Muzeum w Tasmanii gromadzi założycieli ruchu sztuki Zero

Australijski kolekcjoner sztuki i magnat hazardowy David Walsh niedawno otworzył przełomową wystawę ruchu Zero w swoim Muzeum Starej i Nowej Sztuki (MONA) w Hobart, Tasmania. Wystawa zatytułowana ZERO prezentuje prace 16 artystów z siedmiu krajów, z których kilka zostało zainstalowanych po raz pierwszy od ich debiutu sprzed ponad pół wieku. Dodatkową dramaturgię dla odwiedzających oraz zachętę do podróży do tego odległego miejsca stanowi otoczenie, w którym odbywa się ta monumentalna wystawa. MONA znajduje się głównie pod ziemią. Budynek jest zbudowany kilka kondygnacji pod parą charakterystycznych budynków autorstwa australijskiego modernistycznego architekta Roya Groundsa. W przeciwieństwie do większości innych muzeów, które dopuszczają naturalne światło i starają się, by odwiedzający czuli się, jakby byli w otwartej, przyjaznej przestrzeni, MONA jest zdecydowanie nienaturalna, a czasem nawet nieco nieprzyjazna. Po wejściu zwiedzający schodzą do nieco obcego środowiska, gdzie siła architektury często konkuruje ze sztuką, którą ma wspierać. Jednak przestrzeń ta skłania również widzów do szukania pociechy u siebie nawzajem oraz w dziełach. W pewnym sensie to miejsce jest idealne do prezentacji prac artystów Zero, ponieważ ucieleśnia dwie ich podstawowe idee: że sztuka dotyczy możliwości i nieznanego oraz że powinna angażować prawdziwe doświadczenia między ludźmi, materiałami i przestrzenią.

Ocaleni przez Zero

Ruch Zero założyli Heinz Mack i Otto Piene w 1957 roku z pragnienia rozpoczęcia od nowa. Podobnie jak wielu ich współczesnych, Mack i Piene dążyli do ucieczki od przeszłości oraz od egotyzmu i emocji, które zdominowały dużą część sztuki ich czasów. W Düsseldorfie, gdzie mieszkali i pracowali, było niewiele galerii sztuki. A gdzie indziej gusta rynku skłaniały się ku dziełom wyrażającym rodzaj „kultu indywidualności”, uosabianym przez estetyczne stanowiska wyrażające osobiste emocje, takie jak tachizm, art informel oraz abstrakcyjny ekspresjonizm. Mack i Piene uważali współpracę za ważniejszą niż indywidualizm. Wierzyli, że wartość sztuki tkwi w doświadczeniu, które może wywołać między twórcami, widzami, materiałami i otoczeniem. Czuli, że tradycyjny, pojedynczy obiekt stworzony przez artystę jest martwy i chcieli zapoczątkować nowy punkt wyjścia, z którego mogłaby zakorzenić się przyszłość.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouetki), lata 60.; odtworzone w 2012 roku. Kolekcja More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

Mack i Piene zorganizowali swoją pierwszą wystawę tego, co uważali za przyszłość sztuki, 11 kwietnia 1957 roku w swoim atelier. Była to jednodniowa impreza mająca na celu objęcie efemeryczności. Wystawa wzbudziła ogromne zainteresowanie i szybko została uzupełniona o kolejne eksperymentalne, jednodniowe pokazy. Jednak dopiero po czwartej wystawie, we wrześniu 1957 roku, wymyślili słowo Zero, by opisać swoją współpracę. Słowo to miało wyrażać ideę, że przeszłość oficjalnie się zakończyła — był to punkt wyjścia dla przyszłości. Jak opisał to Piene: „Postrzegaliśmy ten termin... jako słowo oznaczające strefę ciszy i czystych możliwości nowego początku, jak podczas odliczania startu rakiet — zero to niezmierzalna strefa, w której stary stan przechodzi w nowy.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum (Pokój rozbijania butelek), 1961; odtworzone w 2018 roku. Kolekcja Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Prawa autorskie: Adolf Luther Stiftung. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

ZERO, nie Zero

Pomimo otwartości ruchu, Mack i Piene mieli jeden dziwny wymóg. Zastrzegli, że pisząc o nich, założycieli należy nazywać „Zero”, podczas gdy inni związani z ruchem artyści powinni być określani jako „ZERO”. Dlatego wystawa w MONA używa wielkich liter — ponieważ prezentuje głównie prace szerszej międzynarodowej sieci artystów związanych z tą filozofią. Niemniej jednak, jak jasno pokazuje ZERO w MONA, w ruchu nie było outsiderów. Wszyscy byli mile widziani. Nie istniał manifest Zero ani oficjalne członkostwo. Takie podejście zaowocowało powstaniem ogromnej różnorodności dzieł tworzonych przez artystów ZERO, co na tej wystawie ukazuje odtworzenie takich przełomowych prac ZERO jak „Pokój rozbijania butelek” (1961) Adolfa Luthora oraz „Środowisko lustrzane” (1963) Christiana Megerta. Przyjazne nastawienie ruchu jest również widoczne na tej wystawie poprzez udział artystów z wielu innych międzynarodowych nurtów, które Zero pomogło zainspirować, takich jak Grupa Gutai w Japonii, Nowy Realizm w Paryżu, Światło i Przestrzeń w Stanach Zjednoczonych oraz międzynarodowy ruch znany jako Fluxus. Dowodem tych powiązań są rzadkie prace takich artystów jak Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein i Yayoi Kusama, które ukazują aspekty ich twórczości znacznie różniące się od tych, z których są najbardziej znani.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Kolekcja Kern, Großmaischeid. Prawa autorskie: Spadkobiercy Roya Lichtensteina/ Copyright Agency, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości artysty i Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

Jednym z najważniejszych aspektów tej wystawy jest to, że ponownie skupia współczesną uwagę na potrzebie odnowy sztuki współczesnej. Mimo że założyciele Zero oficjalnie rozwiązali ruch w 1966 roku, ruch, który rozpoczęli, nigdy tak naprawdę się nie zakończył. Wystawa ta sugeruje również coś jeszcze ważniejszego: ideę, że być może ruch sztuki Zero nigdy tak naprawdę się nie zaczął. Być może nie był to ruch wymyślony w jednym miejscu i czasie, lecz raczej część znacznie większego kontinuum sięgającego nieskończenie wstecz, do pierwszej chwili, gdy ludzie zapragnęli użyć zjawisk wizualnych, by sięgnąć poza siebie ku czemuś czystemu i nowemu. Prace na wystawie ZERO w MONA są tak świeże i tak żywotne, nawet teraz, że inspirują mnie do wiary, iż ZERO może trwać nadal, ilekroć grupy artystów zbierają się, by wspólnie tworzyć dzieła estetyczne wykraczające poza oczekiwania lub to, co już jest znane. W tej chwili, w rzeczywistości, ta wystawa i przesłanie, które niesie, są niezbędne. Przypomina nam o kluczowej zasadzie sztuki Zero: że sztuka to doświadczenia i relacje między ludźmi, ich otoczeniem oraz wspólnymi wysiłkami wyobrażania sobie lepszej przyszłości. ZERO w MONA jest dostępne do 22 kwietnia 2019 roku.

Zdjęcie główne: Gianni Colombo - Spazio elastico (Elastyczna przestrzeń), 1967–68. Kolekcja Archiwum Gianniego Colombo, Mediolan © Archiwum Gianniego Colombo. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

Autor: Phillip Barcio