Muzeum w Tasmanii gromadzi założycieli ruchu sztuki Zero

Australijski kolekcjoner sztuki i magnat hazardowy David Walsh niedawno otworzył przełomową wystawę ruchu Zero w swoim Muzeum Starej i Nowej Sztuki (MONA) w Hobart, Tasmania. Wystawa zatytułowana ZERO prezentuje prace 16 artystów z siedmiu krajów, z których wiele zostało zainstalowanych po raz pierwszy od ich debiutu ponad pół wieku temu. Dodatkową atrakcją dla odwiedzających, a także większą motywacją do podróży do tego odległego miejsca, jest otoczenie, w którym odbywa się ta monumentalna wystawa. MONA jest w większości podziemna. Budynek został wzniesiony kilka pięter poniżej pary charakterystycznych budynków australijskiego modernistycznego architekta Roya Groundsa. W przeciwieństwie do większości innych muzeów, które przyjmują naturalne światło i starają się sprawić, by odwiedzający czuli się w otwartej, przyjaznej przestrzeni, MONA jest zdecydowanie nienaturalna, a czasami nawet nieco nieprzyjazna. Po wejściu, odwiedzający schodzą do nieco obcego otoczenia, w którym siła architektury często konkuruje ze sztuką, którą ma wspierać. Jednak przestrzeń ta również skłania widzów do szukania komfortu w sobie nawzajem oraz w dziele. W pewnym sensie, otoczenie jest idealne do prezentacji prac artystów Zero, ponieważ ucieleśnia dwa z ich podstawowych pomysłów: że sztuka dotyczy możliwości i nieznanego oraz że powinna obejmować prawdziwe doświadczenia między ludźmi, materiałami i przestrzenią.

Ocalony przez zero

Ruch Zero został założony przez Heinza Macka i Otto Piene w 1957 roku z pragnieniem rozpoczęcia na nowo. Podobnie jak wielu ich współczesnych, Mack i Piene dążyli do ucieczki od przeszłości oraz do uwolnienia się od egoizmu i emocji, które przejęły kontrolę nad tak dużą częścią sztuki ich czasów. W Düsseldorfie, gdzie mieszkali i pracowali, było niewiele galerii sztuki. A gdzie indziej, gusta rynku skłaniały się ku dziełom sztuki, które wyrażały rodzaj „kultu indywidualności”, uosabianego przez estetyczne stanowiska, które wyrażały osobiste emocje, takie jak Tachisme, Art Informel i Ekspresjonizm Abstrakcyjny. Mack i Piene uważali współpracę za ważniejszą niż indywidualizm. Wierzyli, że wartość sztuki tkwi w doświadczeniu, które może zainicjować między twórcami, widzami, materiałami i środowiskami. Uczuli, że tradycyjny, pojedynczy obiekt stworzony przez artystę jest martwy, i chcieli zainicjować nowy punkt wyjścia, z którego mogliby pozwolić przyszłości zakorzenić się.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), lata 60. XX wieku; odtworzone w 2012 roku. Kolekcja More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Agencja Praw Autorskich, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

Mack i Piene zorganizowali swoją pierwszą wystawę tego, co uważali za przyszłość sztuki, 11 kwietnia 1957 roku, w swoim studiu. Było to wydarzenie jednonocne, mające na celu objęcie efemeryczności. Wystawa wzbudziła ogromne zainteresowanie i szybko została następnie uzupełniona przez kilka innych doświadczalnych, jednonocnych wystaw. Jednak dopiero po czwartej wystawie, we wrześniu 1957 roku, wymyślili słowo Zero, aby opisać swoją współpracę. Słowo to miało na celu przekazanie idei, że przeszłość oficjalnie się zakończyła - było to punkt wyjścia dla przyszłości. Jak opisał to Piene: „Patrzyliśmy na ten termin... jako na słowo wskazujące na strefę ciszy i czystych możliwości dla nowego początku, jak podczas odliczania, gdy rakiety startują - zero to niezmierzalna strefa, w której stary stan przekształca się w nowy.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Pokój Rozbijania Butelek), 1961; odtworzony w 2018 roku. Kolekcja Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Prawa autorskie: Adolf Luther Stiftung. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

ZERO, nie zero

Mimo otwartości ruchu, Mack i Piene mieli jedno dziwne przekonanie. Określili, że pisząc o nich, założyciele powinni być nazywani „Zero”, podczas gdy inni związani artyści powinni być nazywani „ZERO”. Dlatego wystawa w MONA używa wielkich liter – ponieważ w większości prezentuje prace większej międzynarodowej sieci artystów, którzy identyfikują się z tą filozofią. Niemniej jednak, jak jasno pokazuje ZERO w MONA, w ruchu nie było outsiderów. Wszyscy byli mile widziani. Nie było manifestu Zero i nie było oficjalnego członkostwa. Taka postawa zaowocowała ogromnym zakresem prac tworzonych przez artystów ZERO, co w tej wystawie odzwierciedlają rekreacje takich przełomowych dzieł ZERO jak „Pokój Rozbijania Butelek” (1961) autorstwa Adolfa Luthora oraz „Środowisko Lustra” (1963) autorstwa Christiana Megerta. Przyjazne nastawienie ruchu jest również pokazane w tej wystawie poprzez włączenie artystów z wielu innych międzynarodowych ruchów, które Zero pomogło zainspirować, takich jak Grupa Gutai w Japonii, Nouveau Realizm w Paryżu, Light and Space w Stanach Zjednoczonych oraz międzynarodowy ruch znany jako Fluxus. Demonstrują to rzadkie prace Marcela Duchampa, Roya Lichtensteina i Yayoi Kusamy, które podkreślają aspekty ich praktyki, które są znacznie różne od prac, z których są głównie znani.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Kolekcja Kern, Großmaischeid. Prawa autorskie: Spadek po Royu Lichtensteinie/Agencja Praw Autorskich, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości artysty i Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

Jednym z najważniejszych aspektów tej wystawy jest to, że ponownie skupia współczesną uwagę na potrzebie odnowienia sztuki współczesnej. Mimo że założyciele Zero oficjalnie rozwiązali się w 1966 roku, ruch, który zapoczątkowali, nigdy tak naprawdę się nie zakończył. Ta wystawa sugeruje również coś jeszcze ważniejszego: ideę, że być może ruch sztuki Zero nigdy tak naprawdę się nie rozpoczął. Być może nie był to ruch, który został wynaleziony w jednym miejscu w jednym czasie, ale raczej część znacznie większego kontinuum, które sięga w nieskończoność, do pierwszego momentu, w którym ludzie pragnęli używać zjawisk wizualnych, aby sięgnąć poza siebie w kierunku czegoś czystego i nowego. Prace w ZERo w MONA są tak świeże i tak żywotne, nawet teraz, że inspirują mnie do wiary, że ZERO może nawet trwać do dziś, kiedy grupy artystów spotykają się, aby współpracować nad estetycznymi kreacjami, które wykraczają poza to, co jest oczekiwane, lub co jest już znane. W tym momencie, w rzeczywistości, ta wystawa i przesłanie, które niesie, są niezbędne. Przypomina nam o tym kluczowym założeniu sztuki Zero: że sztuka dotyczy doświadczeń i relacji między ludźmi, ich otoczeniem oraz ich wspólnych wysiłków, aby wyobrazić sobie lepszą przyszłość. ZERO w MONA jest dostępne do 22 kwietnia 2019.

Obraz wyróżniający: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastyczna Przestrzeń), 1967–68. Kolekcja Archiwum Gianni Colombo, Mediolan © Archiwum Gianni Colombo. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Starej i Nowej Sztuki (Mona)

Autor: Phillip Barcio