, Fundusz Mary Smith Dorward, Fundusz Dicka S. Ramsaya i Fundusz Carlla H. de Silvera, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Zdjęcie: Muzeum Brooklyn)

William T. Williams, Trane, 1969

Pojawienie się Soul of a Nation w Brooklynie jest pewnego rodzaju powrotem do domu dla Williama T. Williamsa. Jako jeden z najbardziej utalentowanych i szanowanych współczesnych amerykańskich malarzy abstrakcyjnych, Williams uczy sztuki w Brooklyn College od 1971 roku — dwa lata po namalowaniu „Trane”. Ta żywa, geometryczna kompozycja nosi nazwisko amerykańskiego kompozytora jazzowego i muzyka Johna Coltrane'a. Dynamiczny charakter dzieła przywołuje żywy, intuicyjny i całkowicie wolny dźwięk, z którego Coltrane był znany. Ale to dzieło odnosi się również do osobistej historii, o której Williams mówił. Pochodzi z rodziny quiltów. Koce, które stworzyli jego przodkowie, były zdominowane przez kolorowe, liniowe, geometryczne wzory. „Trane” jest częściowo hołdem dla rodziny, częściowo ukłonem w stronę muzycznej legendy i częściowo wyrazem wyjątkowej abstrakcyjnej wizji, którą Williams przekazuje w swojej pracy.

William T. Williams (Amerykanin, ur. 1942). Trane, 1969. Akryl na płótnie, 108 x 84 in. (274,3 x 213,4 cm).
Muzeum Studio w Harlemie, Nowy Jork. © William T. Williams. Dzięki uprzejmości Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nowy Jork

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Chociaż Frank Bowling urodził się w Gujanie i ma brytyjskie obywatelstwo, jego wkład w amerykańską sztukę abstrakcyjną jest głęboki. Bowling po raz pierwszy przyjechał do Nowego Jorku w połowie lat 60. i szybko stał się jednym z czołowych przedstawicieli lirycznej abstrakcji. Większość jego prac zajmuje wizualną przestrzeń gdzieś pomiędzy Ekspresjonizmem Abstrakcyjnym a Malowaniem Pola Kolorów. Czasami figuralne obrazy, jak upiorne kontury kontynentów, nawiedzają jego prace. „Texas Louise” to monumentalne dzieło, które pochłania widza swoimi świecącymi, teksturowanymi czerwonymi odcieniami. Zostało namalowane w tym samym roku, w którym Bowling opublikował artykuł Nie wystarczy powiedzieć, że czarny jest piękny w ARTnews. Ten tekst porusza złożone poglądy, jakie Bowling i wielu artystów mieli na temat etykiet takich jak „sztuka czarna”, „artyści czarni” czy „sztuka abstrakcyjna” i „artyści abstrakcyjni”. Warto przeczytać ten esej ponownie teraz, zwłaszcza jeśli zamierzasz odwiedzić tę wystawę i zobaczyć to ważne dzieło.

Frank BowIing (Amerykanin, urodzony w 1936 roku). Texas Louise, 1971. Akryl na płótnie, 111 x 261 3⁄4 in. (282 x 665 cm).
Uprzejmość Kolekcji Rennie, Vancouver. © Frank Bowling. Obraz dzięki uprzejmości artysty i Hales Gallery.

Norman Lewis, Procesjonal (znany również jako Procesja), 1965

„Processional (znany również jako Procesja)” jest emblematyczny dla charakterystycznej zdolności Normana Lewisa do łączenia metod abstrakcji z symbolicznymi lub filozoficznymi koncepcjami. Lewis zaczynał jako malarz figuratywny. Jego abstrakcje często wyłaniały się z realistycznego punktu wyjścia. Ten obraz charakteryzuje się emocjonalnymi, gesturalnymi, kaligraficznymi pociągnięciami pędzla. Tytuł i obraz przywołują na myśl linię ludzi idących, sugerując być może ideę pogrzebu. Integralną częścią każdej figuratywnej interpretacji dzieła jest pytanie, czy te pociągnięcia pędzla mają sugerować ludzi, czy są to ludzie biali, czarni, czy obydwa? Ten obraz mógłby reprezentować śmierć pojęcia, że istnieje jakakolwiek różnica; lub procesję naprzód w kierunku bardziej oświeconej ery.

Norman Lewis (1909-1979), Procesjonalny (znany również jako Procesja), 1965. Olej na płótnie, 38 3/8 x 57 5/8 cali (97,5 x 146,4 cm).
Kolekcja prywatna; © Majątek Normana W. Lewisa; Dzięki uprzejmości Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nowy Jork, NY

Jack Whitten, Hołd dla Malcolma, 1970

Urodzony na wiejskim Alabamie w 1939 roku, Jack Whitten zwykł mówić, że dorastał w "amerykańskim apartheidzie". Jego abstrakcyjny styl był zakorzeniony w symbolizmie. Służył jako środek, za pomocą którego artysta mógł zmierzyć się ze swoimi uczuciami na temat kultury, polityki i osobistych zmagań. Whitten zmarł w styczniu 2018 roku, ale nie przed tym, jak mógł zobaczyć swoje surowe i potężne "Hołd dla Malcolma" wiszące w Tate Modern. Przypominając sobie jego stworzenie w dniach tuż po zamachu na Malcolma X, Whitten powiedział: "Obraz dla Malcolma, to symboliczna abstrakcja. Malcolm X miał zrozumienie uniwersalnego aspektu walki, w którą był zaangażowany. To przekształcenie w uniwersalne dało mu większą moc. Ten obraz musiał być ciemny. Musiał być nastrojowy. Musiał być głęboki."

Jack Whitten (1939 - 2018). Hołd dla Malcolma, 1970. Akryl na płótnie, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 cali. (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Uprzejmość spadkobierców artysty oraz Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Zdjęcie: Christopher Burke)

Obraz wyróżniający: Dusza narodu: Sztuka w erze czarnej siły. Widok instalacji w Muzeum Brooklyn w Nowym Jorku

Autor: Phillip Barcio