Nieograniczona Energia - Sztuka Julio Le Parc

Świat na nowo odkrył Julio Le Parc. Urodzony w Argentynie, mieszkający we Francji artysta, który wciąż aktywnie pracuje w swoim studiu w późnych latach 80-tych, pomógł zdefiniować sztukę kinetyczną w latach 60-tych i był wczesnym zwolennikiem idei sztuki jako interaktywnego, demokratycznego doświadczenia. Jednak w porównaniu do swoich współczesnych, Le Parc nie zyskał dokładnie należnego mu szacunku. To częściowo jego własny wybór. W 1966 roku zdobył Grand Prix w malarstwie na 33. Biennale w Wenecji. Krótko potem zaproponowano mu wystawę retrospektywną w Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Jednak, według legendy, pozwolił, aby rzut monetą zdecydował, że powinien odmówić tej okazji. Ta historia ilustruje jego lekceważenie dla establishmentu artystycznego oraz jego przekonanie, że sztuka powinna przede wszystkim być dla ludzi. To również w dużej mierze wyjaśnia, dlaczego, mimo że nadal tworzył, lub jak to nazywa, prowadził "badania", wpadł w niepamięć w latach 70-tych. W 2013 roku Le Parc powrócił z wystawą solową w Palais de Tokyo w Paryżu. Dla większości osób, które zobaczyły tę wystawę, Le Parc był objawieniem. W następnym roku otrzymał swoją pierwszą dużą wystawę solową w Wielkiej Brytanii, w Serpentine Gallery. Następnie w 2016 roku w końcu cieszył się swoją pierwszą w historii wystawą retrospektywną w muzeum, w Perez Art Museum Miami. W tym roku jak dotąd jego prace były prezentowane na dużej wystawie solowej w Nowym Jorku i obecnie są zawarte w dwóch innych dużych wystawach: wystawie zbiorowej z Jesús Rafael Soto w Palm Springs Art Museum zatytułowanej Kinesthesia: Latin American Kinetic Art, 1954-1969; oraz wystawie solowej w Perrotin Paris. A w przyszłym miesiącu otworzy się kolejna retrospektywa jego prac w Instytucie Tomie Ohtake w São Paulo w Brazylii. Ta wystawa będzie oznaczać ważny moment historyczny dla tego artysty, który opuścił Amerykę Południową z obawy, że jest zbyt rewolucyjny, ale który teraz wraca jako uznany pionier, który ponad pół wieku temu dostrzegł społeczne i polityczne podteksty sztuki abstrakcyjnej.

Społeczno-Polityczne Korzenie

Dzieła sztuki Julio Le Parc są rewolucyjne. Niektóre są dosłownie takie, co oznacza, że są skonstruowane z kawałków metalowych luster, które obracają się, gdy zwisają na nitkach z sufitu. Ale jego twórczość jest rewolucyjna także w innym sensie, ponieważ jest wyrazem niezależności i wolności. Le Parc urodził się w robotniczym mieście Mendoza, które znajduje się u stóp Andów, około 1100 km (600 mil) od argentyńskiej stolicy Buenos Aires. Jak większość innych w jego rodzinnym mieście w tamtym czasie, Le Parc zaczął pracować młodo. Od 13 do 18 roku życia miał wiele prac, w tym jako dostawca gazet, naprawiacz rowerów, pakowacz owoców, rzemieślnik skórzany, pracownik biblioteki i pracownik zakładu metalowego.

Ale miał też dwa inne zainteresowania jako małe dziecko. Był dobry w rysowaniu obrazków celebrytów i interesował się protestami studenckimi, które miały miejsce, gdy młodzi ludzie szukali sposobów na reformę autorytarnych elementów w rządzie. Już w wieku 15 lat Le Parc znalazł sposób, aby połączyć te trzy czynniki - etykę pracy, talent artystyczny i zainteresowanie oświeceniem społecznym - zapisując się na zajęcia wieczorowe w Szkole Sztuk Pięknych. To tam miał szczęście być uczniem Lucio Fontany, innowacyjnego artysty modernistycznego, którego eksperymenty z przestrzenią uczyniły go jedną z najważniejszych postaci w globalnej awangardzie lat 50. XX wieku. Fontana wprowadził Le Parc do nowo powstającego, południowoamerykańskiego ruchu Neo-Konstruktywistycznego, co zainspirowało go do spojrzenia w przyszłość i przyjęcia innowacyjnego podejścia do estetyki.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Jadę do Paryża

W wieku 18 lat Le Parc opuścił szkołę, a także swoją rodzinę. Przez osiem lat podróżował po kraju. W wieku 26 lat wrócił do Buenos Aires z nowym entuzjazmem dla swojej przyszłości i zapisał się do Akademii Sztuk Pięknych. Tam nauczył się tworzyć obrazy, rzeźby i grafiki, a także nawiązał kontakt z innymi młodymi artystami swojego pokolenia. Razem z rówieśnikami kwestionowali wszystko, od akceptowanych standardów sztuki po akceptowane standardy rządu i społeczeństwa. W pewnym momencie Le Parc wziął udział w bezpośredniej akcji politycznej, która doprowadziła do zajęcia przez studentów trzech głównych szkół artystycznych w Argentynie, wyrzucając dyrektorów i próbując zainstalować rząd szkolny prowadzony przez studentów. Choć ostatecznie ten ruch został stłumiony, a Le Parc i wielu jego przyjaciół zostało aresztowanych, skłoniło ich to do myślenia o swojej przyszłości jako artystów.

Le Parc i jego przyjaciele dokładnie przyjrzeli się temu, co mogą osiągnąć w Argentynie, i zdecydowali, że jedynym sposobem na prawdziwe połączenie z międzynarodową awangardą jest przeprowadzka do Paryża. Chociaż wielu jego współczesnych nigdy nie miało szansy zrealizować tego marzenia, Le Parc wygrał konkurs artystyczny sponsorowany przez Francuską Służbę Kulturalną i otrzymał stypendium na przeprowadzkę do Paryża i naukę sztuki. Opuszczał Argentynę w 1958 roku. Po przybyciu do Paryża natychmiast zaprzyjaźnił się z kilkoma innymi przybyszami, takimi jak Jesús Rafael Soto i Francisco Sobrino, którzy byli pokrewnymi duszami. Poznał również starsze pokolenie artystów, kierowane przez Victora Vasarely, którego prace z zakresu kinetyki i iluzji optycznych umieściły ich na czołowej pozycji awangardy w opinii Le Parc i jego przyjaciół.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Interwencje społeczne i utopijne światło

To, co najbardziej interesowało Le Parc w sztuce kinetycznej, to fakt, że zmienia się ona nieustannie w zależności od okoliczności i tego, kto na nią patrzy. Le Parc wywnioskował, że sztuka statyczna ma zdolność do bycia autorytarną, ponieważ niezmienne obiekty wymagają formalnego rozważenia. Postrzegał ruch jako sposób na zdemokratyzowanie doświadczenia oglądania sztuki. Przypuszczał, że jeśli dzieło jest inne za każdym razem, gdy ktoś na nie patrzy, nikt nigdy nie może dojść do autorytatywnego wyjaśnienia tego. Sztuka kinetyczna jest zatem z natury otwarta, demokratyczna i wolna. Widzowie takich dzieł sztuki nie są pod kontrolą akademii, instytucji i krytyków, którzy często zachowują się tak, jakby byli faszystowskim reżimem kontrolującym sposób, w jaki publiczność doświadcza kultury.

To zrozumienie było przełomowe dla Le Parc. Doprowadziło go do dokonania dwóch innych ważnych odkryć. Pierwszym było to, że sztuka powinna być doświadczeniem publicznym, a nie tylko instytucjonalnym. Wprowadził tę ideę w życie, gdy on i jego przyjaciele zainicjowali serię interwencji publicznych, w których wprowadzili kinetyczne zjawiska estetyczne do przestrzeni publicznych w zabawny sposób, wymagając od publiczności interakcji ze sztuką. Drugim ważnym odkryciem było to, że jedną z najpotężniejszych sił wizualnych, które mogą zmienić sposób, w jaki ludzie postrzegają dzieło sztuki, jest światło. To odkrycie skierowało go ku całe życie fascynacji światłem jako elementem kinetycznym—elementem, który wykorzystał jako interaktywny komponent w wielu swoich najpotężniejszych dziełach.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Dziedzictwo Otwartości

Dziś wielu młodych artystów interesuje się praktyką społeczną w sztuce i jest ciekawych, jakie prawa przysługują widzom do definiowania własnych estetycznych doświadczeń. Jednak wielu nie dostrzega Julio Le Parc jako lidera pokolenia artystów, którzy jako pierwsi wprowadzili te kwestie na czoło awangardy. Jak pokazują jego ostatnie wystawy, Le Parc zasługuje na podniesiony status obok artystów takich jak Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez, a także oczywiście Jesús Rafael Soto i Francisco Sobrino — artyści, którzy byli pionierami kinetyzmu, optyki i sztuki praktyki społecznej. Le Parc wziął prostą ideę działania — zmuszania widzów do poruszania się i reagowania, aby dopełnić doświadczenie — i przekształcił ją w sposób na demokratyzację sztuki. Jego prace stanowią radykalną alternatywę dla konkretnego absolutyzmu, który tak często jest przypisywany rzeczom estetycznym. To przypomnienie, aby ciągle się poruszać, pozostać otwartym i przyjąć stałą gotowość do transformacji.

A jego praca jest również zaproszeniem do tego, aby nie być tak poważnym i być gotowym do zabawy. Podkreślił tę myśl w wywiadzie z 2016 roku w New York Times. Spacerując po swoim studiu, dziennikarka, Emily Nathan, znalazła dzieło, które Le Parc stworzył w 1965 roku, zatytułowane „Ensemble de onze mouvements-surprise” (zestaw jedenastu zaskakujących momentów). Utwór, jak sugeruje nazwa, miał jedenaście różnych elementów wykonanych z różnych materiałów, aktywowanych przez silniki, którymi widz mógł sterować. Ponieważ Nathan oczywiście chciała go dotknąć, Le Parc zabrał głos. Powiedział: „Śmiało, baw się tym.” Zrobiła to i natychmiast zauważyła, że każda ruchoma część również wydaje dźwięk. Symfonia akcji i pieśni ożyła. W doskonałym podsumowaniu jego wkładu w dziedzictwo zdemokratyzowanej kultury, Le Parc powiedział o różnych kontrolkach: „Wszystkie tworzą różne rysunki. Mogę widzieć w nich jedną rzecz, ale każda osoba ma prawo widzieć to, co widzi.”

Julio Le Parc - Sphère rouge (Red Sphere), made of plexiglass and nylon. Credit Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, Photo: André Morin

Obraz wyróżniony: Julio Le Parc - Bifurkacje, wystawa indywidualna w Perrotin, Paryż, widok instalacji, © Perrotin

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio